國畫寫生 重再現而未得心源

　　文、圖/記者江粵軍 　近日，「南風北采——關山月北京寫生專題展」在北京畫院美術館舉行。有關當代國畫寫生熱的話題，引發了人們的關注。寫生，其詞源自於中國畫論本身，譬如明《徐氏筆精》就談到「惟元倪瓚輩始喜寫生，脫畫家蹊徑」；但近代以來，寫生的傳統意義似乎又因西方繪畫觀念的引入而有所改變。那麼，對當代國畫創作而言，寫生的現狀如何？價值何在？請看業界專家們的「寫生論」。

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　　藝術評論家、畫家 梁江——

　　當代國畫寫生局限於技術層面

　　今天，我們的國畫寫生陷入了西化誤區——一味強調對著景、人、事、物來畫。其實，這只是培養藝術家觀察物象的一個技術性環節，中國傳統的寫生範疇要大得多，不僅是技法上的，也是觀察視角、創作角度上的。現在單純將寫生局限於技術層面，無疑限制了畫家對傳統寫生精神的理解和傳承。

　　中國古人的寫生跟近現代開始從西方引進的寫生概念，完全是兩碼事。古人的寫生，並非是對著實物一絲不苟、分毫不差地進行描摹，有如照相機、標本般複製；古人的寫生，「生」字乃是生機、生意、生動的意思，重在展現物象和自我的精氣神。他們雖然也遊山玩水、觀察花鳥，卻未必現場作畫，更多的時候是一種深入地體悟、感受，而後再通過回憶默寫、重現，由此超越物的表面進入到深層次的內涵。古代，如果一張畫作冠以「寫生」之名，只是代表其有所出處，並不是說畫得足夠像。實景再現式的寫生對古人而言，並非成功，而是失敗。

　　石濤曾說過「搜盡奇峰打草稿」，指的是把壯麗河山都看在眼裡、記在心裡，再按照自己的心意進行畫面上的自由移動、組合、改造，達到概括、強化的效果，屬於再創造的過程。面對這樣的作品，人們會覺得真實，主要是感受、體驗的真實，而非畫面與景物的一一對應。

　　可以說，當代國畫家雖然在寫生方面叫得響亮，但對它的重要性和意義還沒認識透徹：一方面，由於現在的便利條件太多——印刷品、影視作品、畫冊，讓不少畫家可以隨意東拼西湊，因此寫生在一些人心目中已無足輕重；另一方面，當代畫家對古人寫生精神和方法的研讀、傳承做得遠遠不夠。此外，西方的寫生具有非常嚴格的科學精神，當年黎雄才在日本留學，風氣已經盡染日本藝術界，他就曾到過科學院研究所去畫各種蟲、鳥的標本。而今天，我們的國畫家也做得不到位，很多時候所謂的寫生都是膚淺而形式主義地走一走，浮光掠影式地看一看，不夠科學也不夠投入，流於表面、失之膚淺，值得反思。

　　上海大學美術學院教授、博士生導師王孟奇——

　　當今寫生是做西方傳統的小學生

　　寫生原本是中國人的概念，不是西方的說法。將西方科學式的寫實套用「寫生」一詞，是翻譯上的問題。但今天的中國畫已完全落入西方過去的套路，傳統的寫生精神基本丟失殆盡，卻是不爭的事實。

　　西方過去的藝術教育，其實是實驗室的寫實。畫室有如科學實驗室，譬如畫模特，在固定的角度、光源下研究對象的比例、質感、量感及體積空間。即便是印象派，採取的仍然是科學的觀察方式，通過研究光線變化從而影響到畫面色彩的變化。因此，西方繪畫是伴隨著科學的發展而不斷發展的；中國傳統的寫生含義，則是寫對象和自己的生命，強調的是傳神，不講究再現。這個「神」可以是對象的，也可以是自己的，還可以是雙重的，就是所謂的「外師造化，中得心源」，這是中國人理解的認識與表現的關係，亦可視為中國人的寫生觀。

　　近百年來，西方的現代思想資源跟過去已經大不一樣了，越來越注重個人的精神性表達，西方藝術家也從原始藝術和東方文化中汲取了這一特點。因此，當代的西方繪畫教育完全不是自己原來的模樣了。而中國的繪畫藝術，至少在認識觀上曾經走在世界文化的前列，無論是徐渭還是後來的八大山人，都是以精神表達為首位。今天的國畫寫生模式，卻是從高起點回落到低位，重新去當西方傳統的小學生，走別人的老路，這不能不讓人感慨。

　　因此，今天的畫家，不僅要重提傳統寫生精神，更要對傳統文化做深入的研究，看看古人是怎樣對待自然、表達自然的，只有真正認識到古代畫家跟自然的關係，才能懂得寫生的奧妙、國畫的奧妙。

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　　廣東畫院畫家 黃唯理——

　　當代寫生是對傳統的拓展

　　現當代國畫中的「寫生」概念，始於西方美術教育模式在中國的推廣，而廣泛得到提倡則是1942年延安文藝座談會上毛澤東講話發表以後。在我看來，初涉山水畫者通過寫生可以「驗證」傳統畫譜上的技法，並體會「造化」轉化為筆墨這樣一個激動人心的過程。當然，作為一個相對成熟的山水畫家，就不能僅僅局限於簡單的「滿山跑」而忘了「用心」了。

　　古人大多將歷游山川作為修身養性的方式之一，因此，身游與神遊是一體的。多數時候，他們重視的是行走山河的感受過程，而不像現在的畫家，見到好的景緻，就坐下來將其描摹成畫。宋元的畫家，雖然偶爾也會停下來勾勒幾筆，但往往只是一種素材式的記錄。

　　而隨著時代的進步，當代畫家更多把寫生當做創作的補充，甚至現場寫生也成為一種創作。這種踏踏實實坐下來描摹山川的寫生，在我看來，其實是對古代寫生精神的拓展：一方面可以訓練筆墨、訓練表現力；另一方面可以「治療」傳統山水畫過於概念化、缺乏生機等通病。我們都知道，嶺南畫派自誕生之日起就很重視寫生，給當時的畫壇吹入了一股清新氣息。翻看李可染、陸儼少、賴少其、關山月、黎雄才等大家的畫集，總有一批生機勃發的寫生作品吸引、感染著讀者，這就是寫生的力量。

　　近些年來，畫家們的寫生熱情跟前輩比起來，可謂有過之而無不及。一個有成就的當代山水畫家，倘若沒有一批精彩感人的寫生作品存世，將來他的「全集」和個展會是不完美、有缺憾的。但在寫生熱潮中，我們應警醒將寫生素材直接套用於創作，把自然山川誤作胸中溝壑。具體說來，就是過度詮釋自然的神奇瑰麗，忽略了繪畫的人文之美好、精神之超越。畢竟，山水畫家最重要的是通過筆墨映現自然與自我生命的本真。因此，寫生中既要賦予作品更強的現場感和豐富性，以擺脫程式束縛而獲得新活力，又要儘可能展現山水畫的超越性和筆墨韻味。

　　具體到每一位畫家，是更重精神一些，還是更實在一些，應根據個人情況好好剖析。有的畫家創作了一段時間以後，作品很概念化，常常自我重複，那就需要到大自然中好好寫生了，以吸取新的元素、新的感覺來完善畫面形象；有的畫家在畫面表達上已經很形象，那可能更需要通過提升自我的修養來提升創作的精神高度。

　　廣州美術學院教授、著名國畫家 周彥生——

　　沒有寫生 當代花鳥畫創作就無從談起

　　北宋時期，花鳥畫的代名詞是「寫生」，人物畫的代名詞是「寫真」，山水畫的代名詞則為「寫意」。所以，我經常跟學生講，花鳥畫創作一定要寫生。因為畫家藉助花鳥來表達自己的感情和寄託，就像詩人觸景生情一樣，如果沒有看到花花鳥鳥，哪來的感受體會？花鳥畫追求情趣，必須有觀察才有發現。要把蝴蝶、畫眉等畫得與眾不同，沒有細緻的觀察是無法獲得的。

　　花鳥畫的寫生應注重什麼呢？生，在我的理解，就是活的意思。花鳥畫不像人物畫，線條必須做到一絲不苟，不出任何差錯，否則人物就立不起來，花鳥畫最重要的是抓住生動的形象。寫生有兩個內容：一方面是觀察、研究、認識對象，了解其性格，譬如牡丹花，要把它富貴的精神狀態看透讀懂；另一方面，一些記不住的花瓣、花絲、花粉的特點，可以用文字記錄，也可以進行臨寫，將花瓣的轉折、葉子的正反、花粉的多少，都描繪下來。所以，寫生要用眼用腦也要動筆，只有研究得深入徹底，才能搞好創作。創作不是說直接將寫生搬到畫面上，而是有如從礦石中鍊鋼，要經過不斷萃取才行。這便是思索立意、改造自然，取得畫龍點睛的效果。

　　就我自己而言，經常帶學生到海南島、雲南西雙版納等地搜羅素材，腦海中裝下很多形象，才能把花鳥的生動氣韻表現出來。當代花鳥畫創作中，有一批想對歷史負責任、希望將這一畫科提高到當代最高水平的畫家，也一直都堅持寫生，相信寫生對花鳥畫的意義。