從「照相」到「攝影」有多遠

2011-07-18 22:01:07分類：攝影知識 瀏覽(9) 評論(0)

分享 從「照相」到「攝影」有多遠戴占軍戴占軍，現任《中國質量報》副總編，中國海洋攝影協會副秘書長。作家、攝影家，高級編輯，獲國務院頒發的政府專家特殊津貼。隨著經濟的發展，數碼技術的進步，手持數碼相機的人比比皆是，其實照相人人都會，但「照」成攝影作品，卻不是一件簡單的事。擁有什麼樣的數碼相機？怎樣才能用好它並拍出好片子？本期講堂戴占軍老師為大家講述從「照相」走向「攝影」的基本方法和途徑，教你拍出一張「好看又會說話的照片」。 【戴占軍】：我先提出三個問題：第一個問題，你會照相嗎？提這個問題就很傻，可能大家會拍我的板磚。因為在數碼時代，在技術門檻已經大大降低的時候，人人都會照相。第二個問題，你會攝影嗎？可能有一些朋友有些困惑。第三個問題，我們想解決什麼問題？就是我們使用消費級的設備，如何讓照片拍出攝影的味道。我想今天在座的各位大多數都是要請教這樣一個問題的。我想給大家解決的問題，就是我們手持消費級的機器，如何把照片拍好，拍出攝影的味道。我經常出去辦班，每一次反應都是聽攝影課的朋友特別多。為什麼會這個樣子呢？實際上無論是照相還是攝影，在現在已經成為了一種生活方式，它甚至成為網路時代的一種語言。我們用已有的文字已經不能在網路時代常態或更好的進行溝通了，需要影像元素的介入。那麼我們能不能比較直觀的描繪出一條從照相到攝影的途徑呢？ 好照片所具備的基本要素我們為所謂的一張好照片，或者說具備一點攝影要素的照片，進行一個總結。第一，清晰是基礎。拍不清楚一切全都不要說。我們有很多攝影家、攝影師拍出來的東西都要放大之後，用於印製。不清楚，再好的照片也白搭。所以清晰是一張照片的基礎要義。第二，主體要突出。我們拍攝的主體是什麼？我們總想把所有東西都拍進去，但是相機的鏡頭它的角再大也是有限的。所以必須了解你拍攝的主體是什麼。主體往往是主題所見，當然主體和主題不是一回事兒，但是主體往往承載著一張照片主題最重要的信息。第三，曝光要準確，當然做到理想更好。準確的曝光和理想的曝光不是一個概念。第四，操機要熟巧。因為相機相當於我們畫畫的筆。如果機器不熟巧，一切談不上。第五，角度要新奇，構圖要講究，信息要正確。第六，近些再近些。就是我們要盡量讓我們的相機，讓我們的機位貼近被攝主體。第七，設備挺要緊。有人說你不是講低端數碼拍出好照片嗎？那設備是不是不要緊？非也。什麼樣的武器打什麼樣的仗，什麼樣的設備拍什麼樣的片子，所以設備還是很要緊的。最後，創意最重要。我們主要講一些拍攝的小的竅門，我們怎麼樣使用機器，調整機器，最後再講一下創意的話題，其他的都不講了。如果大家聽著覺得還行，還希望聽其他的，主辦方的同志們辛苦一下，我願意再來為大家講解其他內容。照片與攝影作品的差距照片與攝影作品的差距到底表現在哪裡？我覺得要辯證的看，首先說兩者相去甚遠。作為一張數碼照片是利用數碼相機隨意獲得並通過數碼技術輕易讀取的影像。而一張數碼攝影作品是運用數碼相機諸功能元素進行平面造型的創作，並運用相應的數碼技術讀取的光影藝術品。二者明顯差距有很多，我們可以列舉一些。首先是數碼相機的功能。你沒有這個功能，達不成這樣一種影像的要素素質，你也不可能拍出相應的作品。第二，運用數碼相機的能力。我們現在每人都有一個小卡片機，或者是有一台消費級的單反，但實際上我們很多朋友對相機的開發是非常有限的，也就是你開發你相機的能力有限。第三，它採取了不同的讀取技術路徑。第四，人不能而我能。說來說去一張好照片就是人家拍著了你拍不著，或者是人家在普通的自然界社會裡看出了不普通，拍出了不普通。你的眼睛只看到所有人都看到的東西，人家看到或拍到你應該看到而沒有看到的東西。第五，影像與光影藝術的根本之別。講這麼多，是不是兩者就橫著一條不可逾越的鴻溝呢？也不是這樣，我們辯證的看，又可以說兩者相距很近。首先照相與攝影二者雖然有明顯差距，但是本質卻是相通的，他們都是依據光的原理和原理相同的技術設備生成的平面固化影像。攝影作品說穿了就是一張好照片，沒那麼邪乎。拍攝一張攝影作品是非常辛苦的事情，但還沒有到我們不可以效仿，不可以學習，或不可以感知它這個程度。它說穿了也就是一張好照片。因此我們也可以說，一張公認的好照片，一定是具備了成為攝影作品的基礎。為什麼要辯證的看遠近？首先就是我們要找到我們從照相走向攝影的我們的差別在哪裡。其次是堅定我們的信心，我們手持普通的卡片機，手持消費級的單反機，我們一樣可以拍出攝影的味道。可能在畫質上達不到幾十萬設備的水平，但是我們一般的使用應該是足夠的。攝影是實踐的藝術，是通過學習每個人都可以掌握的藝術，也是考驗一個人綜合能力和素質的藝術。剛才我和幾位朋友在外面聊天，他講了一句話我很贊同，他說學習攝影實際功夫在詩外。　　認識你的相機首先我們講一點基礎的東西，認識你的相機。一些攝影人說技術仍然是門檻，全自動就拍不出好東西，這是經常我們遇到一些專業攝影人給我們講的。但是不一定的。我們來看兩張照片。這張是一位攝影家用單反相機在我工作時候拍的照片；這張是我在喝茶的時候，一個朋友拿一千多塊錢的小卡片機拍的照片。我們看這兩張照片，如果不考慮到放大印製的情況，我個人感覺好像這張卡片機拍的照片比另一張還要好一些。所以破機器，全自動拍攝不一定拍不出好東西來。又有很多攝影愛好者說現在的數碼相機智能化水平已經很高了，全自動已經可以解決大部分拍攝問題，言下之意是我們不用學了，這個也不對的。我們看這兩張照片，這兩張是老款5D拍攝的。前面這張是全自動拍攝形成的影像，這張是參數調整以後拍出的照片，我們可以看到兩者在光感、質感、光影上的不同，所以全自動並不能解決所有問題，因此學習還是很有必要的。要了解相機，你不了解你的相機等於是相機在控制你，不是你在控制相機。誰是最好的老師？不是老戴，不是教科書，也不是地理雜誌的某某，你的最好的老師就是你的說明書！很多朋友提出一些問題，我說你的說明書上都有啊，為什麼不看說明書呢？就沒有好好看，就以為它是一台電視一樣拿來就用。其實很多拍攝的問題，機器操作的問題在說明書里都有解答，當然有的語焉不詳就要向專家請教。所以建議大家回去把你的相機說明書當作最好的老師。我們要超越傻瓜拍攝和一P到底的拍攝模式，豐富你的拍攝模式。全自動拍攝，相機完全控制你。P檔拍攝，也就是程序自動曝光拍攝，是相機在部分控制你。我們要想辦法學會手動曝光，不能有畏難情緒。現在相機操作已經很容易了，手動曝光是很容易學的。很多朋友不能達成理想的曝光，主要就是不會手動曝光，所以建議大家能夠學會它。如果你不會手動曝光也沒有關係，你不妨使用程序自動曝光的其他模式，比如快門優先和光圈優先。或者有個過度，我們怕出去拍不好，先拿手動拍，拍完用P檔拍，拍完之後再試試光圈優先或快門優先。快門優先。當快門速度決定照片表現力的時候，這時候我們通常會選定快門優先，它常用於對動態事物的拍攝。這張照片它使用了比較高的快門速度，1/400秒，它對流水記錄是點狀的記錄。同樣的機位，我們採用了1/25秒拍攝，得到了流水的虛化效果，這就是快門優先基本作用說明。當你採用快門優先的時候，你設計快門，相機會自動生成一個光圈值匹配你的快門速度，從而獲得比較準確的曝光。大家知道曝光實際上就是快門與光圈的互益。虛化流水要根據流水的速度和表現需要設定快門速度，我的經驗是再快不能高於1/40秒，有的流水很急，速度很快，另當別論。在拍攝飛鳥的時候，一般速度不要低於1/400秒，如果低於這樣的速度，你很難記錄下清晰飛鳥的動態影象。光圈優先。當光圈大小決定照片表現力的時候，我們通常會選定光圈優先，一般應用於對景深不同的需求。這兩張照片，我們看這張，採用了小光圈，光圈越小景深越大，所謂小光圈就是數值大。這張採用大光圈，2.8的光圈，我們看它背景已經完全被虛化。這涉及到景深的問題，什麼是景深？我們在對焦的時候，除了焦點清晰之外，在焦點的前後還有一部分影象是清晰的，圍繞焦點前後的成像清晰的範圍被稱為景深，焦點到後邊的景物清晰度叫後景深，焦點向前邊清晰範圍叫前景深。後景深永遠大於前景深，這是由於鏡頭出鏡的原理決定的。那麼景深和什麼有關？景深和三大要素有關。我去講課的時候，都是只講光圈，其實不是的，光圈只是決定景深的要素之一。景深和光圈、距離、焦距三者有很密切的關係。我們剛才講過了，光圈越小，也就是光圈的數值越大景深越大。光圈越大，也就是光圈的數值越小景深越小，這是光圈對於景深的關係。那麼還有一個距離，距離主要是包括兩個概念，一個是拍攝距離，我們相機對於主體之間的距離，對景深會有影響，我們相機離主體越近的時候，所能獲得的景深越小。當我們的相機離主體越遠的時候，我們獲得的景深越大。還有一個就是在拍攝前後兩個主體的時候，要特別注意兩個主體之間的距離對清晰度的影響。我們看這張圖，它使用了很小的光圈，按說它應該清晰，但是由於他們兩個物距太遠，所以主體後邊的玩偶已經完全被虛化了。它使用了比較大的光圈，本來景深很小的，但是由於物距很近，所以兩者還都很清晰，這就是物距對景深的影響。兩個照片玩偶的距離完全一樣，拍攝使用的光圈大小也完全相同，但是由於使用了鏡頭的不同焦段所獲得的景深效果也不同，這就是第三個，景深和焦距有很大關係。我們看這張照片，兩個主體距離是一樣的，這張照片裡面，我們使用了很小的光圈，但是由於焦距使用了長焦起始端，所以後邊的玩偶已經被虛化了。而這張照片同樣的光圈值並沒有變，但是由於焦距我們使用了24的焦距，在焦距比較短的時候，後景依然是清晰的，這就是說我們使用的焦段越長的時候，我們所能獲得的景深越小。當我們使用的焦段越短的時候，我們所能獲得的景深越大，這是景深和三者之間的關係，其實很要緊。因為我們很多朋友拍照片，經常是拍一些留影照，有朋友覺得留影照很容易拍，其實是很難的。我們經常遇到的情況就是我們拍清了人，但是景緻並不清晰，有時候拍清了景緻，但我們的人不清晰，實際上是我們對景深的把握不好，主要是這個原因。最有用的相機設定方式我再講幾個最有用的相機設定，感光度，白平衡，測光模式的選擇，還有照片風格的設定，相機參數的調整，對焦模式，還有文件的記錄。時間關係下面這些都不講了，我集中講講上面的。在講之前講一下關於照片的記錄格式的選擇。大家最常用的是JPG模式記錄，JPG有它的優勢，它占的空間很小，但是它有它的問題，JPG在拍攝的時候就經過了壓縮，因此影象很難生成大畫質的影象，我們要放大的時候就比較困難，所以專業的影人很少能見到使用JPG格式記錄。如果他是拍作品，幾乎不會用到JPG，他會用RAW格式。RAW格式是數碼底片格式，很多人說它沒有壓縮，實際是不對的。它經過了很微不足道的壓縮，但它依然是經過了壓縮。我們在RAW格式下不能直接生成影像，要把它轉化成影像，可以轉化成幾種。一種轉為JPG，一般就可以了。但是要進行印刷的時候，還要把它調整成四色格式。有的攝影家說我拍的照片絕不調整，我跟大家講，這是不可能的。因為在RAW格式下的調整也是調整，你不能說我在數碼底片狀態下調整不叫調整，RAW也要一次把它拍好，特別是它轉成四色的時候，從三色轉成四色，照片都會偏暗一點，當轉換成四色一定要提亮一點，這樣照片印出來的效果才能達到我們看的比較唯美的光感，所以絕對的不調整是不可能的，當然參加比賽是不允許調的，但是在後期的時候會留下調整空間。因此，當我們拍一副作品的時候，一定要用RAW格式，不要使用JPG格式。第二是感光度。ISO感光度是膠片時代膠片的光線敏感度的國際標準規定。你也生產膠片，我也生產膠片，你是這個標準，我是那個標準沒法弄，所以要標準化生產才能成為現代工業生產。因此它就是一個標準化規定。數碼相機是模仿並借用這一概念，設置了類似的功能，像CCD等感光元件來代表它光感的敏銳度，大致與傳統膠片等效，但並不能達到完全等效。有一些商家鼓吹自己完全等效膠片的感光度，那是市場推廣營銷策略，它達不到的。大家知道，當我們的感光度數值越高的時候，我們能在暗光下獲得很清晰的影象，但是它也有問題，當感光度提高的時候，噪點也會持續加大。因此我們在用數碼拍攝的時候，一般控制在200以下，很多攝影家都會告訴你要控制在一百以下。但是最近微單相機，最低值設置的就是200度。但無論如何，我給大家建議就是我們能夠低感拍攝絕不要高感拍攝，高感拍攝放在電腦上看還行，但一旦放大到海報這麼大的時候就沒法看了。現在我們大家用到的佳能和尼康，據尼康自己稱，說我的高感控制更好一些，我用了一下，似乎比佳能稍好一點。這兩個照片就是這樣，噪點就已經比較大了。第三，講一下白平衡的設定。我們簡要理解一下什麼是白平衡，紅綠藍的三原色在光源中是以不同的比例存在的，具體的比例關係取決於色溫，色溫高時會偏藍一些，色溫低時偏紅一些。為什麼叫白平衡？是因為白色在任何光源下都具有白的特製，比方我們在綠色的有色光源下，我們對一張白紙進行照射的時候，它一定是白裡透紅，白里透藍，白里透綠，而我們用其他顏色，比如用黃疊加的時候，黃的特質本身就走樣了，所以它以白作為調節其他顏色色溫的標準，所以它不叫綠平衡，不叫紅平衡，它叫白平衡。白平衡和色溫關係密切，所謂調整白平衡其實就是調整色溫。色溫不像有的朋友理解那樣是顏色的溫度，色溫是衡量光色的通用指標，它是以多少多少K標定的。顏色說來說去，顏色是光溫的存在，是人類對光的視覺效應。如果沒有人的眼睛，沒有光能量的存在，我們是不能感覺到光的。比如我們現在看到台下五彩繽紛，但是燈一關我什麼也看不見。相機有各種白平衡模式，正是以色溫為指標設定的，它用於實現相機與被攝對象色溫的一致或近似，從而獲得正確的色彩還原。自動白平衡可以滿足大部分情況下色彩還原的基本需求。但是根據光源的具體情況，要使拍出的照片色正，在拍攝時還要對相機的白平衡進行相應調整。有一句話叫攝影家眼裡沒有色彩，只有色調。色調是一張照片的基調，它跟色彩是兩個概念，比如我們照片偏紅一點，偏藍一點，偏黃一點，偏冷一點，偏暖一點等等。照片的色調的生成和白平衡的使用有很大關係。我們一些朋友比較懶惰，把照片往自動白平衡一擱，不管什麼光源都用自動白平衡，其實有時候很難還原出正確的色彩。我當時在單位講課，孩子們說老師怎麼回事兒？這是在我辦公室用卡片機拍了兩張照片，辦公室的光源是管燈，我們看自動白平衡，顯然沒有辦法生成正確的色彩。下面這張使用的熒光燈白平衡，與現場光源是一致的，所以生成了比較正確的色彩。在弱光下拍攝的時候，現有相機原設定的幾種白平衡模式，都難以滿足需要。這時候以使用色溫為準，對K值做出調整。什麼是弱光下？像我們早上起來拍片子，拍霧色。在這種情況下，原場設定的無論是它的自動也好，日光白平衡也好，都很難生成正確影象，就像這張。自動白平衡很難還原原有色彩，這是在色溫值調整到8800K的時候得到和現場色彩非常接近的影像。講一點小竅門，在夕照下拍攝人物、靜物、風光時，自動白平衡拍出的照片會偏黃、偏灰。使用日光白平衡會偏藍、偏紅一點，色彩飽和度也會相應更高一一些。當然使用哪種白平衡跟你的創作意圖有很大關係。在日光下，特別是在側光和側逆光下要突出拍攝白色，更適用於使用日光白平衡。這兩張照片就是這樣，現在顯示的不太好，實際上在全自動下會偏黃一些，這張就會稍稍偏藍一點。所以在這種情況下，最好使用日光白平衡。在比較明媚的陽光下拍攝風景，如果希望調子暖一些，使用自動白平衡，如果希望調子冷一些，使用日光白平衡，拍出的照片偏藍一點，特別適宜表現碧海藍天。有一次我們協會帶著大家出去拍片子，大家說怎麼我們拍的片子有點灰突突的，其他幾位老師拍的碧海藍天非常漂亮。實際上沒有別的，除了我們曝光設定之外，很大原因就是他一直在使用自動白平衡，沒有使用日光，所以我們在晴天的時候，光色晴朗的時候要對白平衡進行適當的調整。當然講這麼多白平衡，我們也可以在後期製作，在RAW格式下可以比較隨意的對白平衡進行重新設定，很多攝影家也是這麼玩的，沒什麼新鮮。但是我想囑咐大家的，無論如何和你初始的設定還是有差異的，這種差異在電腦上幾乎是看不出來的，如果想自己玩玩沒有問題，但是一旦放大就會出現色差。特別是拍攝雲霞、日出、日落這樣的建議大家多使用白平衡，這組照片就是在同一個地方，使用了不同的白平衡的模式。實際上我們可以看出，它在光色上，在色彩上的一些差異。和它相關的就是拍攝雲彩的時候，很多朋友一般還是把相機的模式，就是風格模式設定在風光的格式下。我建議大家設定在標準模式下，因為如果你要表達雲的層次，雲絲的細膩，在標準模式下才更容易生成，如果你用風光模式或者其他模式，很容易拍的不好，這個大家要特別注意。在人造光源下，要對應使用。比如現在光是鎢絲燈或白熾燈，要對應使用白熾燈的模式。當然在光源複雜模式下，用自動的也會生成不錯的影像。使用什麼白平衡，和你對照片色調的要求有很大關係。錯誤的白平衡可以使照片產生奇異的色彩，在追求某些特殊效果的時候，不妨將錯就錯。這張照片是拍攝於同一片竹林里的，下面這張使用了白平衡，很好的適應了現場的光感，它生成的影像非常真實；這張使用的日光白平衡，造成了異樣，好像是在日光下拍攝。不同測光模式下有它的差異，我們的相機一般給出三種到四種測光模式，評價測光，中央重點平均測光，點測光和局部測光。很多攝影人也講不清楚這幾種側光模式是怎麼回事兒。簡單說就是它測光的光區和反映區，它的大小面積是不一樣的，電腦生成的數值是不一樣的。這是兩張同樣光感的照片，只是採用了不同的測光模式，由於它獲得了相機自動生成的光圈和快門曝光值，所以它獲得了不同的影象。還有一些很有用的功能，這些不都講了，簡單講一下曝光鎖的使用。曝光鎖是非常有用的裝置。我們在取景框里，由於事物成光不同，事物反射光不同，它對光感的要求是不一樣的。所謂理想的曝光，就是我們在創作的時候，我們對於光感的要求，光線的要求。這時候曝光鎖就很重要。比如像這張照片在這裡測光，在這裡測光，在這裡測光，在他身上測光，我們所能獲得的曝光數據是不一樣的。那麼大家知道，相機在很大的情況下，如果你是原場設定，就是我們的焦點是和測光點在一起的。像拍這張照片，我們如果把焦點放在這裡的話，就是在這裡生成的一組曝光值，但是它不一定是理想曝光值。經常出現這種情況，就是我們在這裡測光，而我們的焦點在這裡。這個時候曝光鎖就很有用了，我們在這裡測光，然後獲得一組我們所需要的一組曝光的數據，然後用曝光鎖鎖定它，在你拍這張照片之前，它就是這樣的曝光，它不會改變，你可以隨意的進行調焦、構圖等等。如果不是這樣，你不用曝光鎖鎖定它，如果你在這兒獲得了理想的曝光值，你要再去對焦，它就生成新的曝光數據了，所以沒有辦法獲得理想的曝光，所以曝光鎖是很有用的裝置。　　拍一張好看又會說話的照片在我看來，好照片也好，攝影作品也好，沒什麼懸的，就是它要看上去美，它要看上去好看。第二，照片會說話，它的影象、語言可以達成創作者的意圖。這樣一種說法主要包括兩個方面。所謂好看是指形式美，符合攝影藝術審美的一般規律。在我看來好看有六大標準：第一清晰銳利，第二曝光理想，第三色彩準確，第四色調怡人，第五色彩準確，第六層次豐富。會說話主要是內容美，就是用影象語言表達你的意圖和思想感情。美在於發現、期待和捕捉。美的客觀存在只有被發現並被主觀表現的時候才具有審美的意義。美在於突破常規視角，形式美有時候也是內容美。一定關注視角，反映了你看問題的立場、觀點和態度。美在於主題創意，任何藝術品都有一定的主觀意圖或者是都具備被人理解的內涵，攝影也不例外。發現、期待、捕捉。眼光決定鏡頭的取捨，也就是我們鏡頭的理想是什麼樣子的。期待是你對理想的追求和渴望。捕捉是理想的瞬間實現。我們看這張照片，這張照片我不認為它有多好，但是它非常難得，這是珠峰五姊妹。為什麼難得？珠峰又名羞女峰，它總是雲遮霧罩。珠峰是這樣，如果要把五姊妹都看全就更難。它有兩個要素，第一個就是它得是沒有雲彩，第二，你得站在這個位置上，如果去往珠峰，要想把珠峰五姊妹看全，在通往珠峰的道路上只有一個地方，只有一個山口可以能夠看全它，同時你到這個山口的時候，它還不能有雲彩，所以能把珠峰五姊妹看全非常難得。當時我去的時候，這是第三次去西藏拍照，我們到了平台的地方，一下就拍了，給了我們十八分鐘時間，雲霧又閉合起來了，珠峰五姊妹沒有了。這是珠峰拍攝的一張照片，它經常就是這個樣子，珠峰角下比較小的山峰，它的峰頭已經被鐵灰色的雲霧籠罩，要看到珠峰五姊妹是很大的造化。我到雪域高原的時候，四大寺廟的堪布親自接待了我，把他們自治區的幹部羨慕的不得了。攝影講究天時、地利、人和，關鍵是心有期待、腿腳勤快。這是霧鎖塔橋，是歐洲的頂尖級景觀，英倫的頭一號景觀。但是大家知道，從60年代開始起倫敦就沒有霧了。我們去英國，當時我住在塔橋，住了七天的時間。後來辦了個人展覽，叫一個中國記者眼裡的倫敦。我們去的幾個人，大家三天四天守過來，到第八天要離開了全都睡懶覺了，我就說不行，我到底看看霧有沒有。沒有想到早上起個大早，一下就被霧包圍了，當時所有沿岸站滿了倫敦的攝影師，我最慘350D，連三腳架都沒有，這張照片是放在欄杆上拍攝的。我試圖通過一個中國人的視角，用中國人的構圖去看待倫敦的霧。照片拍的好壞不敢說，最起碼現在很難拍到，特別是塔橋是很難的。突破常規的視角。為了從下面拍到它，我基本上是倒掛在欄杆上，腳勾著欄杆，後來英國的攝影師大衛說，我們沒有見過這樣去拍這道橋的，其實它就是新的視角對創意生成的影響。藝術本質在於創新，包括理念的創新，技法的創新，主題的創新等等，對於普通愛好者來說，我們選取新的角度，打破常規看事物是使創新成為可能的主要途徑。技法創新談何容易，理念創新談何容易？但我們在主題上創新是可以的。突破常規的視角讓我們重新理解事物或者賦予事物新的內涵。視角和視域的選擇，實際上是捕捉事物本身的途徑，就是要用影像語言傳達事物的特質和攝影者對事物的認知。我們知道在西藏有四大聖湖，其中幾個聖湖我都走到了，每個湖有自己的特點，我們看看這三個湖，這是羊卓雍錯，這是瑪旁雍措，這是納木措，實際上我力圖通過相機的視域，通過相機的視角反映他們的特點，能夠通過影象加以呈現，視角的變化也是這樣，這張照片是把相機放在腳面上拍攝的，形成了低角度的視角，這張照片是用了窺圖法。突破常規看事物。尤其適用於為大家熟知或大家都拍攝過的題材。這是沿岸，它為了方便大家拍照片，它在沿河修築了很多平台，但是最標準的我想也就不是最好的了，我們換個角度去看沿岸會有新的元素，這是沿著河走到沒有那麼多人拍攝的影像，由於我們機位角度的變化，使光線的走向形成了變化，這張照片形成了典型的側光，明暗的對比，新舊的對比，中間橋的連接，形成了一個主題的再造。對創意的理解。創意是我們認識事物、反映事物的創新性思維和手段，關於創意有很多說法，創意是頭腦的激蕩，創意就是要把鍋底砸破，各種各樣的說法，但說來說去，創意就是重新認識事物的方法和手段。攝影的創意就是較具新意的影響語彙，表達你被攝對象獨到看法。創意的本質屬性通俗理解就是打破常規，換一個角度思考問題，解決問題，在司空見慣中創造新穎奇特，攝影是創新的藝術，這種創新更多體現在創意上，即你創造主體和傳遞主題的創新性和意識和方法。風光攝影的創意往往是通過獨特的視角，瞬間的把握，有意識的取捨，非同尋常的構圖，賦予景物強烈的主觀意識等等方法實現的。對於業餘玩家來說，創意是我們打拚專業攝影人的利器。錢咱拼不過人家，技法咱拼不過人家，人家能走到的地方你走不到，人家有時間你沒時間，我們還能拼什麼？拼情感。賦予我們的照片情感，賦予我們照片新的主題。　　拍攝創意的重要性要有照片的創意，首先要認識理解你所拍攝的對象。這張拍攝於2008年的照片，就是我了解、觀察倫敦之後的產物。倫敦是個老牌資本主義，由於它承辦奧運會，倫敦這兩年由此帶出了新的活力。我正是把這樣的意識融入到照片當中去，畫面當中我使用了幾乎倫敦所有標誌性的元素，比如說八分鐘、大巴士、計程車和倫敦眼。如果我沒有對倫敦歷史的了解以及對這樣一些元素的認知，也就不會有這張照片。所以觀察觀察、認識、體味你的旅行地、從中獲得你獨到的見解和感受，是拍攝創意的前提。大家經常出去攝影有的時候是跟攝影團隊，有的時候是自己在戶外。我給大家建議，如果大家去拍片子，一定要對你的拍攝地有所準備，有所知識的了解，知識的儲備，我不相信你一點不了解它，蒙能蒙出好照片來。偶爾可以，一定要先對你的拍攝地有所了解，才有可能生成好的影像。多一分探尋，多一分創意。這是塞罕壩盡頭的景點，塞罕壩我每年最少去一次，去拍片，大家以後誰願意去可以搭幫，這地方比較近，去也比較方便。這個地方沒有人拍它，就是因為它是個墳頭，實際上它是有故事的，當我們了解它故事的時候，我對它充滿了新的感情，因此我不僅拍它還大拍特拍。也就是說你多了一些了解，多了一些探尋，可能對你的拍攝地過去可能司空見慣的，甚至有些厭惡的，可能會生出新的感覺和創意思想。多一分想像，多一分創意，這是倫敦一張照片，題為《牽手》。我們選取了一個角度，使它有手牽手的感受。古代文明和現代文明手拉手呈現在眼前，給人協調感。對於歷史和未來，會賦予現實景物以新的意韻。想像力是意識的靈魂，想像無極限是藝術創造無限的空間，面對大家熟悉的景物，如果你展開想像的翅膀，照片的主題和表現力就會給人非同尋常的感受。這是在思溪延村。思溪延村是兩個村子，一個是思溪村，一個是延村，這是它的廊橋，這個廊橋很多人去拍它。但是這是唯一一張，沒有人這樣拍它，我把它想像成一艘船。去過倫敦的人都知道倫敦塔是一座牢固而血腥的監獄，它代表了歐洲歷史上最黑暗的時代，這個監獄非常堅固，據介紹沒有一個犯人從這裡逃脫。那天從倫敦塔出來之後，一線飛機拉出煙霧橫在天上，而象徵著黑暗的古獄和象徵著自由的現代建築交織在我的視線中，我為自由的渴望而感動。想像力往往是通過象徵手法實現的，象徵不僅可以傳達抽象的思想，意識和情緒，甚至可以使畫面語言轉化成生命的形象，讓我們在視覺當中所謂的聆聽音樂的交響。這張照片用影象的長線條呈現蒙古長調的悠遠。多一分借喻，多一分創意。借喻類似於比喻但是不同於比喻，它是以喻體代替本體。在攝影創意和許多藝術形式中，借喻被經常運用，從而增強藝術的魅力和形象性。這個就是天游峰下拍攝的石刻，就是清代僧人運用借喻的手法創作的石刻作品。這幅作品叫長壽，只有壽字沒有長字，它是以壽這個字的長，比喻長壽，這是一張典型的借喻藝術品。這張照片借用了各個時期的建築，包括古羅馬時代的，維多利亞時代的，近期時代的和現代的，這樣一組畫面的組合，用這種建築的疊加指帶思想的疊加。這張照片叫輪迴，也是借用了借喻的手法表達中國的觀念，在這個影像裡面，它是使喻體具體化，產生輪迴的聯想。這張照片叫陰陽，用光照的陰陽體現道家陰陽觀。這是用荷葉的荷指帶和諧的和。多一分象形，多一分創意。象形在自然界是以形象的實體方式存在的，但是你要發現它要適當的角度才能獲得。魔鬼身材，這是在火車上剛拍的，列車長看完之後他說我在路上走了好幾年了，我怎麼就沒發現，這是唐古拉山的一小塊兒山體，魔鬼身材。還有象形物在自然界稍縱即逝，或是在一定光影條件下才能生成，這就需要一定的機會。這張照片天馬，這張照片的趣味性就在這裡。這是米拉山的主峰，我特別喜歡米拉山，孔雀開屏，這是它的山口，也只有在光影條件下才能出現，這是等來的。找到最佳平衡的創意點。這是錯那湖的翅膀。這張也是，只有站在塔橋的中間拍攝，這座橋樑才有羽翼的感覺。這個地方車水馬龍，旁邊的欄杆是不讓人進去的，我玩命一樣翻進來拍，也沒拿三腳架，就是手持拍攝的，因為只有這樣的位置才能拍到它。實際上我們講創意也就是找角度，找到合適的角度時候，創意是自然生成的。秋窗也是這樣，在兩棵松樹的縫隙之間拍過去，如果我們多拍一點，創意和構圖有著很直接的關係。反常。這都是一些比較反常的照片，同一個時間拍的照片，怎麼拍的，大橋在震動，高頻振動，把相機擱在那兒自動拍攝。這個叫血腥年代，這座建築的圍欄是不讓人逾越的圍欄，我們拍攝時候去的幾位攝影師，都是把鏡頭探進去這樣拍，而我覺得表現古獄把圍欄帶上恰恰把它的圍欄帶上更有味道。我們講角度，講創意，實際上我認為大家要記住一條，就是我們要形成差異化的視角，只要有差異化的視角，我們就能生成比較特別的影像。什麼意思呢？大家都在平視事物的，我們相機哪怕只要放低一點或者放高一點，都會形成和平視不同的差異化視角，所以我建議在大家拍攝風光也好，拍攝景物也好，拍攝鳥也好，盡量避免平視。多一分期待，多一分創意。這張照片發表之後他們都說我造假，實際上它是三架飛機，一架飛機在高空飛，一架在中高空飛，這是一架低空飛機，我覺得它很好玩，就等著它，走到這個位置按下快門構成了一張很好玩的照片。所以多一點等待的時候，可能會生成一些不錯的影像。這是對於動態事物，對於主題生成的運用。這張照片也是這樣，這張照片是在一個道觀裡邊，小道士在走，後邊一個小姑娘拿著手機在拍他，他們前邊落著一隻鳥，等他往前走的時候把鳥驚起來了，我按下快門，構成一個比較有趣的照片，叫追道。多一分曲折，多一分創意。風光也好，旅行攝影也好，畫面美不是唯一目的，傳遞你的想法，你的思想情感，或是如人所說提出問題，能夠提出這樣的問題往往比單純美更能打動人，在這個時候用曲折表現你的創意，會取得比較好的藝術效果。所謂曲折就是用照片的元素、包括影象、構圖、標題等等調動讀者的想像力，參與到從視覺到心理的審美過程當中。這些照片都使用了一些古人文法的曲折法，雖說好的照片自己會說話，但標題仍是創意的一個部分，這張照片是暈眩，是從行車當中的感覺，到心理的反映，利用標題生成了創意的意韻。還有一個辦法，主體並不出現畫面當中，而是通過另一個事物去反映主體的存在或者狀態。這兩個照片就是用這種方法生成的，這張照片，草原來了生人，生人並沒有出現，而是用氂牛定睛看來體現主題。這張照片是主人的臉色，我們可以想像主人的臉色是什麼樣的。總結一下我的攝影觀。照相與攝影，人頭比鏡頭更重要，圖的是樂趣，玩的是感情，比的是眼光，拼的是頭腦。技巧方面很重要，但最好的技巧是讓人感覺到所有應該感覺到的一切，卻唯獨感覺不到技巧的存在。為今天我和大家交流做一個小節，讀懂照片進而拍好照片，是網路時代的一項文化技能或必備素質。攝影的物質依託是相機，但攝影的本質是人的屬性。其設備的貴賤優劣並非決定性因素，開發好普通相機的能力，用人頭決定鏡頭，我們一樣可以拍出好看又會說話的照片。照相與攝影相去甚遠，攝影作為獨立的樣式依然有其存在的規律。照相與攝影離我們很遠，又離我們很近，從技術的原理和層面上說是相同或相通的，只要方法對路，勤於實踐，提高素養，我們就能跨過看似難以逾越的鴻溝，從照相走向攝影。
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