從攝影、美術、PS的關係說起--城市貧民編寫

07-10

從攝影、美術、PS的關係說起

1 樓

前幾日朋友們一起談起攝影與美術的關係，尤其是激烈地爭論到一個話題：學習攝影是否必須要學習美術？因自己早年學習過20多年的美術，也在四川美術學院混過幾年，主攻油畫，同時也端了二十多年的照相機，算是對繪畫與攝影都有一點了解。為回答朋友問題與了一個《從攝影、美術、PS的關係說起》的帖子。美術是人類最古老的藝術，發現人類史前的岩畫比文字古老得多，美術早已形成了自己堅實而厚重的系統理論、也留下了無數優秀的經典繪畫作品以及各種藝術流派；而攝影的歷史只有100多年，且在很長一段時間內，人們是以一門機械技術來看待攝影的，或認為攝影只是美術的一個附庸品，直到近代才被廣泛承認是一項獨立的藝術門類。不可否認，攝影的各種流派和形式都與美術的流派和形式密切聯繫，幾乎總是先有美術流派後有攝影流派，這是因為美術歷史和文化淵源太長太厚了，攝影與美術又同屬視覺造型藝術，攝影藝術自然要從美術理論和美術形式中汲取豐富的營養。但正如我們看到的那樣，攝影也有自己不同於美術的獨特藝術魅力。希望大家從中了解美術流派和攝影流派的來源與發展。特別需要指出的是，不要認為真實客觀性是攝影藝術的唯一特性，攝影除了新聞工作和紀實性作品必須要求客觀真實外，絕大多數攝影作品並不是對客觀真實世界的反映，而是人們藉助於照相機這個工具來表達自己對客觀世界的主觀感受和情感思想，如影樓婚紗、藝術人像拍攝、商業攝影等等，都滲透著攝影師或被攝影主體預先已策劃的創作思想和情感，尤其是後期的有意識處理和現在的PS創意作品，都是屬於攝影藝術的範疇。但我們大多數攝影師和攝影愛好者在欣賞攝影作品時，都自覺或不自覺地僅以純客觀真實這個唯一標準來看待和評判，這顯然是太過於窄小了，這反映出我們大多數攝影人對世界攝影的各種藝術流派並不了解，尤其是對美術和攝影的關係不了解，所以我們需要多了解一些美術史與攝影史，做到對攝影主流藝術派別有大致的了解和鑒別，才不至於到處開黃腔、不懂裝懂被行家輕視，同時，也能夠極大提高和拓寬我們創作攝影藝術的思路和手法。就攝影而言，與美術是有相同相通的地方，但也有明顯的區別，就是因為攝影與美術有顯著區別，所以才自成一家，攝影有著自己獨立的藝術理論基礎和技術技法體系。相同的方面主要有：1、都是屬於視覺畫面造型藝術；2、都是運用構圖、空間、色彩關係來記錄、描述或表達自己在一定空間和時間對客觀世界物體的感受，並以此傳遞給大眾；3、兩者都同屬美學範圍，都能在不斷實踐中提高自己或大眾的審美情趣和審美能力。不同的方面或主要區別有：1、材料或工具不同。美術家是運用畫筆、顏料、紙張、布料、木料、泥料、金屬等等多種物質材料塑造客觀物體；攝影師則是運用照相機、膠片、電子感光材料、計算機、後期處理軟體等記錄或複製客觀物體；2、技術或技藝要求不同。畫家或雕塑家對形體和色彩的表達主要依賴於自身能力，這種能力需要經過長期刻苦的訓練才能達到心手合一，正是這一點決定了美術只能是少數人的陽春白雪；而攝影必須依賴於照相機和鏡頭，相對於繪畫與雕塑技能而言，尤其是隨著現代照相機自動化技術的飛速發展，攝影技術比較容易掌握（當然，真正精通也是很難的，如攝影前期拍攝技術、對攝影鏡頭選擇與運用、膠片後期暗房沖印技術、數碼後期處理技術等），也是由於這點，攝影是可以普及到大眾化的藝術。3、選擇的自由度不同。雖說兩者都是做減法，但畫家對畫面構圖形式和色彩的選擇是完全自由的，可以任意增減畫面需要或不需要的東西，可以長時間精心考慮和推敲畫面所有元素構成，以達到符合自己心中的主觀願望為止，主觀性較大；而攝影師面對的是客觀真實世界，他在取景時不可能任意增加和減少畫面物體（但攝影室或影棚的除外），客觀性真實性較大。4、創作作品的時間不同。一幅繪畫作品可以是幾天、幾月甚至幾年，也可以完全推翻重來，畫家可以反覆考慮和思索；而攝影則是決定性的那一瞬間，攝影師必須具備比畫家更加敏銳的發現和審美眼光，尤其是紀實攝影或攝影記者，往往機會稍縱即逝，並且具有不可複製和逆轉性。我們搞攝影，主要是注意汲取與美術相同相通的那一部分，不僅是美術，也要從音樂、詩歌、小說等其它藝術形式中汲取營養，這些都可以啟發和幫助我們更好的進行攝影藝術創作，相反美術和其它藝術形式也是一樣，也有許多美術家從攝影藝術中汲取營養。攝影雖然歷史較短，但其技術性與藝術性並不比美術差半截，也有自己的理論體系和學習方法，《紐攝》就是攝影界公認的權威教材。一位著名畫家肯定會具有較強美術理論、較好的審美眼光和過硬的繪畫綜合能力，但如果他不懂攝影技術（包括前期技術與後期處理），就是給他一部最好的照相機也同樣不能創作出優秀的攝影作品。有一些朋友總是認為美術的地位比攝影高，搞美術的才是真正的藝術家，是陽春白雪，搞攝影的是大眾愛好，屬於下里巴人，一些搞美術的甚至認為攝影不能算成是藝術範圍，攝影是美術派生出來的工具或附屬品。其實這種觀念是極其荒謬和錯誤的觀念。但有些攝影人自己也這樣認為，這就有些悲哀了，妄自菲薄，自己瞧不起自己。學習攝影或搞攝影藝術，如果具有美術基礎不可否認佔有某些方面的優勢，但完全不懂美術沒也有關係，在攝影教程和攝影實踐活動中，你同樣也能學習和掌握到這些基礎理論和美學常識。看看世界上那些公認的攝影大師們，懂美術的大師當然有，如被譽為「新聞攝影之父」的法國攝影大師布列松在中學時代學習過美術，也只能說是略懂一點，但同時期偉大的戰地攝影記者羅伯特·卡帕則根本沒有學習過任何美術，風光攝影大師安塞爾·亞當斯早先學習過聲樂也沒學習過美術，但他的構圖水平和對黑白灰關係、明暗關係的處理是美術家們學習的經典樣板，世界上更多的偉大攝影家等都沒有接受過美術專業教育。所以，學習攝影必須要學習美術的說法是沒有道理的。美術具體來講有五大基礎：素描、色彩、速寫、創作、設計。參加高等美術學院高考時主要就是這五種專業考試。也有些高等美院只考素描、色彩、創作這三樣，四川美術學院78年恢復高考時就是這三項再加政治和語文，後來又加上了速寫與外語。素描：任何高等美術學院必考科目之一，主要是指用鉛筆、碳筆描繪物體的能力，一般從靜物寫生開始，要求表達物體的明暗關係、層次關係和空間關係，也有人歸納為「三面五調」，素描能力是美術家基礎的基礎，它也包含著其它如構圖關係、透視關係等基礎性的訓練，素描基礎越紮實，其它能力也就越強。學習素描基礎一般需要10到15年左右的時間，通常都是從七、八歲幼兒開始進行，跟學鋼琴、舞蹈一樣，太晚了一般就很難學得紮實與精通了。而且素描能力的訓練是一輩子的事情，如果放棄一段時間不練素描，能力就會下降。色彩：美術高等院校入學考試的重要必考科目之一，它主要是考察學生對色彩的觀察和認識、正確理解和正確運用色彩的能力。但必須認識到，素描才是色彩的基石。素描基礎打好了，色彩也就成功了一半。色彩主要有紅黃藍三原色，冷暖關係、對比關係、強弱關係、補色關係、反射關係。調色搭配訓練等等。速寫：顧名思義是一種快速的寫生方法。速寫是中國原創辭彙，屬於素描訓練科目的一種。速寫同素描一樣，不但是造型藝術的基礎，也是一種獨立的藝術形式。速寫不僅是畫家創作的準備階段和記錄手段，更重要的是訓練畫家眼、手、腦協調一致的基礎能力。現在的美術學院的許多學生懶散了，很不喜歡速寫訓練，都改用數碼相機搞速寫記錄了。創作：美術各種能力的綜合展現，更重要的是考察藝術創意思想和藝術天賦。設計：跟上述差不多，但主要是偏重於商業實用設計，搞設計的一般就比較現實，相對賺錢也比較豐厚。而搞純藝術的往往很窮，畢竟象齊白石、徐悲鴻、吳作人那樣具有藝術天賦和國際影響力的大師太難產生了。繪畫與攝影有天然聯繫，最早的照相機就是畫家們設計的，如果你看看世界上最早的攝影作品，完全是按照畫家們的構圖和要求來進行的，有的簡直就是繪畫作品的翻版。繪畫與攝影有哪些相同和不同，下面是摘抄的著名畫家葉淺予有關「繪畫與攝影」的論述：1、「表現一瞬間的詩情畫意，（即「一眨眼的美」）詩人和畫家有時候需要經過反覆的推敲和經營，才能夠完成他們的創作。要推敲，要經營，要構思，攝影家的勞動似乎比詩人、畫家簡單得多，他只要按一按快門，全部景物都映上了感光片。但是，攝影家的勞動並非只是按一按快門而已，他們的勞動主要在於按快門之前的複雜的構思的過程，這和詩人和畫家是一樣的。但是這個過程，遠非詩人、畫家可以那樣從容不迫，從事反覆的藝術加工。攝影家在對象面前的思維活動要在很短的時間內做出決定，不然的話錯過了這一瞬間，機會就失掉了，就永遠追不回來那個最好的他所心愛的鏡頭了．．．．．．2、攝影家的眼睛應該比畫家、詩人敏銳的多，他們能夠立刻判斷事物在運動中的典型形態，並且要用繪畫構圖的處理方法，立即確定取景的距離和角度，在這轉瞬之間，還得作測光啊，測距啊，選擇角度等等技術性的考慮來完成一件攝影藝術作品。攝影家要求立刻解決問題的能力不是天生的，是從實踐中間培養起來的。能力的培養要講方法。第一，你要對客觀事物感興趣，要熱愛生活。第二，要辨別客觀事物的美與丑，懂得取捨，在此基礎上逐步提高自己認識生活的能力。第三，對生活要有自己的看法，不能人云亦云，抄襲人家的東西。攝影家要有一雙審美的眼睛，一副審美的頭腦，在對象面前，要思索對象的意義。這種思索要到生活實踐中去鍛煉。」彩色與黑白3、一張黑白的畫，一張素描，一張白描，一張水墨畫，擺在很多色彩鮮艷的大廳里，它就很突出，儘管數量少，感到孤單。但是在色彩繽紛中間黑白的東西特別響亮，特別引人注目。所以我比較樂觀的說黑白照片的前途是光明的，藝術水平是高過彩色照片的。我是畫中國畫的，中國畫歷來的理論就是墨分五色，從極濃到極淡的層次，就是代表色彩。如果滿眼都是顏色，你的感覺怎樣？紅的、綠的、黃的、藍的各種色彩一天到晚在你眼睛裡腦子裡晃悠是很不舒服的。我們作畫的講調子，是暖調子、冷調子還是灰調子，有時候要講對比，強烈的對比本身，它也形成一種調子，幾種顏色綜合以後基本上還是個灰調子。從這個原理來講，黑白的東西是最根本的東西，你把黑白的關係處理好，你才能把色彩處理好。作為藝術來講，黑白片的藝術性要比彩色片的藝術性難以掌握得多。應該承認黑白片具有不可動搖的藝術價值。學習攝影是否必須要具備繪畫基礎和能力？如果是一般喜好攝影並不需要，憑大眾教育接受的普遍應當具有審美觀也就行了。但如果你想在攝影上進階或搞出點成就，如從事商業攝影、藝術攝影等等，則一定多少要懂得一些美術方面的基礎東西。如構圖、透視、色彩、黑白灰關係等等，再高深些就是讀一讀世界美術史、美術流派和東西方美學思想，因為攝影歷史較短，有許多理論是從美術傳承過來的，這些跟攝影許多方面相通相聯、是一致性的。但我們強調懂得美術基礎並不需要你拿起畫筆來親自學習繪畫，說實話你也不可能有這份時間、耐心和精力。我認為攝影人要懂得些繪畫基礎，主要還是指平日抽些時間看看美術方面的基礎書籍，尤其多看一些世界各種流派的優秀繪畫作品，耳努力培養自己的藝術細胞，關鍵是有意識地培養和訓練我們發現美的一雙眼睛，也不必專門購美術書籍，這方面的基礎知識網上多的是，還是多讀、多看、多思。

繪畫與攝影的幾種主流派

4 樓

美術確實有很多藝術流派，但不管那一類流派，前提都是建立在紮實的素描、色彩和速寫基礎之上。學習美術一般從臨摹和幾何石膏靜物寫生開始，只要經過幾年正規紮實基礎訓練，要畫出唯妙唯俏的對象是非常容易的事情，繪畫做到形擬是最起碼的能力，可以說參與高等美術學院考試每個考生都基本上具備這種「畫得很像」能力，真正難的是既形擬又神似，反映出精神內涵，但如果沒有紮實的基本功，連一個雞蛋也畫不像，什麼流派都是白談。另一個誤解是對美術流派的誤解，有些朋友看到一些抽象派作品中，有的美術作品抽象得完全看不懂，不知道是描繪的什麼，甚至一大堆線條和色彩的堆砌，於是認為美術很簡單，就是亂塗亂抹。美術界長期也存在許多爭議，如對抽象派、印象派都有許多不同的評論和看法。有些畫家自己對其它流派的東西也不讀懂，如一頭經過訓練的大象用鼻子塗上顏色在紙或布上亂塗一通，然後就成了美術作品。有人說梵谷是天才畫家，也有人經考察後講梵谷是天生色盲，加上神經有些不正常，所以經常用原色直接作畫，色彩鮮明而帶有抽象意味的梵谷，倒是主觀印象派的天才大師，這是公認的。但早年的梵谷是現實主義畫派，其基本功非常紮實。現實主義畫派作為一場藝術運動，是與法國1848年革命同時出現的。畫家庫爾貝和理論家尚弗勒里是其精神領袖。現實主義主張堅決如實的表現畫家所處時代的風格、思想和面貌，其中至關重要的是真誠。「現實主義」在西方語言中也可指藝術寫實的手法。所以也有人把「現實主義」稱為「寫實主義」，但這是不完全正確的理解，現實主義不等於藝術手法上的完全寫實，這兒的「現實」主要指對現實社會的真實反映和描繪。與此相反的是古典學院派，他們在藝術表現手法是非常注重寫實的，但繪畫作品中多反映的是歐洲宗教中的神話人物或故事，與現實社會沒有任何關係。超現實主義畫派，是受到弗洛依德的精神分析影響，致力於發現人類的潛意識心理。因此主張放棄邏輯、有序的經驗記憶為基礎的現實形象，而呈現人的深層心理中的形象世界，嘗試將現實觀念與本能、潛意識與夢的經驗相融合。超級現實主義是20世紀60年代後期在美國興起的一種新的藝術流派，這個流派的藝術家反對抽象藝術的潛意識情感和在造型中不表現具體物象的作法，他們認為應該排除畫家的一切主觀意念，做到純客觀地、真實地，甚至像攝影那樣的再現物象，所以又稱之為「照相寫實主義」。所以超級現實主義不屬於超現實主義。印象主義是19世紀60一70年代以創新的姿態登上法國畫壇，其鋒芒是反對陳陳相因的古典畫派和沉緬在中世紀騎士文學而陷入矯揉造作的浪漫主義。印象主義吸收了柯羅、巴比松畫派以及庫爾貝寫實主義的營養，在19世紀現代科學技術尤其是光學理論和實踐的啟發下，開始注重在繪畫中對外光的研究和表現。印象主義畫家提倡戶外寫生，直接描繪在陽光下的物象，印象主義又稱為「外光派」，從而拋棄了從16世紀以來變化甚微的褐色調子，根據畫家自己眼睛的觀察和直接感受，表現微妙的色彩變化。印象派強調對客觀事物的直接感覺和印象，反對因循守舊，主張藝術的革新。繪畫技巧上對光和色進行了大膽有益的探討，研究出用外光描寫對象的方法，並認識到色彩的變化是由光色造成的，色彩是隨著觀察位置，受光狀態的不同和環境的影響而發生變化，同時把這種科學原理運用到繪畫中去。根據觀察和直接感受表現微妙的色彩變化。給後來的現代美術和攝影光學理論以極大的影響。野獸主義是自1898至1908年在法國盛行一時的一個現代繪畫潮流。它雖然沒有明確的理論和綱領，但卻是一定數量的畫家在一段時期里聚合起來積極活動的結果，因而也可以被視為一個畫派。野獸派畫家熱衷於運用鮮艷、濃重的色彩，往往用直接從顏料管中擠出的顏料，以直率、粗放的筆法，創造強烈的畫面效果，充分顯示出追求情感表達的表現主義傾向。

古典學院派

5 樓

001城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

6 樓

002城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

7 樓

003城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

8 樓

004城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

9 樓

005城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

10 樓

006城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

11 樓

007城市貧農上傳了這張照片:

古典學院派作品

12 樓

008這就是攝影界至今仍非常推崇的「倫勃朗光」。城市貧農上傳了這張照片:

009這是正午下的頂光運用，文革結束後「傷痕文學」的代表作。四川美術學院院長羅中立的著名作品《父親》城市貧農上傳了這張照片:

繪畫主義攝影作品

14 樓

010繪畫主義攝影作品，早期的攝影作品幾乎是繪畫的翻版，無論是主題內容、構圖、人物擺布同古典派繪畫如出一轍城市貧農上傳了這張照片:

繪畫主義攝影作品

15 樓

011城市貧農上傳了這張照片:

繪畫主義攝影作品

16 樓

012城市貧農上傳了這張照片:

繪畫主義攝影作品

17 樓

013城市貧農上傳了這張照片:

繪畫主義攝影作品

18 樓

014城市貧農上傳了這張照片:

繪畫主義攝影作品

19 樓

015這是典型的古典唯美派攝影作品。古典學院派，在表達手段上非常寫實，畫面構圖嚴謹、色彩搭配唯美，不愧是人類美術史的最經典之大成，你幾乎找不出任何明顯的問題。攝影基礎理論在構圖、用光、色彩受古典畫派影響很深，如構圖上著名的「黃金分割線」，攝影師在用光上經常使用的著名的「倫勃朗光」，就是從17世紀著名的荷蘭油畫大師倫勃朗創作的一系列古典油畫中命名而來的。所謂的「蝴蝶光」則受拉菲爾、提香等女性作品用光的很大影響。但古典畫派往往在創作主題思想與表達內容上完全與現實社會脫離。城市貧農上傳了這張照片:

現實主義繪畫作品

20 樓

001城市貧農上傳了這張照片:

現實主義繪畫作品

21 樓

002城市貧農上傳了這張照片:

現實主義繪畫作品

22 樓

003城市貧農上傳了這張照片:

現實主義攝影作品

23 樓

004現實主義攝影作品《親德的法國女人被剃光頭》，真實地反映了二戰法國被盟軍解放後，人們對親德婦女的一種羞辱性懲罰。作者便是大名鼎鼎的「決定性瞬間」理論家和「新聞之父」的布列松。城市貧農上傳了這張照片:

現實主義攝影作品

24 樓

005城市貧農上傳了這張照片:

現實主義攝影作品

25 樓

006城市貧農上傳了這張照片:

現實主義攝影作品

26 樓

007現實主義作品主要特徵，是現實主義畫家們對他們所處那個時代現實社會生活或重大歷史事件的真實反映，往往具有極珍貴的史學價值。現實主義攝影家提倡絕對客觀真實地紀錄，攝影師不能干涉和影響拍攝對象，真實就是力量。我國無論是美術或攝影，受現實主義影響極大，也跟毛澤東主席提倡的藝術要反映現實社會的主流觀點密切相關，特別是在改革開放以前，藝術界對除現實主義繪畫和攝影以前的各種流派和觀念幾乎是一律排斥的。城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義作品

27 樓

001城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義作品

28 樓

002城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義作品

29 樓

003城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義攝影作品

30 樓

004如果你不了解超現實主義繪畫，就無法理解超現實主義攝影，這幅膠片早期非常著名的攝影作品，可算攝影作品最早的PS。城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義攝影作品

31 樓

002城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義攝影作品

32 樓

005城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義攝影作品

33 樓

006城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義攝影作品

34 樓

007這兒順便介紹一下達達主義攝影作品，它是超現實主義攝影的前身，超現實主義與達達主義有著千絲萬縷的聯繫，甚至可以說「後達達主義攝影」與現在國內外攝影界正盛行的創意PS作品也有密切聯繫。「達達主義」原本是二十世紀初，在瑞士蘇黎世興起的一種激進的、帶有強烈虛無主義色彩的現代文藝思潮。「達達」原來是法語中嬰兒說話中發出Da-Da的音節，沒有含意。作為文藝流派的用語，最先出現在文學領域中的詩歌創作。它的思想特徵是∶厭惡戰爭，反對戰爭；叛逆階級統治；無政府主義傾向。其藝術觀念的本質是∶崇尚虛無，蔑視理性和傳統；鄙棄美學規律，主張「廢除繪畫和所有審美要求」，信奉巴枯寧的「破壞就是創造」的思想；崇尚非物質的非客觀的「真實」，實質是倡導主觀抽象。於是詩人們用破碎的藝術形象、零亂的藝術語言創作，使詩作象夢囈，令人不可解讀。「達達主義」的冠名即由此而來。 1918年，攝影領域中也相繼出現了「達達主義攝影」流派。倡導者是攝影家曼瑞（MAN RAY）和L．M．納吉兩人，但其思想啟蒙可溯源到1915年A．斯蒂格里茨和E．J．斯泰肯在達達主義畫家M．杜桑(M．DUcHAMP)協助下創辦名為《291》刊物上對達達主義美術的介紹。「達達主義攝影」的首次攝影作品展覽於1919年在美國舉辦。這一攝影流派的創作方法大都將印刷品（如報刊）碎片和其他實物影象拼湊粘貼在一起再翻拍而成的。由於這些作品內容晦澀、含義不清，畫面結構怪誕，不符合大眾長期形成的審美習慣、審美趣味和價值取向，加之又沒有形成自已的理論支持，故而從1924年開始不到三十年代就被「超現實主義攝影」所取代。城市貧農上傳了這張照片:

超現實主義攝影作品

35 樓

008達達主義攝影作品，超現實主義攝影前身。城市貧農上傳了這張照片:

超級現實主義

36 樓

001城市貧農上傳了這張照片:

超級現實主義

37 樓

002城市貧農上傳了這張照片:

超級現實主義

38 樓

003超級現實主義，純粹自然主義者，提倡對自然絕對地寫實和模仿，不能滲雜任何作者的思想，這類作品甚至比攝影作品還要寫實，超級現實主義與超現實主義雖然只有一字之差，但兩者的創作思想和表達手段完全不同。在攝影方面，超級現實主義發明了「輻射光描法」做試驗，把物體直接放在感光照相紙上曝光，使它顯現出來，美國攝影家曼 · 瑞 1922年出版的《美妙的田野》一書中就有一組「輻射光描法」的作品。在30年代，他又通過讓底片曝光過度或不足的方法，使照片產生出種種奇妙的藝術效果。城市貧農上傳了這張照片: