美院李洋教授水墨人物寫生實錄在線播放

一、　水墨人物寫生作為中國畫人物畫的基本功訓練，包含了人物畫的傳統筆墨的學習和人物造型的訓練，是人物畫專業學習過程中最重要的內容，是向人物創作過渡的重要階段，同時，它在中國畫範疇內是一門獨立的、涵蓋了花鳥、山水等技法的完整的藝術樣式。可以說：學習人物畫的同時，對山水、花鳥也需要有深入的研究。在中央美院國畫系的水墨人物畫室的臨摹課上，基本是以傳統的花鳥、山水畫作為臨本來學習傳統筆墨技法的。從這點看，畫人物畫的人必然是傳統功夫比較全面的、筆墨技巧比較寬泛的。古代畫家中尤以人物畫見長的，大多能工花鳥、善山水的。明代大家陳老蓮的人物畫成為當時成就最高、最有代表性的，同時，他的花鳥畫也達到相當高的水平。清代任伯年的人物、山水、花鳥畫皆精，成為對後世影響最重要的畫家。且人物畫技法與山水、花鳥的技法高度一致，極具任氏語言特徵的筆墨結構成為中國畫傳統中技法最豐富、成就最高的一部分。是我們學習傳統技法臨摹課上的重要範本。 自二十世紀30年代蔣兆和先生《流民圖》問世以後，人物畫的體裁轉向表達勞動人民。表現的手法和形式語言得到廣泛而迅速的發展。進入當代，人物畫朝著多元化、多視角的表現生活，在表現現實生活的多個層面上有愈加活躍的表現。美術學院里人物專業教學，多以人物寫生為主要訓練手段，課堂寫生、野外寫生相結合的訓練方法。從臨摹課上學到的傳統技法應用於寫生之中，用筆墨來表現現實人物，對著模特研究筆墨表現人物造型的規律和表現技能。水墨人物寫生的過程就成為傳統筆墨轉換為現代人物造型的表現語言的方法和形式研究的課程。這門課就變得極為重要，成為人物專業學生的一門負擔很重的課程，是走向創作的一條必經之路。　　二、　水墨人物寫生重要的是畫家對對象的感受。首先，要培養一種有選擇的觀察方法，主觀能動的觀察方法。強調主觀感受制約造型和筆墨之間的作用。要求要整體觀察，善於比較。強調畫家的藝術直覺力，而這種直覺力是依據對對象的感受力得到主觀升華而產生的，強調感受力就成為作者在作畫之前先要思考的內容，也就是先提供給你一個思維方式。　　作為一個藝術家應具備豐富的想像力和敏銳的感受力。　　感受力來源於對模特的第一印象，強化並保持這種鮮明的印象貫穿在整個寫生過程中。面對對象，要充分發揮個人的想像力，他渾厚粗壯得象一塊石頭，你就畫石頭的感覺。她風姿綽約象一縷楊柳，你就畫楊柳的感覺。這種象徵性手法的運用，就是強化感受力的結果。作品看起來才有趣味性，聯想力豐富使你產生創造力，作品就有你獨特的發現和創造，並發掘出你個人的藝術語言，排除照抄對象，模仿性的純客觀的描寫。　　寫生訓練的同時，加強對藝術形式探索的研究，強調筆墨表現性的語言在作品中運用。作為基礎訓練的水墨人物寫生，融入創作因素的練習。將寫生與創作內容結合起來訓練，拉近寫生與創作的距離。　　對造型的把握，在強化感受的同時，造型上獲得一種自由，不必被客觀形態拘泥，去追隨你個人的感受，服從你整體的感覺。克服自然主義、面面俱到，缺乏藝術處理，缺乏選擇的毛病。將造型和筆墨的藝術表現納入你個人風格的藝術語言範疇。　　中國畫重表現、重主觀感受。表達你的感受的時候，一定要進行藝術處理，藝術的誇張和藝術的變形就成為主要手段，不是在抄摹對象，才能產生藝術的味道。誇張，就是抓住對象的主要特徵，感受最深處，使你畫的更象對象，從而達到神似。這是塑造形象的需要，是表現作者感受的需要。是藝術，就得運用誇張這個手段。尤其是中國畫，一下筆就得誇張，不誇張就沒辦法用筆。這一點，在寫意花鳥、山水畫表現得最明顯，有豐富的經驗可供借鑒。誇張也就是一定程度上的變形，這個變形是依據主觀感受的原則，變化客觀形態，來塑造作者意象中的形態。抓對象特徵要誇張，長鼻子可更長，大眼睛可更大，誇張要抓關鍵，誇張其特徵處，其它要減弱，誇張的對立面是減弱，要誇張得美，不能誇張其不美的地方，如這個女孩很秀氣、單純，就不能誇張得不符合這個特點。對象只是一座橋樑，它是通向你心中這個有意味的造型的審美取向，而達到你理想的彼岸。面對自然，首先要把客觀對象納入「筆墨結構」的規範來思考，從中國畫的造型規律入手，變自然形態為藝術形態，變自然結構為筆墨結構，變自然空間為繪畫空間。如果畫時拘泥於自然形態，被客觀形態牽著鼻子走，就容易麻木不仁，筆路不暢，心痴手迷，就不會有生動的筆墨效果。　　誇張和變形手法的運用，要講究、很具體，是隨著感情的自然流露出來，水到渠成，反對刻意的、蹩腳的追求、強調造型的藝術處理手段，是表現上的需要，是藝術趣味的追求。水墨人物畫既要寫意，就不能如實描寫。要建立一個自己的審美系統，認真研究什麼是美的？提高對造型的審美修養、培養個人高雅的藝術品位，杜絕養成低俗的、程式化的造型習慣。[JF:Page]強化自己的感受，畫出的對象，你會發現畫的更像，從而追求到神似。早在一千多年前，我們的傳統中提出的「以形寫神」，反對「僅貌遺神」。八百多年前提出了「不求形似」，「聊寫胸中逸氣」的藝術主張，這是十分值得我們自豪的。　　強化感受是解決造型上思維方法的問題，從這一點出發，造型是感情的產物，而不是理性的結果，沒有感情就發生不了變化。藝術要講感情，藝術貴真情流露，歷史上能流傳下來的好作品，都是能體現作者思想、修養、氣質以及強烈的主觀感受。　　三、　中國畫是以線造型作為主要特徵，線就成為中國畫的靈魂。從以線造型、書法入畫，到講究筆墨是中國畫發展的主線，這就形成了獨樹一幟的中國水墨畫。　　研究線條，要從傳統入手，線條的各種表現方法及規律都可以從傳統繪畫里找到。用線，不僅是中國畫的特徵，也是整個東方藝術的特點，日本、印度、波斯的傳統繪畫里都是以線造型，風格相近，是一個系統的東西。　　中國畫首先是線的藝術，不是體面的藝術，如果你不懂得欣賞線的美感，就欣賞不了中國畫。欣賞筆墨的趣味，也是欣賞線條美的一種發展，其欣賞核心還是「骨法用筆」。這是中國畫特有的藝術趣味。　　一張畫，只有線是首要的，象建築中的鋼架。沒有線，墨塊、色彩都是鬆散的。線是基礎，如果線立不住，再上水墨就更軟弱無力了。　　用筆要以中鋒為主，正側互用，自然轉換，這樣有厚度、有表現力。線要遒勁、要毛、要沉著，忌草率。清龔半千談到用筆，曾說：「線忌草、忌梗，要遒勁」。草，就是軟弱，梗，就是枯硬。遒勁是內在的，象崩著的弓，箭還沒射出去，有內在的力。要把毛筆作為神經的一部分去鍛煉。　　用筆要慢才有味道，找變化。用線一定追求一種味道，若有若無，不是面面俱到，要多用干筆，濕筆易荒率，用濕筆要做到濕而不泡。　　線條給人一種整體的力量，不要追求局部的小變化。行筆要穩，只有從整體感受出發，才敢用線，才敢用焦墨勾臉，也才敢用淡墨畫黑的衣服。黃賓虹說：「用筆寧顫勿率。」顫，行筆有阻力，才能有味道，而草率就不會產生什麼味道。可染先生也說：「用筆要錘鍊，百鍊成鋼，方有彈性和力感。」　　用筆要一氣呵成，追求氣韻，這就是趣味。線即要有變化，又要有統一，既有各種質感的表現，手法又要一致，象走鋼絲那樣保持平衡，其難處就在這裡。　　古代繪畫里最早出現的線條是沒有粗細變化的中鋒圓線，如：遊絲描、鐵線描。唐以前的線條比較單純，粗細一致，墨色一致。吳道子開始，用有粗細變化的蘭葉描。到了南宋，畫家善用方筆（如馬遠、夏圭）。到了元代，畫家善用渴筆（如黃公望、倪瓚）。於是畫出來的線條，不僅有方圓粗細的變化，而且有乾濕、燥、潤的變化。《芥子園畫譜》把不同風格的線歸納為「十八描」。到了現代人物畫家筆下的線條，由於現代生活背景變化了，服裝服飾有了重大改變，表現的對象變了，隨之出現了線條更多種多樣的表達方式。線的表現力愈加豐富，所以，我們現在研究線，既以傳統為範本，又要融合生活中的感受去加以發現和創造，線的表現領域隨著有才能的畫家去挖掘，會變得無限寬廣。　　四、　筆墨作為表達感受的藝術語言，在技能、手段的層面上就顯得尤為重要。整個畫面主要靠墨色來表現。水墨人物寫生的訓練，用墨的學習和研究是個大塊的內容。　　墨色是追求黑白、濃淡分布之美。我們先輩有「水墨為上」的說法，人物寫生堅持以墨為主，就是這個傳統的延伸。　　水墨人物畫一般是先用墨色，後上顏色，用墨表現作為一副畫的主體。首先要畫得准，認真訓練筆墨造型能力，講究藝術趣味。我們前人創造的生宣紙和水墨這種工具材料，就是與這種特殊的藝術欣賞趣味有關係。在生宣紙上，墨色能充分的暈化，能留得住、吃得進，乾濕濃淡及層次的變化豐富。講究筆墨趣味是水墨人物畫的重要特點之一，其核心是書法入畫。即體現與書法中的形式美感在繪畫上的運用和發展。講究筆墨趣味，要懂得欣賞筆墨，一塊好的墨色，一個好的墨點，一條好看的線條，都能引起美感。能觸動他的神經，興奮、讚賞，以至於手舞足蹈，自得其樂。講究筆墨趣味要寫不能描，一氣呵成。注意點、線、面的分布、墨色的對比變化，墨塊的對比關係，疏密、軟硬、粗細、乾濕、鬆緊、濃淡、虛實，以及墨塊在幾何形體上的不規則的排序，安排、運用對比的手法設計墨色的位置。這裡邊同時看出中國畫的一個特點，也就是它的藝術規律，就是對比的規律。如果說中國畫有哪些規律的話？就是「對比」。　　作為一個搞中國畫的人，你要有這樣一種素質，就是你一看到對象，就自覺地用筆墨的觀點去觀察他，腦子裡自然而然地生髮出對象的筆墨結構，是怎樣設計的？是怎樣安排的？這就是中國畫的思維方式和觀察方法以及造型的出發點。[JF:Page]筆墨講究的是簡練。指造型用筆要以少勝多，以一當十。藝術發展的規律有個共同點，就是由簡到繁，又從繁到簡，從歷史的角度和個人的角度看都是這樣的。歷史上石恪、梁楷的減筆人物畫及牧溪水墨花鳥畫的出現，青藤、八大都可以說是筆墨高度簡練的代表。當然，以水墨畫看來，作為一種風格，可以有有繁有簡，即使是繁體水墨，也要講究用筆用墨的簡練。陳老蓮、八大、潘天壽、吳昌碩等，他們畫面簡練到多一筆就多，少一筆不可的程度。筆墨造型的提煉，可以說是藝術家藝術趣味和品位高低的區別。　　筆墨是有節奏的、是變化統一的。　　用筆的快慢、粗細、乾濕濃淡、墨色的變化分布，充滿對比因素。一幅畫總要有幾處大幹濕、大虛實的對比。黃賓虹講：「乾裂秋風，潤含春雨」。墨色乾濕產生了強烈的水墨韻味的對比。在畫面上如何使之不花、不亂、不脫節，即變化又統一，就須有整體的安排，有節奏感。　　首先，下筆之先，要認真構思。所謂「意匠慘淡經營中」，以便落筆時胸有成竹。　　另一方面，要隨機應變，學會順水推舟，因勢利導，儘管想得很周密，畫起來還可能出現意外效果。偶然效果，能增加畫面的生動性、趣味性，要靈活處理，保留意外的偶然效果。　　總的要求應該說是自然流露，一氣呵成，作一幅畫，象寫一篇字一樣，首尾相應，通篇貫氣。畫畫比寫字要複雜得多，塑造人物形象往往要反覆加，到好為止。從認識上可以把一幅畫當作一篇字對待，以取其意，實踐時，卻應該恪守這樣一條原則，「大膽落筆，小心收拾」，切忌因為考慮太多，而影響情緒，弄得縮手縮腳，不敢下筆，反而呆板。畫的時候，生動一些，空靈一些，先畫大關係，先鋪大塊墨色，找大的對比，考慮整體上的安排。要留有餘地，以便進一步深入刻畫。收拾時，視整體要求調整，以我為主，根據主觀感受為原則。這時候，要脫離開具體的對象，照顧到畫面上的需要，以畫面為主，去協調，去統一，影響大關係的地方應該減弱它，該強調的，一定要突出。　　五、　水墨人物寫生步驟：　　（一）首先要觀察對象，思考你為什麼要畫這個人？你的感受要清晰，對對象的哪一部分感興趣？著力刻畫的是什麼？他的形象中是什麼令你著迷？以至於使你產生興奮，進而一定要畫出來的慾望。你要達到一種什麼樣的藝術效果？採取何種處理方法？力求使自己所畫的東西能實現自己的想法。你心裡要明確，要將你的感受強化起來，經過理性的分析去升華，始終保持這樣的狀態，貫穿在整幅作品的全過程。　　（二）起稿。一般用木炭條。木炭的好處是易撣掉。起稿是解決造型和構圖問題，以便你落墨時更多的時間去考慮筆墨的處理了。起稿的線條不要太死，有個大輪廓即可。這時，可以把你對對象的感受以最快的速度記錄在稿子上，你感興趣的部分和你要強調的東西落在宣紙上有個大概，更重要的是在你起木炭的同時，已經將這幅畫的筆墨安排和藝術處理，要達到一種什麼樣的藝術效果和要採取什麼樣的技術方法已經考慮成熟，做到心中有數。　　（三）落墨。這一步驟才是水墨人物寫生最重要的，也是耗時最長的階段。前面的準備都要在這一階段體現出來，落墨的全過程始終得保持對對象的第一感受，時刻注意畫面的整體要求。用筆的感覺應一致，一氣呵成。線條的把握和墨色的安排，要心裡有數，雖然講一開始就要畫你感興趣的地方，也就是你要強化的部分，諸如：眼睛、鼻子或頭髮、頭巾，但往往難以大膽落筆，可以先畫幾筆次要地方的墨，找到感覺了再回到主要部分上來。一方面需要熟練的技巧，另一方面，需要頭腦清醒，全神貫注。線條既有變化又要統一。既有質感的表現，手法又要一致。古人在畫一幅畫的時候要求有勾、皴、點、染的幾個步驟；那麼我們現在的寫生實際仍然是這些過程。不一定按步驟分得那麼絕對，在寫生過程里可以勾、皴、點、染同時進行，混為一體，前後貫通，這樣才能氣韻生動。保持用筆用墨的韻味，線條才能產生韻律，畫面容易出現節奏。線和墨色相呼應，皴檫與線條要發生關係，是補充線的作用。寫生過程中可能出現一些意外的水墨效果，使你畫面生動自然，渾然天成，產生趣味性。　　勾線要始終從結構入手，皴檫要注意保護線，其作用是勾線達不到的地方，諸如：顴骨、上頜、下頜、額頭等，皴檫是輔助線條表達結構的一種手段，同時，又是筆墨的一種語言，與線條若即若離，互為襯托，方能豐富畫面。同樣，墨塊的設計也是與線條互為對比關係。諸如：上身線條密一些，下身（兩條腿）以墨色為主。線條有疏密、韻律的要求，墨塊有大小、虛實、節奏的要求。墨塊也是表現結構，與線條有同等功能的作用。它通過與線條的對比產生的韻律，產生美感也是這幅畫的精、氣、神所在。要敢於用筆、用墨。線條、皴檫、墨塊三者結合得好才能產生筆墨的視覺衝擊力，達到視覺藝術美感的要求。　　（四）上色。傳統人物畫上色要求單純，要平，是「以色為輔」、「色不礙墨」的觀點，突出筆墨的效果。現代人畫寫生有時顏色往往濃重，這與現代人新的審美要求有關。重視顏色的處理與重視筆墨同樣被提出來，出現水墨重彩，也非常打動人，給人以強烈的視覺感受，也很好看。水墨人物寫生作為基礎訓練的手段，我們還是要求色彩相對單純，以能夠記錄你在生活中對對象的色彩感受為準。臉部是上色的主要部分，另外，手、腳以及袒露在外的胳膊或腿。　　上色以赭石為主色。赭石色能恰當地表現皮膚的顏色，而赭石又不礙墨。諸如：青年女子臉色細嫩，在夏天稍加曙紅，冬天赭石稍加胭脂即可。如果畫年輕小夥子臉膛黑紅時，則赭石加墨，或調一點花青和胭脂也可。老年農民風吹日晒，臉色粗糙蒼桑，適宜濃烈赭石加墨，並視其當時氣候的要求。冬天黑紅的，稍加胭脂，夏天則加曙紅。　　上色仍以刻畫結構為主，要見筆觸，和筆墨用筆的要求一致，切忌平塗。染，其實也是用筆去畫，有筆觸、筆意。古人講的染也是畫出來的。　　染臉的方法，染高、染低可同時進行。對象本身就是存在的。原則是表現結構，手法是和筆墨統一。上色是水墨本身有機的一部分。互相襯托，互為關聯。水墨寫生中的色彩要單純，以突出筆墨的表現力。人物身上的色彩和背景上的色彩要與用墨相協調。　　（五）調整：大膽落筆，小心收拾。寫生的過程以畫面的整體要求入手，要求局部和整體的一致性，整體感處理的好壞，是衡量作品藝術性優劣的重要標準。前面的筆墨、色彩盡情揮灑上去了，可以說感情隨著筆墨已經宣洩出去，進入到調整階段時，應該冷靜下來，理性地面對畫面，小心收拾，顧全大局，又要保留畫面中生動、自然、感人的地方。從線條與墨塊之間的銜接關係，線與線之間的聯繫，墨色之間的聯繫，以及色彩之間的呼應。從大處著眼，如果有局部太跳躍，影響整體美感，即便你捨不得，也要堅決減弱它，以服從整體的需要。　　最後這個階段是看畫家把握畫面的能力，以及你的修養和你的創造力的具體體現，一定要重視。模特最後只是個參照，要離開對象，從水墨畫的藝術規律出發去調整畫面。　　一幅好的水墨寫生，既是你的筆墨功力和造型能力體現，同時也是你的創造力的展現，能否在生活中不斷地去發現，去創造，加強你的感受力，是一個藝術家綜合能力的體現。
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