著名鋼琴家郎朗：「用鋼琴奏響中國聲音」

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轉載來源：

中央紀委國家監委網站

著名鋼琴家郎朗「用鋼琴奏響中國聲音」

郎朗

著名鋼琴家，聯合國和平使者。他是第一位與維也納愛樂樂團、柏林愛樂樂團等國際一流樂團長期合作的中國鋼琴家，曾十次獲得德國古典回聲大獎等多項古典音樂類權威獎項。

「《貓和老鼠》讓我對鋼琴產生了興趣」

您從兩歲開始學習鋼琴，到現在鋼琴已經成為一種生活方式。您是如何走上鋼琴之路的？

郎朗

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我很小的時候，電視里常常播一部卡通片《貓和老鼠》，裡面有一集叫「貓之協奏曲」，給我留下了深刻的印象。它演的是湯姆貓和小老鼠傑瑞一邊彈鋼琴一邊拚死搏鬥的經過。我覺得這有趣極了，每次電視里播放那一集時，都聚精會神地看。後來才知道，它們兩個彈的曲子是李斯特的《匈牙利狂想曲第2號》。當時我只是一個不到兩歲的小孩子，但就是這樣對鋼琴、對古典音樂產生了興趣。

後來，我到美國柯蒂斯音樂學院學習，那時也只有十四五歲。剛到的時候，發現同學中很多都是天才，他們對音樂的理解就像大師一樣，有太多的東西需要我學習了。於是，我就像海綿一樣，不僅跟老師學，也跟同學學，跟這個學一點兒，跟那個學一點兒。有同學彈西班牙樂曲彈得好，我就學他的拉丁節奏；有同學出身音樂世家，我就學到了音樂知識；有同學彈琴特別有氣質、有鋼琴家的范兒，現在我也學來了。

　　從我自己學琴的經歷來看，也是從小在學習中經歷了一個一個的關卡，一步一步走來的。第一步是明確愛好，自己是不是真正喜歡音樂；然後是第一次登台、第一次參加比賽、第一次考到音樂學院、第一次參加國際比賽。然後進入專業訓練，走上職業道路後，開始思考如何提高水準，進入到更大的音樂世界……每一關都要突破自己。所以，學鋼琴，一定要一步一步打好基礎，這是後來取得飛躍的前提。每一個進步，都是以時間累積為前提的。就像堆積木一樣，一定要累積到一定程度，才有可能出現質的飛躍。

郎朗少時的練琴生活

「自律應該是深入骨髓、從學琴的第一天起就要做到的」

鋼琴是一種孤獨的藝術，它需要大量的時間練習。您是如何做到將一首曲子練了百遍千遍也不厭煩的？請與我們分享您將一件事做三十年依然保持熱愛的秘訣。

郎朗

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彈鋼琴是一項苦差事，我的老師格拉夫曼很早就這樣告訴我。他6歲的時候，有一次在紐約遇到了著名鋼琴家拉赫瑪尼諾夫，就對他說：「我也想當鋼琴家，我最喜歡你。」然後拉赫瑪尼諾夫說：「that is a hard business」，這是苦差事。至今他依然告誡我：郎朗你要知道，我們乾的這個事兒（鋼琴）是一個hard business。但不管多辛苦，鋼琴是我的夢想，不是別人的夢想。自律應該是深入骨髓、從學琴的第一天起就要做到的。到現在為止，不管多忙，我每天都要保證兩個小時練琴。

　　當然，練習得很多的時候，自然會有一點枯燥。但鋼琴的好處在於，它是一個「萬能型」樂器，既可以彈奏西方的樂曲，也可以彈奏中國的樂曲，甚至是中國民歌改編的作品。每首曲子的曲調都不一樣，表達的情感和風格也是不一樣的。你可以從中感受到德國的古典、法國的印象、俄羅斯的浪漫……一首曲子膩了就換一首彈，它能呈現出一個非常有色彩的世界，不會讓你越彈越枯燥。

　　能夠感受到練琴的快樂，是一種能力--快樂的前提是學得正確、練得到位。如果越彈越枯燥，就證明目前的練習是有問題的，沒有抓住重點，沒有把握好應當呈現的藝術特質。這說明需要通過學習來加深對不同的表演形態、藝術風格的認識和體會。如果能在練習中不斷感受到藝術蘊含的力量與情感，肯定不會厭倦。

即使有了今天的成就，您也一直在堅持不斷推陳出新。為什麼要求自己每年都要有新的嘗試，挑戰新的曲目？

郎朗

：

這也是我保持練琴積極性的一個秘訣：一定要給自己定目標。目標有大有小，大目標肯定是要當一個偉大的藝術家，小目標可以是今年要彈一首新的樂曲，要嘗試一些不一樣風格的作品，要跟一位仰慕已久的大師合作，要推出一張新的專輯……這些小目標會讓人充滿動力，不斷推著自己進步。

　　在音樂的世界裡，不進則退。藝術不會保持新鮮，剎那的光輝不代表永遠，所以我要求自己每年都要有新的聲音、新的挑戰。必須不斷突破自己不擅長的領域，通過這種方式來防止退步。

　　另一方面，水平越高，越必須努力。這次彈得好，下次觀眾的期待值就會更高。舞台是最透明的地方，有沒有進步，大家都能聽出來--觀眾的熱情也逼著我們必須越來越努力。

郎朗接受本網專訪

「如果能通過曲子把一個故事講給觀眾聽，那就是成功了」

您的表演不僅有著紮實的功底，而且以情感豐富、激昂澎湃著稱。您如何豐富自己表演時的情感表達？

郎朗

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音樂實際是在講故事，它需要感情的注入。音樂家如果能把自己彈進曲子里，通過曲子把一個故事講給觀眾聽，那就是成功了。不管是一個30分鐘的奏鳴曲，還是一個5分鐘甚至只有3分鐘的小曲，每首曲子都是一個生命，演奏就是在喚醒它。不能把鋼琴只作為一個樂器、一個工具，也不要把曲譜看作一個一個死的音符。如果只是照著譜彈，沒有融入自己的情感，那就是把自己變成了一個「讀譜器」。所以，從小到大，無論是演奏西方古典音樂還是中國傳統音樂，我都不會把它當成是已經被演奏了幾十或幾百年的作品，而是嘗試融入自己的想像，詮釋出一個新的故事，就像給觀眾端上一碟熱騰騰的餃子。當演奏者把所有感情都傾注到琴鍵上，就能讓音樂很自然地流入觀眾心中。

　　同時，音樂是抽象的，每首曲子都不應被固定成一個故事。作曲家本身並不希望每個演奏者都把作品彈得很相似，千篇一律不叫藝術，叫山寨。所以我們可以看到，貝多芬在作曲時，從來沒有寫下每首曲子是什麼意思，是出版商為了幫助觀眾理解，才加上了諸如「黎明奏鳴曲」、「月光奏鳴曲」等名字。法國印象派的作品也很有意思，他們把所有的題目，都放在了樂曲結束之後右下角最小的一個地方，而且還畫了一個括弧，這就是告訴聽眾可以這麼想像，但不一定局限於這個意思。我想音樂的最高境界就在於此。

讓自己能講好每一首曲子里的故事，您有哪些好的做法可以與我們分享？

郎朗

：

學鋼琴，不僅僅是學藝術，同樣是學文學、歷史等文化知識，二者不可偏廢。讀書越多，對音樂家的個人經歷了解越多，對同期的藝術作品比如畫、雕塑等，以及時代背景比如法國大革命、二戰等了解越多，對於演繹作品越有好處。一個時代的文學藝術追求的風格基本是一致的。另外，對地理知識也要有所了解，因為不同的地理環境，丘陵、山脈、鄉村、城市等，同樣會造成不同的音樂風格。比如我有一次去德國接受採訪，就沒有回答好這個問題。記者問我從莫扎特的一首協奏曲里看到了什麼，我說看到了一些城市的面貌，結果鬧了笑話。那首曲子其實寫的是薩爾茨堡的鳥，是飛翔在阿爾卑斯山的鳥。

　　一個音樂家，要形成自己的「知識庫」，隨便拿出一首曲子，要能大概說出它的時代背景。你可以讀詩，讀小說，看電影，然後通過音樂來編織你想像到的圖畫

。

郎朗接受本網專訪

「用音樂說話、用實力說話、用時間說話」

對於中國的鋼琴家走進西方古典音樂圈，您有哪些體會？

郎朗

：

古典音樂是一種源自西方的音樂文化。其實不只是中國音樂家，西方人對亞洲音樂家能否演繹好古典音樂都會存在一些誤解。所以作為一個亞洲音樂家，在進入古典音樂領域時，必須得展現出自己超強的能力和特點，否則就很難脫穎而出。

　　我在美國剛開始起步時，確實很難。簽公司的時候，簽我的經紀人就被公司老闆批評了。老闆問，他行嗎？你怎麼能簽一個十五歲的中國男孩，他彈的《貝多芬協奏曲》，哪一個觀眾願意買票呢？其實他說的是實話。這樣的質疑很多，意志力不強的人，可能幾下就被淹沒了。

　　後來到了2001年，我第一次參加BBC逍遙音樂節，準備彈拉赫馬尼諾夫第三鋼琴協奏曲，這被譽為世界最難的協奏曲。剛到倫敦，就有人跟我說：一個中國孩子就別嘗試「拉三」了，現在換曲子還來得及。我當時很禮貌地說：「let』s talk after the concert（請在音樂會後再評論）」。那天彈完以後，我印象很深，現場的解說連著說了三聲「wow」，就什麼也說不出來了。我想至少那天現場的觀眾們以後再也不會認為中國人彈不好鋼琴了。

　　其實民族與民族、文化與文化之間存在「傲慢與偏見」，是難以避免的。非常幸運，我衝破了這個所謂的「重圍」。我一直堅持，不管受到怎樣的評論甚至批評，都不要去直接回擊，而是用音樂說話、用實力說話、用時間說話。

您師從格拉夫曼，也有過和眾多世界頂級音樂大師合作的經歷。您從他們身上學到了什麼？

郎朗

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格拉夫曼曾是霍洛維茲的學生，本身就是著名的鋼琴大師。他對我影響非常大，可以說是我人生的嚮導。能師從於他，是我的幸運。此外，我也和很多世界頂級的音樂大師合作過，比如艾森巴赫、巴倫博伊姆，包括前段時間琉森音樂節的夏依等。和音樂大師的交往，幫助我找到了自信。比如原來我彈莫扎特的作品，其實沒有太抓住其中的感覺，包括怎麼觸鍵、怎麼分句、怎麼形成音色的變化。在這些問題沒弄清楚時，我就彈得很保守，挑不出毛病，但也絕不精彩。這時，艾森巴赫出現在我藝術的世界裡，他親自帶著我，我們倆一起四手聯彈《莫扎特奏鳴曲》。那個時候根本不需要語言，他一彈，一個眼神，一個動作，你就會明白，原來是這種感覺，原來應該那樣彈。當我體會過這種感覺以後，再彈起莫扎特，就如魚得水、太喜歡了。我很多時候是通過這種方式來學習的。

郎朗演出現場

「藝術是能改變生命的力量，它能讓我們每個人擁有欣賞美、收穫快樂的能力，具備體驗幸福人生的能力」

古典音樂給人的印象常常是「很難、很高級」，因此欣賞人數有限。能否結合您的體會，談談我們為什麼要聽古典音樂。

郎朗

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的確，在很多人印象中，古典音樂總是和精英、高冷、古板、不接地氣等詞語相連。但我認為這是一種誤解，古典音樂並不高冷，它也有血、有肉、有靈魂，有自己的溫度。包括巴赫、海頓、莫扎特、貝多芬等，這些古典音樂巨匠在他們所屬的時代，同樣具有普遍的聽眾基礎--他們也有一大批「狂熱的粉絲」，「票房火」的時候也座無虛席。你能想像嗎，在十九世紀的時候，李斯特和塔爾貝格，他倆曾經就在大馬路上斗琴，一個人把本來是右手的練習曲用左手彈，一個人不但用左手彈，還從最後一頁倒過來彈--這完全就發生在馬路邊上，旁邊圍觀的都是來來往往最普通的老百姓，這就是最接地氣的音樂。再比如莫扎特在作品公演的時候，有時候兩個小節過去，底下觀眾就叫「好」，再兩個小節過去，觀眾叫「太差了」，這些場景在今天簡直不可想像。所以從某種程度上來說，「古典」和「流行」只是相對而言，古典音樂就是那個時代的流行音樂。今天我們應當去除對古典音樂的刻板印象，重新真正認識古典音樂。

　　藝術是能改變生命的力量，它能讓我們每個人擁有欣賞美、收穫快樂的能力，具備體驗幸福人生的能力。古典音樂具有經久不衰的價值，完全不應僅僅只在一個特定的時代流行。它不像足球、電影、流行音樂那樣，能讓人在三分鐘內就感受到魅力，古典音樂其實更像中藥，慢慢滲透，需要一些時間，久了療效就出來了。所以我一直在努力，讓古典音樂在今天流行起來，讓更多人尤其是年輕人愛上古典音樂。

有人認為聽古典音樂之前應當先去了解相關的知識和背景，才能「聽懂」這首曲子；也有人認為欣賞古典音樂無需專業知識，只用感受音樂藝術中蘊含的美感與愉悅就夠了。您認為我們應當如何去欣賞古典音樂？

郎朗

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其實很簡單，我舉一個例子：你聽《黃河》的時候，需要知道黃河長什麼樣嗎？可能去了解一些關於黃河的歷史、地理知識對自己會有所幫助，但那個旋律一出來，其實共鳴感就很強，就能帶給你心靈的震撼。再比如貝多芬的《命運》，那個「噹噹噹噹……」的旋律一響起，不用告訴你這是命運，但你聽著這心臟的跳動，這不就是命運嗎？這就是經典的作品，不需要太多背景，就算完全沒接觸過古典音樂的人來聽，也會產生心靈的共振。當然，確實也存在像《馬勒交響樂》這樣比較難的曲子，我建議古典音樂的初級愛好者們不要上來就聽。不過最重要的是參與、享受其中，不要在意聽不聽得懂，聽久了自然就能明白，就可以去想像、去和作曲家對談了。

郎朗接受本網專訪

「用鋼琴來講中國故事、傳播中國聲音」

您既是一名優秀的音樂家，也是一名中國文化的傳播使者，以琴聲為橋樑連接了中國與世界。您是如何向世界介紹中國文化的？

郎朗

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民心相通，需要文化相通；文化相通，需要音樂搭起中外人民心間的橋樑。音樂是一種無聲的語言，不需要翻譯就能營造出親近、愉悅、和諧的氛圍，具有一種「天下之至柔，馳騁天下之至堅」的力量--不同國家的人與人之間或許會因誤解產生問題，但最終一定能因音樂坐在一起。

　　正如西方古典音樂能被中國聽眾接受一樣，今天，「中國元素」被各國音樂家們所鍾愛，中國的傳統音樂正逐漸被世界所聆聽。作為中國鋼琴家，我希望把鋼琴彈好，同時也希望能把更多的優秀中國作品彈出去，用鋼琴來講中國故事、傳播中國聲音，讓世界通過鋼琴、通過音樂、通過文化來認識中國、了解中國。所以在國外演出時，我常會帶上一些中國的優秀樂曲，《我的祖國》《黃河》《長江之歌》《瀏陽河》等都是我世界巡演的重要曲目。演奏前，我會用故事形式來解釋樂曲的內容和意境，幫助觀眾通過想像來領悟中國音樂的神韻。每當演奏完這些中國曲目時，全場觀眾都紛紛站起來，與其說是為我鼓掌，不如說是為中國鼓掌。我能感受到，觀眾們從我的演奏中領悟到了我的心意，那一刻真的讓我開心極了。

　　好的作品是中國文化走出去的關鍵。2005年，作為中國文化年活動之一，我應邀到白宮舉行個人專場獨奏會。我彈了一些中國的曲子，還和我父親合奏了一段二胡曲《賽馬》。尤其用二胡做馬聲的時候，現場觀眾都在拍手，然後站起來說「中國藝術很偉大」！2006年，我錄了一張中國專輯《黃河之子》，這之中也遇到一些壓力和顧慮，有人很直接就說：「中國音樂，能行嗎，我們國家聽眾不一定聽」。後來，這張專輯非常神奇地在德國賣了15萬張，美國、英國效果都很好。很多觀眾都說很好聽，不敢相信鋼琴怎麼能彈出這麼美好的中國音樂。我當時就覺得，中國文化，真厲害！

　　中國有豐富的題材可以進行藝術創作，但好的作品不能一蹴而就，需要藝術家們沉下心來、不斷追求，也需要多與外界交流、尋找借鑒，比如《黃河》就是因為凝聚了一代人的努力才成為了典範。推廣中國文化需要時間，也需要藝術家個人和集體的踏實努力與堅持不懈。

郎朗演出現場

「當《黃河》的旋律響起，我的眼淚就自己流下來了」

您曾經說《黃河》是自己最喜歡的中國樂曲，在公開場合演奏過數百次，好幾次淚水充滿了眼眶。為什麼會有如此強烈的感受？讓您印象最深刻的一次演奏《黃河》的經歷是什麼？

郎朗

：

《黃河》這首曲子，從我很小的時候就開始彈。小時候沒有理解這首曲子，所以有些樂章中憤怒、悲壯的感覺沒有彈出來。後來出國了，在國外再彈奏《黃河》的時候，感觸會尤其深刻，就覺得真的太好聽了。所以我在國外演出時，如果有機會，都會把《黃河》推薦給當地的觀眾。

　　《黃河》的難度很大，風格多變，深度、旋律性、技巧性全部都能達到國際標準。比如《黃水謠》這一樂章，風格很細膩、很中國化，體現了中國傳統文化中無聲勝有聲的境界。但它同時又包含了一些不太傳統的部分，和柴可夫斯基等音樂大師的作品有點像，比如大八度就明顯受到影響，有俄羅斯風格。同時，更打動我的，是它背後震撼人心的故事。我曾經讀過作者冼星海的家書，有幾句話讓我記憶猶新：「我是一個音樂工作者，我願意擔起音樂在抗戰中偉大的任務，希望把宏亮的歌聲震動那被壓迫的民族，慰藉那負傷的英勇戰士，團結起那一切苦難的人們」。《黃河》是一首偉大的作品，奏響了冼星海以及那個年代的中國音樂家們滿腔熱血的家國情懷，和以「音樂為武器，將音符變成子彈，射向敵人胸膛」的不屈信念，有著說不出的中國氣魄。每當在國外演奏時，我都會因為自己是一個中國人而自豪、感動。

　　第一次在國外演奏《黃河》時，是跟中國愛樂樂團在美國林肯中心。一般彈音樂會時，我是不會哭的。但是那天，當樂隊出來、《黃河》的旋律響起，我的眼淚就自己流下來了。這是流淌在所有中國人血液里的東西，是不能描述、不可控制的。

常年在世界各地演奏，您對「中國」這兩個字是否有更深刻的體會？

郎朗

：

還記得十四歲去美國的那天，我是拿著國旗走的，其實當時那麼小，可能也並不明白什麼是愛國、應當怎樣愛國，但這種感覺永遠都是真誠的。

　　音樂沒有國界，音樂家卻有祖國。國外的觀眾來看我的演出，不管演奏什麼曲子，觀眾心中想的首先一定是「這是個中國鋼琴家」，然後才是「這是郎朗」。所以我一直告訴自己，只要在舞台上，就是代表中國。每場音樂會都要彈好，要讓其他人知道中國人是可以的。

　　不光是我，每一個中國人出國在外，都不僅代表自己，一定也代表中國。很多外國人沒有來過中國，他們對中國的印象，大多是通過與身邊中國人的接觸而形成的。可以說，中國的國家形象，由每一個中國人展示；中國的國家尊嚴，需要每一個中國人維護。每一個出國在外的中國人，都應當自信、自立、自強、自律，向世界展現中國人的優秀品質與昂揚精神。

郎朗接受本網專訪

「改革開放帶給每一個人的最大變化是讓我們敢於有夢想，最大機會是有了享受夢想成真的機會」

一個人的成長是和國家聯繫在一起的，國家、時代的烙印必然會體現在每一個個體的人身上。您的人生經歷，受益於中國打開國門、走向世界的時代機遇。能否談談您感受到的改革開放？這些年您所見到、感受到的世界眼中的中國，與十年前、二十年前有什麼不同？

郎朗

：

我是改革開放的見證者、參與者、受益者。我覺得改革開放帶給每一個人的最大變化是讓我們敢於有夢想，最大機會是有了享受夢想成真的機會。非常幸運能生活在這個時代，生活在今天的中國。在我父母那個年代，很多人也有理想、有才能，但是卻沒有我們一樣的機遇。

　　今天，隨著中國的發展、綜合國力的提升，我們日益走近世界舞台中央。2008年北京奧運會的成功舉辦，帶來了中國國際形象的提升，我非常榮幸能夠參與其中。在奧運會開幕式上演奏《燦爛星空》，這是我一輩子不能忘懷的經歷。從那之後，我感到了明顯的改變，彷彿全世界都在張開懷抱歡迎中國。舉例來說，原來我們讓中國音樂「走出去」，是給誰聽？全是給中國城的華人聽。現在不一樣了，外國朋友會主動來聽，甚至國外的新春音樂會都變成了外國人和我們一起慶祝中國的春節。在國外過春節時，外國人會和我們一起放鞭炮、舞獅、舞龍，甚至寫起了對聯。在紐約和加拿大，中國春節已經成了法定節假日，這在二十年前簡直不敢想像。

　　這些年，我們不僅「走出去」，還「引進來」，中國已經成為國際音樂交流的重要舞台。很多世界著名音樂家和樂團都會來華演出，不僅帶來外國的經典曲目，還會演奏一些中國觀眾耳熟能詳的中國經典曲目。這在改革開放之初是什麼情況呢？我記得艾森巴赫曾經講過他鬧的笑話：八十年代初，他帶著蘇黎世樂團來中國，要學一首中國曲子，就學了《春節序曲》，本來的旋律是「叮叮叮咚，叮叮叮咚」，很歡快的節奏，結果他們演奏得很慢，「叮--叮--叮--咚--」，現場觀眾面面相覷，聽不明白他們演奏的是什麼，這就是文化差異造成的--中外的交流太少了，彼此不了解對方的文化。隨著改革開放的大潮，中國打開國門，走向世界，現在不可能出現這種問題了，很多外國樂團演奏的中國樂曲，都很有韻味，很好聽。

　　沒有改革開放就沒有我，40年來，中國以前所未有的速度發展到現在，我為中國感到自豪。我會繼續努力以音樂為橋，用旋律促進世界對中國多角度、多側面的理解，用鋼琴奏響中國聲音。

（採訪整理郝思斯 | 攝影胡思遠）

採訪札記

努力，是最大的天賦

門開了，郎朗走了進來。

　　在向我們點頭示意後，他的注意力被面前兩個七八歲的「小粉絲」吸引了：「學琴幾年啦，最近在練什麼曲子，辛不辛苦呀？」蹲下身子，他溫和而耐心地問。當聽到「小粉絲」們害羞地說「辛苦」時，他笑了，舉起手說：「要加油啊，來，咱們擊個掌！」

　　這份自然流露的親和，有些出乎我的意料。一直以來，人們給他貼上了「古典主義」鋼琴家的標籤--演奏著古典音樂，穿梭在殿堂級的音樂廳和音樂大師之中，理應是高冷、不苟言笑，甚至嚴肅古板的，可他卻有著與生俱來的直率、開朗，一開口，就讓人感覺到熱情與快樂。

　　「如何做到將一件事情堅持三十多年且一直熱愛？」

　　訪談開始不久，我首先就提出了這個自己好奇的問題--畢竟有那麼多人在學琴的道路上半途而廢。

　　「練習得很多的時候，自然會有一點枯燥。但鋼琴的好處在於，它是一個『萬能型』樂器，可以彈奏各種類型的樂曲，一首曲子膩了就換一首彈，它能呈現出一個非常有色彩的世界。只要你真正熱愛，是不會捨得放棄的。」

　　郎朗將自己那份天生的樂觀情懷延續到了音樂中。對他來說，鋼琴，是一種生活方式，是一種生命的幸福體驗：「一天不練琴就手癢，感覺生活中最重要的事情沒做」，「每首曲子都是一個故事，我就是那個講故事的人，每講一個故事就像給觀眾端上一疊熱騰騰的餃子」，「我曾經一個人躲在音樂學院的樓道間聽《黃河》，就覺得怎麼有這麼好聽的曲子」……臉上不時洋溢的笑容，一談到古典音樂就彷彿在閃光的眼睛，說到興起時便揮動起來的那雙靈巧的手，這些無意間的肢體語言告訴我們，他是多麼享受與音樂為伴的人生。一如「交響之父」海頓所言：當我坐在那架破舊古鋼琴旁邊的時候，我對最幸福的國王也不羨慕。

　　能從練琴這樣一件看似「枯燥」甚至「痛苦」的事中找到快樂並獲得成功，這是郎朗的過人之處，他也因此被人稱為「百年不遇的天才少年」。

　　難道郎朗的成功，真的是因為天賦？

　　對於這個問題，他說：「沒有勤奮就沒有一切。至於天才，我將其理解為一種無限的伸展性，也許一個人只要具備一點點天賦就可以擴展成很大。」

　　看似尋常最奇崛，成如容易卻艱辛。生活中，「知之者不如好之者，好之者不如樂之者」的道理，所有人都懂，希望鋼琴能有樂趣，是所有學琴者的期待。可「樂之」的境界，往往是走過低回蜿蜒的學習求索、走過曲徑通幽的瓶頸艱辛，而後才能逐漸深入體會到的：小時候，在上學之餘，郎朗每天練琴近6個小時，節假日非但不休息，練習時間還要加倍；在柯蒂斯音樂學院讀書時，他練琴之勤奮，使得學校破例延長琴房開放時間；後來開始奔波於各地演出，他就趁午休時間練習，有時實在累了，就直接往地板上一躺，稍微小睡一會兒；直到現在，即便已經成為世界級的鋼琴家，每天無論再忙，也必須保證兩個小時練琴時間……對於自己練琴吃過的苦，郎朗並不願多說--他覺得所有都理所應當：練琴雖然「很累，但有安全感」，「練習多了，心裡就有底了，就算你是神，不練也不行。」

　　聽到這兒，我突然明白了郎朗「快樂鋼琴」的秘訣：快樂是一種建立在練習基礎上的能力，想要享受到快樂的體驗、感受到樂趣的存在，就必須學得正確、練得到位--每一點一滴的進步、每一次練習帶來的藝術享受，都是快樂的源泉。音樂本身的魅力，能夠超越所有的辛苦、汗水、眼淚，正如他所說，「如果能在練習中不斷感受到藝術蘊含的力量與情感，肯定不會厭倦」。

　　鋼琴大師肖邦曾說：「我每天努力練琴十幾個小時，最終世人用天才兩個字總結我所有的汗水」。沒有任何成功的微笑，不是由失敗的淚水與辛勤的汗水疊加而得；沒有任何人前的掌聲，不是經人後的孤獨與絕望的苦悶體嘗而來。

　　努力，是最大的天賦，或許這就是郎朗成功的秘訣。

（郝思斯）

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