讓外行人變專家的實用賞畫技巧

07-13

王勝教授的藝術講堂已經舉辦了兩次，

很多讀者粉絲都紛紛表示頗有收穫，

這一次王勝教授將從19世紀的名畫講起，

讓王勝教授帶著我們一起走進聖路易斯藝術博物館吧！

開課之前，再次隆重介紹王勝教授

王勝教授，1956年出生於中國齊齊哈爾市，1983年獲魯迅美術學院油畫系藝術學士，被聘在該學院油畫系教授油畫和素描。1987年該學院選送他以訪問學者身份到美進修，研究美國的藝術教育，同時進行個人創作。他先後在伊利諾伊大學、聖路易華盛頓大學的藝術學院和芳邦大學藝術系進修並獲得美術碩士MFA學位，於1990年進入聖路易斯芳邦大學藝術系任教迄今。教授油畫技法，繪畫色彩理論，素描和研究生的獨立創作。王勝教授作品曾被《美國藝術新聞》和《美國藝術家》等報刊雜誌登載，並多次獲得藝術展覽的大獎。

這次講座開始前，王老師幫讀者們回顧了一下前兩次的內容--聖路易斯美術館15世紀到18世紀的館藏賞析

15世紀時繪畫的繁榮以Flemish School(弗拉芒畫派)為代表，那時油畫技術漸漸成熟。Flemish是比利時佛蘭德地區目前存在的行政區劃名稱。

16世紀義大利畫家相繼開始研究油畫，慢慢藝術中心向南遷移，各畫家也漸漸形成了自己不同的畫派。代表人物有拉斐爾、米開朗基羅、達芬奇、提香等。

17世紀，巴洛克風格的繪畫盛行，藝術中心轉到荷蘭，代表人物有倫布朗等，那時的荷蘭繪畫對風景和靜物的描繪尤其突出。

18世紀的英國發展出洛可可風格的藝術，以俗氣瑣碎的裝飾性為特點，將藝術品位拉到低谷，該時期同時出現了新古典主義和浪漫主義的萌芽。

學院派

本次講座從19世紀的繪畫開始，那時很多藝術畫派開始形成，出現了現實主義，或稱寫實主義等令人激動地藝術作品。之後又出現印象派，後印象派，野獸派，未來主義等。

「Peace」,Adolphe-William Bouguereau

19世紀到20世紀初是藝術發展最精彩的時間段，上面這幅畫的作者是19世紀末的法國學院派畫家，名叫威廉·阿道夫·布格羅 (William Adolphe Bouguereau, 1825年-1905年)，在19世紀乃至後世都非常有影響力。大部分作品都是表達愛、peace等主題。看這幅畫可以感受到畫家強大的繪畫功底，不論是畫中人物的膚色、比例，還是全畫的構圖、色彩，都是完美無瑕，不可不堪稱一副佳作。但是布格羅的作品也可以說一種「eye candy」，非常養眼、甜俗。它除了能給觀看的人帶來視覺上的享受以外，再無其他。他的畫漸漸也失去影響力，被稱為有「市民氣的（法語：bourgeois）」。

聖路易斯藝術館一直有這幅畫但是不敢擺出來，博物館也通常忌諱展覽這樣的畫，免得拉低館藏的品味。除此之外，他做評委的時候還曾經拒絕過梵高，塞尚等大師的作品，一切不符合學院派的繪畫他都不欣賞，導致後來他的名譽也漸漸喪失。直到近幾年這個畫家才又慢慢被人接受，他的畫也開始重新出現在各個博物館。

王老師講得聲情並茂，以至於讀者們怕自己的品味被拉低，紛紛站得離這幅畫遠遠的。

王老師的笑，大有深意

攝影巨作出自：小編

William Orpen, Self-Portrait paintingSowing New Seed(1913)

看完胖乎乎、白嫩嫩的小天使，再對比來看這幅另一位畫家的自畫像，手法上不是特別寫實，人物也並不是像布格羅塑造的那樣美麗鮮活，但如果技術太完美就會停留在欣賞技術的層面，反而忽略了藝術家創作的態度，和作品的內在表現。

這幅畫實際上在繪畫手法上並不簡單，臉部的塑造性很強。造型上也很是講究，但是又不是模仿照片拍攝的效果，有繪畫的痕迹。比如額頭部分非常結實，強調結構本身，皺紋上也下了不少功夫。這幅畫強調選擇性，比如帽子造型很簡單，文理高光都沒有，衣袖虛開，手和肩頭又相對清晰。

王老師再次敲黑板：繪畫中decision making 很重要！

本作品構圖也很講究，黃色的橫線起到將這些有機形態連接在一起的作用，使畫面不會太鬆散。可能外行人並不能看懂這麼細節的處理，但是畫的大概主題明白就可以了。

同學們，老師對我們的要求並不高。

風俗畫

Joaquín Sorolla,Under the awning, Zarauz (1910)

這幅畫是西班牙大師賽羅拉在20世紀初的作品，後期有些受印象派的影響，使用了很多鮮艷顏色，也有很多寫實的作品。總體有點像美國著名學院派肖像畫家薩金特，技術也非常了得。下面這幅畫就是薩金特的作品。

The Wounded Sea Gull,（1878）

風俗畫主要描繪具體生活場面，沒有理想化，也不表達宗教含義，沒有主題，只是單純表現日常生活場景。本幅畫作者法國畫家布雷東，被認為越來越有自我回歸和象徵主義的傾向。上面這幅作品就展現了一個女子抱著受傷的海鷗，眼神略帶憂鬱，是一個很平常的場景，卻給人留下深刻的印象和無限的遐想。

拉斐爾前派

「Ophelia」 by John Everett Millais, London

在18世紀末到19世紀初出現了拉斐爾前派, 他們認為可以比拉斐爾畫得好，他們反對風俗畫，這一點也影響了後來的學院派。拉斐爾前派強調故事性，文學性，經常使用小說，例如莎士比亞文學作品裡面的情節作畫。這是一個很大的突破，因為在這之前基本是以古羅馬古希臘為題的作品。

達芬奇也曾提出繪畫是不出聲的詩silent poem，主張要細細推敲。

新古典主義

Jacques-Louis David, Oath of the Horatii (1784)

拉斐爾前派以後，新古典主義出現了，代表人物有大衛，《荷拉斯兄弟之誓》。他們極端反對巴洛克和洛可可風格，主張回歸古典（古羅馬，古希臘）的簡潔冷靜，作品構圖中也很少有裝飾。他們主要進行主題性繪畫，欣賞這些作品有點像看話劇，他們把濃縮的情節放在一幅畫作中，這就要求觀察者要分開解讀每一部分。已上圖為例，左邊表現三兄弟要去打仗，他們慷慨激昂，義憤填膺，但右邊坐著的三個妻子剛好是從敵對國嫁來，面對兩難的選擇非常悲傷。

浪漫主義

安格爾也是新古典主義的一位大師，然而當時另一位新興的浪漫主義大師與安格爾展開了世紀之戰。

Eugène Delacroix, The Death of Sardanapalus

新古典主義正在發展的同時浪漫主義誕生了，德拉克洛瓦是浪漫主義的創始人，他強調戲劇性，passion，不是冷靜的，造型上也並不嚴謹。以上面的作品為例，國王得知戰敗，在自殺之前命人殺掉愛馬和愛妃，雖然他冷靜的躺在床上，但不難猜測他的內心是怎樣波濤洶湧，不能自已。

安格爾當時是學院派裡面的大師，無論是技術還是藝術修養上都十分受人尊敬。

王老師點評：一看就是一張有學術權威的臉！

自·帶·光·環

安格爾責怪德拉克洛瓦素描不優秀，德拉克洛瓦聲稱安格爾不懂色彩。

他們在歷史上都很有名，學術地位也很高，兩位大師還能否好好一起玩耍呢？如果你想要了解世紀之戰的精彩過程，

請自行Google！

好，

認真聽課的同學們，

我們繼續講浪漫主義

先上個圖

Edwin Henry Landseer, Attachment, (1829)

Sadak in Search of the Waters of Oblivion, John Martin, (1812)

第一幅圖講述的是主人從懸崖掉下，自己的狗非常傷心絕望，趴在主人身邊。第二幅圖也同樣有一種悲壯的感覺，並且造成了不知主人公能否爬上去的懸念。這都是浪漫主義運用戲劇性表達方法很好的體現。

不過小編髮現浪漫主義畫派對懸崖還真是迷之偏愛

終於知道愛情懸崖有多浪漫了

此刻王老師又出名言：

作品超越技術本身，我們一開始提到的布格羅雖然曾經非常流行，但作品如果要經久不衰，技術不是全部，而是必須要打動人。

巴比松畫派.寫實主義

Gustave Coutbet, The Valley of Ornans, (1858)

在這之後出現了巴比松畫派，並與學院派共存，成為了寫實主義的起點。雖然這並不是主要藝術運動，但是巴比松的走出象牙塔，畫真實風景的主張衝擊了布格羅慣有的精細和甜俗。巴比松可歸於寫實派，但不同於印象派，他們作畫不研究光，只是畫看到的風景。庫爾貝是寫實主義鼻祖，他的畫非常solid，不使用虛實，並且一向小心選擇出現在畫中的重要的靜物。上面這幅畫並不是特別精細，據王老師·福爾摩斯推測是庫爾貝quick study作品中的其中一幅。

王老師·福爾摩斯

Gustave Courbet, The Artist"s Studio, (1855)

可以看到庫爾貝《畫室》這個作品處理非常精細，除了表現他幾年來的藝術生涯之外，畫中還集中了上流社會各個階層的形象，表現一個法國社會的縮影。

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提到寫實主義不可不提到柯羅，他也是法國有名的寫實主義畫家和肖像畫家，但是他的風景畫會比普通的寫實主義帶給觀眾更多的聯想。可以看到上面的作品中微風吹動，一切的風景都呈霧狀，朦朦朧朧，若隱若現。柯羅的作品在巴黎、紐約等地收藏頗多。

Jean-Fran?ois Millet, The Knitting Lesson,(1869)

米勒也是巴比松畫派的代表人物之一，他同時也是法國最偉大的田園畫家。他的畫有濃濃的"earthy smell"，這樣的作品在國內非常推崇，符合大眾的欣賞眼光--質樸，親切，不追求華麗。

梵高早期收到米勒很大的影響，例如《吃土豆的人》這部作品就有著很強的田園風格。

Vincent van Gogh,The Potato Eaters,(1885)

Théodore Géricault, The Raft of the Medusa, (1819)

席里柯是法國浪漫主義的先驅，對浪漫主義和寫實主義都有很大的影響。上面這幅作品是《梅度薩之筏》，這幅畫描繪了法國海軍的巡防艦梅度薩號沉沒之後生還者的求生場面。當時人們坐在筏上漂流了好多天，幾乎失去希望。大家可以看到筏上到處躺著已經死去的人，還有的傷心地攬著同伴的屍體陷入沉思。這時突然看到不遠處有一艘船駛來，大家歡呼雀躍，希望之火又被點燃，他們揮舞著手中的衣物來求救，畫家捕捉到這個場景，將畫面所表現的主題推向高潮。《梅度薩之筏》是典型的浪漫主義繪畫的代表作。德拉克洛瓦，就是前面提到的與安格爾開展世紀之戰的浪漫主義大師，看到了這幅畫讚嘆不已，回到畫室一連幾天畫不出自己的作品來。

他當時的表情八九不離十就是這樣

印象派

Claude Monet ,Charing Cross Bridge, (1904)

莫奈最愛倫敦的霧，他畫中的倫敦也都別有一種霧蒙蒙的美。上面作品中的查令十字橋莫奈畫過無數，每一個都呈現在一個不同的光影作用下。印象派果然是很擅長研究光，這要歸功於本來與藝術沒有什麼聯繫的科學研究了。

繪畫藝術與科學有三方面合作：透視(Perspective)，照相機投影(Camera Projection), 和光學原理(Optical Principle)。印象派畫家就充分使用光學原理，莫奈就非常喜歡研究草垛、教堂等景物隨著時間和光線改變而呈現出的不同樣態。

王老師解說到：「白光由赤橙黃綠青藍紫幾種顏色的光組成，有光就有色，沒光就沒有色。視網膜可以投影紅黃藍三原色，光的投影的顏色是光的對比色，例如黃光下的投影是藍紫色的，也就是由三原色另外兩種光--紅光和藍光的顏色組成，還有比如紅光的投影是由藍黃組成的綠色，等等。」這也是印象派畫家最常使用的光影原理，通過研究光在人眼中呈現的不同狀態來作畫，就形成了這樣一幅幅帶給人心靈的震撼，同時也值得人細細品味的作品。

Claude Monet ,Water Lilies, (1915-26)

這幅睡蓮是莫奈最好的三幅睡蓮中的一幅，另外兩幅分別在堪薩斯城和克利夫蘭。細細觀察這幅作品可以看到畫面並不是靜止的，而是顏色在顫動。這是因為畫家使用了不同的顏色但是明度相近的色彩來作畫，於是就產生顫動的效果。王老師指出，這樣的多層疊加的畫法很難複製，雖然畢沙羅(下方作品)也同是法國印象派大師，但他的畫也最多只有三四層的覆蓋，而莫奈的畫多層疊加，甚至可以從側面看到他畫的厚度。

Camille Pissarro,The Louvre: Morning, Sunlight,(1901)

這時候一個粉絲瞪著純真的大眼睛問：老師，可以用X光照出來一共畫了幾層嗎？

王老師內心：

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於是此刻王老師決定下一期講座主題：《如何做到不體罰學生》

王老師平靜了一下，我們繼續回到課堂。

說到繪畫的保存，老師提到古典繪畫家使用調色油，這樣畫面很潤不容易干。而印象派的繪畫是顏料層層疊加，不加任何調色油，這樣就導致畫面容易皸裂。現在的辦法是在畫的表面加一層樹脂來保護。印象派的作品是美國的收藏最好，他們也佔了一戰的便宜，當時希特勒由於自己在藝術方面的不得志而非常憎恨現代畫派，於是低價拍賣買了很多。

一戰後有一個人物我們不可不知，就是德國畫家馬克斯·貝克曼 (Max Beckmann), 他在戰爭結束後搬到聖路易斯，在華大教了幾年書，因此他的作品在聖路易斯藝術博物館中收藏的最好。貝克曼是本世紀最主要的表現主義畫家之一。

Max Beckmann

Max Beckmann"s Paintings

後印象派

後印象派的三個代表人物是高更，梵高，和塞尚，他們分別代表後印象派中的象徵主義，表現主義，和立體主義。

高更和梵高這一對CP大家多少都有些了解，他們的友誼夾雜著尊敬和仰慕以及敬愛和迷戀，是非常複雜的，也是讓人無法琢磨的，據說梵高失去耳朵就和高更有關。下面這兩幅作品分別叫做《高更的椅子》和《梵高的椅子》，就是梵高在高更離去後畫成的，這其中的孤寂感和幻滅感不難體會。

Paul Gauguin, Landscape with a Horse, (1899)

高更是很富有的人，他後來厭倦了城市的富裕生活，一走了之。他的作品也如他的人一樣瀟洒，跳脫束縛，象徵性很強。例如下面的作品《我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？》就是用夢幻的手法帶領大家進入時空以外的思索。

Paul Gauguin, Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? (1898)

Van Gogh, Factories at Asnieres Seen from the Quai de Clichy, (1887)

Vincent Van Gogh, Stairway at Auvers,(1890)

梵高是大家非常熟知的後印象派大師了，他也被認為是不折不扣的表現主義畫家。上面提到的以兩把椅子為中心的畫作就是他用實物來表達他內心的主觀感受的典型。一把椅子在普通人眼裡可能只是造型和顏色可以吸引人，但在梵高眼裡這兩把椅子以及椅子附近的物品都能勾起他對感情和命運的思考。

Cezanne, Still Life with a Basket,(1888)

塞尚也是公認的後印象派大師，他的畫作特點是非常理性，經常使用橘色綠色黃色和藍色。同時他也更追求立體性，因此也被後世歸為立體主義畫派。

後印象派與印象派相比，除了顏色同樣都是使用小色塊以外幾乎沒有什麼特別的聯繫。後印象派不追求印象，而是追求自己對畫面的理解，不是根據視覺規律而是根據色彩規律來作畫。後印象派更強調個性和感受。

野獸派. 表現主義

Max Pechstein,Indian and Woman,(1910)

野獸派屬於表現主義畫派，強調自我內心感受，藝術家們經常使用強烈刺激的顏色，例如上圖中的綠色，紅色，橘色等等。

Henri Matisse, Bathers with a Turtle, (1908)

馬提斯是野獸派的代表，他的畫有鮮活的生命力。畫中人物造型將就，看似笨拙的線條其實在有限的空間里塑造了無限的趣味性。他不強調通常的流暢美，而是反其道行之，上圖就是用稚拙的，簡單的線條體現小孩子的稚趣。畫中人物經常不使用司空見慣的人體造型，而呈現肢體扭曲的姿勢。從上面的畫作中也可以看出馬提斯在作畫時不斷修改，人物邊緣也有很多struggling的地方，這也體現了他的藝術哲學：完美和非完美的對比。馬提斯著名的作品還有Dance(下方畫作)等。之前我們提到的一戰後搬來聖路易斯的德國畫家Max Beckmann畫作中所使用的黑線就是從馬提斯這裡來的。除此之外馬提斯還強調剪影的效果，人物的邊緣不是很自然地與背景融為一體，而是脫穎而出的感覺。他的畫作通常也要修改幾遍，作畫的process非常不好模仿。