梵高：我敬仰的藝術家

07-08

Vincent Van Gogh，1853年3月30日－1890年7月29日。荷蘭畫家梵高，是19世紀人類最傑出的藝術家之一。他熱愛生活，但在生活中屢遭挫折，艱辛備嘗。他獻身藝術，大膽創新，在廣泛學習前輩畫家倫勃朗等人的基礎上，吸收印象派畫家在色彩方面的經驗，並受到東方藝術，特別是日本版畫的影響，形成了自己獨特的藝術風格，創作出許多洋溢著生活激情、富於人道主義精神的作品，表現了他心中的苦悶、哀傷、同情和希望，至今飲譽世界。

梵高是一位具有真正使命感的藝術家，梵高在談到他的創作時，對這種感情是這樣總結的：「為了它，我拿自己的生命去冒險；由於它，我的理智有一半崩潰了；不過這都沒關係……」

人們們如果確能真誠相愛，生命則將是永存的，這就是梵高的願望和信念。

梵高最著名的作品多半是在他生前最後兩年創作的，期間梵高深陷於精神疾病中，最終於37歲那年自殺。梵高最為人熟知的是其極具個性的系列作品，如《星夜》、《向日葵》；其實他所畫的清新亮麗的作品也毫不遜色，如《有垂柳的公園是詩人的花園》、《麥田雲雀》、《烏雲密布的天空下的麥田》等。梵高的作品目前主要收納在法國的奧賽美術館，以及蘇黎世的kunshaus美術館。

「我的冒險，不是靠主動選擇，而是被命運推動。」——梵高

梵高1853年03月30出生在荷蘭一個鄉村牧師家庭。梵·高年輕時在畫店裡當店員，這算是他最早受的「藝術教育」。後來到巴黎，和印象派畫家相交，在色彩方面受到啟發和熏陶。以此，人們稱他為「後印象派」。但比印象派畫家更徹底地學習了東方藝術中線條的表現力，他很欣賞日本葛飾北齋的「浮世繪」。而在西方畫家中，從精神上給他更大的影響的則是倫勃郎、杜米埃和米萊（Millet）。　　梵·高生性善良，同情窮人，早年為了「撫慰世上一切不幸的人」，他曾自費到一個礦區里去當過教士，跟礦工一樣吃最差的伙食，一起睡在地板上。礦坑爆炸時，他曾冒死救出一個重傷的礦工。他的這種過分認真的犧牲精神引起了教會的不安，終於把他撤了職。這樣，他才又回到繪畫事業上來，受到他的表兄以及當時荷蘭一些畫家短時間的指導，並與巴黎新起的畫家（包括印象派畫家）建立了友誼。

　　梵·高全部傑出的、富有獨創性的作品，都是在他生命最後的六年中完成的。他最初的作品，情調常是低沉的，可是後來，他大量的作品即一變低沉而為響亮和明朗，好象要用歡快的歌聲來慰藉人世的苦難，以表達他強烈的理想和希望。一位英國評論家說：「他用全部精力追求了一件世界上最簡單、最普通的東西，這就是太陽。」他的畫面上不單充滿了陽光下的鮮艷色彩，而且不止一次地下面去描繪令人逼視的太陽本身，並且多次描繪向日葵。為了紀念他去世的表兄莫夫，他畫了一幅陽光下《盛開的桃花》，並題寫詩句說：「只要活人還活著，死去的人總還是活著。」

在歷史的角度來講，梵高的確是非常超前的畫家。

他作品中所包含著深刻的悲劇意識,其強烈的個性和在形式上的獨特追求,遠遠走在代的前面,的確難以被當時的人們所接受。他以環境來抓住對象,他重新改變現實，以達到實實在在的真實，促成了表現主義的誕生。在人們對他的誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候。因此才留下了永遠的藝術著作。他直接影響了法國的野獸主義,德國的表現主義,以至於20世紀初出現的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰,滿懷熾熱的激情令運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到梵谷豐富的主觀感情中去。總之,梵谷筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始衝動和熱情的生命體。

他的作品如此美麗、有深度......看似幼稚不規範如孩童描畫的線條可見梵高有著不老的童心和不安分的創作欲，蒼勁有力而有多變瓢潑的筆速讓人感到他內心無比瘋狂、熱烈，好像冰山下已在畫中爆發的火種。是的，梵高的畫總是充滿靈氣的！

看著梵高一幅幅絕世作品，真令人嘆為觀止，我想起以前對他和他的畫的褻瀆，羞愧萬分。同時，我想到了梵高窮苦悲慘的一生，他不僅是個名副其實的窮光蛋，而且還患有精神病。1888年，他在與好朋友高更激動爭論藝術的思想時，第一次精神病發作，為了證明自己的觀點，他毅然割下自己的耳朵。1889年，他被送進聖雷米精神病院。1890年7月27日，他有因精神病發作，在法國茲河畔的歐韋自殺，兩天後不治身亡，上帝是公平的，天才必須飽受磨難，幾經滄桑。正如愛迪生和愛恩斯坦......他們都不是正常人，他們在某些方面甚至不及正常人，是弱智的。奇才梵高同樣也不正常。上帝是不公平的，賦予梵高天才的能力，卻不讓他人生完美，哪怕是普通人的生活。梵高的畫是用他全身心的感受，用他的生命來畫的，他的畫有不少顏色深沉，真實反映了當時社會悲慘生活的感受。看著看著，想著想著，我的眼睛變成了潮濕的土地。梵高那麼有才華，為什麼當時社會的人們盲目得看不見先驅藝術的明燈，為什麼梵高的命運如此悲慘。生前的作品幾乎無人問津，逝後人們卻競相高價拍賣，一幅《向日葵》居然賣2250英鎊，是那時代最昂貴的畫；後來《加歇醫生俏像》竟賣8250萬美圓天價......可惜，這一切梵高永遠不會知道。《悲慘的自畫像》是他對現實生活的不適應，感到寂寞、傷感。《有烏鴉的麥田》告訴我們他帶著悲傷離去，飛到天堂，也許那裡才是他真正的天堂呀。

梵高在精神接近崩潰的時候，曾經用剃鬚刀片割下了自己的一隻耳朵。他是試圖用這個舉動喚醒自己，制止內心愈演愈烈的瘋狂？抑或，這本身就是一個瘋狂的舉動？我記得他有一幅自畫像，描繪著用紗布包裹住耳部傷口的自己——他的眼神中沒有疼痛，只有恐懼，彷彿能倒映出那剛剛消失的風暴的影子。如果允許我給這幅畫另起一個標題的話，我會把它命名為《自己的傷兵》。在自己的戰場上，梵高傷害了自己，又包紮著自己。——並且還以一幅自畫像留作紀念。

是一念之差嗎，還是蓄謀已久？他把仇恨的鋒芒指向自身，指向一隻無辜的耳朵——也許在那一瞬間，他與世界達成了和解，卻加倍地憎厭自己，憎厭鏡中的那個醜陋且變形的男人。於是，他的手勢就像一列失去控制的火車衝出軌道，伴隨著一陣疼痛般的快感抑或快感般的疼痛，那隻鮮血淋漓的耳朵，成為他自己的犧牲品。莫非在梵高心目中，耳朵已是今生的一團贅肉——它只能聽見世界的喧囂，卻對內心的狂潮置若罔聞？抑或，他太害怕日夜傾聽自己的呻吟——那簡直比外界的雷鳴閃電還要刺目，還要刻骨銘心？否則，他的刀鋒不會隨便選擇發泄的對象——哪怕是針對一隻微不足道的耳朵，也是有目的的。在冰流的鐵器與滾燙的肉體的最初接觸中，梵高對自己以及整個世界充滿了破壞欲，必須通過打碎點什麼才能獲得平衡。這就叫做可怕心理的瘋狂已演變為生理的反應，甚至表現為某種嗜血的傾向。在一聲陌生的慘叫中，梵高本人獲得了雙重身份：既是劊子手，又是受害者。理智的天平傾斜了：他對自己的殘忍超過了對自己的體恤。第一滴血，意味著他對自身犯下的第一樁罪行。

對於梵高割掉的耳朵來說，海水的聲音也就是血液的聲音、鮮紅的聲音。他彷彿要被世界的血、被大海的黃昏給淹沒了。耳朵是他肩頭的落日，遭受了沉重一擊。女作家陳染的小說中有如下一段話：「我不愛長著這隻耳朵的怪人，我只愛這隻純粹的追求死亡和燃燒的怪耳朵，我願做這一隻耳朵的永遠的遺孀。」那隻墜地有聲的耳朵，是這個世界上最溫柔的彈片，是一次無聲的戰爭的紀念品——在我們想像中，它一直代替大師那枯萎的心臟跳動著，如同一架永不停擺的掛鐘。在世界眼中，梵高瘋了。但在這隻耳朵的聽覺中，世界瘋了。

世界把自己的癲狂最先傳染給人類的畫師——就像曾經給他的筆端注入魔力。我們驚訝地注視著梵高扭曲的面孔、恐怖的眼神和顫抖的手勢：他彷彿在代替整個人類受刑，成為痛苦的化身。想到這裡，也就能理解梵高作品中掙扎的線條與狂舞的色塊：傾泄的顏料里調和著他的血，而畫布，不過是他包紮傷口的繃帶。這是一位生活在傷口裡的大師，他習慣用傷口對世界發言。這是一個疼痛的收割者，他的鐮刀最終收穫了自己的耳朵。

世界沒能挽救這個垂危的病人。梵高放下滴血的剃鬚刀片——不久，又拾起一把左輪手槍。他似乎越來越把自己當作假想的敵人，不斷挑選著攻擊的武器。最終的結果自然是毀滅性的：在法國阿爾的一塊麥田裡，他用那隻拿慣了畫筆的手，對自己扣動了扳機。每當欣賞著一個多世紀前梵高的遺作（哪怕是印刷品），不知為什麼，我總能隱約聞見一股硝煙的氣息——或者說，死亡的氣息。但是跟他的死亡相比，他的瘋狂似乎更為恐怖。一隻被閹割的耳朵，要比一具中彈的屍體更令人觸目驚心。梵高死了，卻留下了一隻著名的耳朵——這最後的遺物似乎並沒有失去聽覺，收集著後人的議論。這隻在故事中存在的失血的耳朵，至今仍像埋設在我們生活中的聽診器，刺探著我們的良心。梵高死了，耳朵還活著，還擁有記憶。為什麼不在他呻吟與崩潰的時候，扶持他一把——世界，你聽見了嗎？你的耳朵長在何處？

總是忘不掉一部外國小說的書名：《更多的人死於心碎》。那些心碎的死者，有著怎樣的特徵？我估計他們面部籠罩著比常人更安詳的表情。由此，就能理解梵高在受傷後的那幅自畫像里，為什麼保持著岩石般的平靜與獃滯——彷彿疼痛降臨在另一個人身上，或者已遠離了他的肉體。可以說，在他無法自控地割掉耳朵之時，他的心已經碎了——如同墜地的瓷器。在他審視著鏡中殘缺的自我之時，他本人已經提前死亡。心的死期要早於生命的死期。心碎的人即使活著，業已是行屍走肉。梵高在死前就已是不完整的。他用刀鋒給自己製造了一個缺口。

人們們如果確能真誠相愛，生命則將是永存的，這就是梵高的願望和信念。可是冷酷和污濁的現實終於使這個敏感而熱情的藝術家患了間歇性精神錯亂，病發之時陷於狂亂，病過之後則更加痛苦。他不願增加別人（尤其是弟弟提奧）的負擔，於1890年7月23日自殺，幾天後身亡，享年只有37歲。幾個月後，曾經把自己全部熱愛和物力獻給他的提奧也死去了。人們說：提奧是為了梵高而生的……梵高的一生留下了豐富的作品，對後來美術的發展產生深刻的影響。他的藝術對20世紀表現主義影響甚深。特別是蘇丁和德國表現派畫家，從他那裡吸取了重要的原則。

創作經歷早期作品 1881.4 - 1883.12

這裡展示的是梵谷最早的油畫。包括埃頓時期，海牙時期和德倫特時期。當梵谷畫它們時已經是快30歲的人了。這些作品大約完成於1881-1883年間。此前，梵谷在博里那日礦區受到巨大打擊，對上帝幾乎絕望，卻終在迷茫與困惑中找到了一生的歸宿--繪畫。他開始大量臨摹名畫，並畫了大量素描習作。可以說，梵谷是一個自學成才的天才畫家。他從小受到藝術熏陶，又有極高的文學素養，這使他具有很高的藝術鑒賞力。梵谷喜歡倫勃朗，喜歡米勒，他用自己的畫筆描繪農民，工人，社會底層人。深沉厚實的風格雖與其以後的畫風有極大的反差，但畫中所表現出的氣質與精神卻是永恆不變的。

紐南 Nuenen 1883.12 - 1885.11

1883年底，梵谷回到父親供職的教堂所在地紐南。在紐南的兩年時間裡，梵谷苦練素描技巧。在畫了大量素描寫生和習作後，他完成了第一幅著名作品（所謂的著名都是後人評價的結果，當時的梵谷只是個待業青年）－《吃土豆的人》。這幅作品和他這一時期的很多作品都受荷蘭現實主義畫風的影響，畫面深沉，有極強的鄉土氣息。這也表現出梵谷很強的農民情結，他似乎很想成為一位農民畫家。一方面，他受到「精神導師」米勒的影響，更重要的可能是內心深處對鄉間生活的嚮往，對淳樸農民的尊敬和對誠實勞動的讚美。

[注]：米勒，十九世紀法國現實主義藝術大師，喜歡描繪農民生活。梵谷的精神導師，梵谷許多作品受其影響並臨摹過其許多作品。

安特衛普 Antwerp 1885.11 - 1886.2

1885年11月底，梵谷決定去安特衛普，在那裡的3個月里，他努力的學習繪畫並沉醉於其中。在此期間，他了解魯本斯的繪畫，接觸到了日本浮世繪，這些都對他此後的繪畫歷程有很大影響。梵谷此時期的作品延續了紐南時期的現實主義風格和深沉的筆觸，但他也漸漸使畫布變得明亮了些，色彩也豐富了些。

巴黎 Paris 1886.3 - 1888.2

1886年2月底，梵谷來到「藝術之都」－巴黎。這裡濃厚的藝術氛圍使梵谷興奮，尤其是印象派繪畫使他震驚不小。在弟弟提奧（當時在巴黎，提奧是頗有名氣的畫商，和印象派畫家關係很好）的介紹下，梵谷認識了很多印象派畫家，比如勞特累克、高更、修拉、畢沙羅...在受到印象派影響後，梵谷的畫風發生了變化，畫面變得明亮起來。他還在創作中吸收了印象派的一些技法，如點彩法等。這一時期梵谷開始了大量的自畫像的創作。2年後，梵谷漸漸厭煩了巴黎的城市生活。他並不滿足於印象派的表現手法和思想理念，而他獨特的個性告訴我們，梵谷的繪畫不屬於任何流派。於是梵谷帶著希望來到法國南部，充滿陽光的小城阿爾，迎來了他最輝煌的創作時期。

阿爾 Arles 1888.2 - 1889.5 1888 年2月，梵谷在朋友推薦下來到法國南部小城－阿爾，並很快愛上了這兒。猛烈的陽光和刺目的麥田使他「瘋狂」。創作進入了高峰。雖受法國印象派和日本浮世繪影響。但他的作品已極具個性，這源自其獨特的視角和敏感的性格。他熱愛大自然，熱愛生命；他不滿足於只是理性的「模仿事物的外部形象」，而要藉助繪畫「表達藝術家的主觀見解和情感，使作品具有個性和獨特的風格」（引號中的是梵谷的原話）。所以，梵谷是用心靈作畫的大師。梵谷在小城廣場邊租下「黃房子」，想建立「畫家之家」。後來高更前來同住。不幸的是，長期超負荷的工作和陽光的灼燒使梵谷精神失常。他與高更日夜爭吵，後發生著名的「割耳事件」。在阿爾居民的抗議下，梵谷迫離開，並自願前往距阿爾不遠的聖雷米的聖保羅精神病院接受治療。梵谷在阿爾創作了大量的作品，但仍無法賣出以養活自己。《向日葵》《收穫景象》《夜間咖啡館 - 室外》《夜間咖啡座-室內》等是這一時期的代表作。

聖雷米 Saint-Rémy 1889.5 - 1890.5

1889年5月8日，梵谷自願來到離阿爾25公里的聖雷米。在聖-保羅精神病院治療。這時的梵谷已陷入對精神病的恐懼和對前途的迷茫中。他每隔幾個月發一次病，但事後卻非常清醒，並且經常到戶外作畫。令人驚嘆的是，梵谷在這樣的情形下並沒有頹廢，而是畫出了一幅幅更加成熟，更加大膽，更加令人震撼的作品。這一時期的作品，許多都表現出強烈的情緒和「視覺衝擊」，旋轉的線條，粗獷有力，讓人感到畫家複雜強烈的感情和表達的衝動。代表作品有:《星月夜》《柏樹》等。值得一提的是，正是這時，評論家開始評論梵谷，而且賣出了他生前唯一一張油畫。

奧維爾 Auvers-sur-Oise 1890.5 - 1890.7

1890年5月17日，梵谷來到巴黎與提奧和他妻子及剛出生的侄子文森特（與梵谷同名）見面。後經提奧推薦，來到距巴黎不遠的小鎮奧維爾接受加歇醫生治療，並繼續創作。梵谷與當地人相處愉快，病情也似有好轉，但就在7月27日下午，他外出作畫時開槍自殺。29日黎明，梵谷在提奧身邊死去。當時他只有37 歲。關於梵谷自殺的原因始終存在爭論。個人認為，梵谷的自殺並不只是由於精神問題，《麥田上的烏鴉》等作品絕對是畫家極其清醒的狀態下畫的，但這些畫暗示了梵谷的死亡卻是很明顯的。梵谷在成名前夕突然自殺，也許終是一個謎。但請記住他的遺言：「The sadness will last forever...」

1891年1月25日，提奧在梵谷死後6個月也病逝了。

1914年，提奧的遺體被葬在奧維爾梵谷墓之旁。兩個好兄弟永遠在一起了...

繪畫成就

藝術特色

油畫技法使用點彩畫法。早年因學習傳統繪畫技法，畫面色彩並不明快，後來受新藝術流派影響以及個人氣質使然，畫面變得色彩強烈，色調明亮。後來受到革新文藝思潮的推動和日本繪畫的啟發，大膽的探索、自由地抒發內心感情的風格，追求線條和色彩自身的表現力，追求畫面的平面感、裝飾性和寓意性。梵高的作品中包含著深刻的悲劇意識，強烈的個性和形式上的獨特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳躍和扭動。

當時他的作品雖很難被人接受，卻對西方20世紀的繪畫藝術有深遠的影響。同時對現代人也有著積極的影響。

畫面色彩強烈，色調明亮。野獸主義、德國的表現主義以及20世紀初出現的抒情抽象主義等，都從他的主體在創作過程中的作用、自由抒發內心感情、意識和把握形式的相對獨立價值、在油畫創作中吸收和擷取東方繪畫因素等方面，得到啟發，形成了各自不同的繪畫流派。

梵高摒棄了一切後天習得的知識，漠視學院派珍視的教條，甚至忘記自己的理性。在他的眼中，只有生機盎然的自然景觀，他陶醉於其中，物我兩忘。他視天地萬物為不可分割的整體，他用全部身心，擁抱一切。梵高很晚才作為一位極具個性化的畫家而嶄露頭角，距他去世時只有八年。

藝術使命

梵高是一位具有真正使命感的藝術家，梵高在談到他的創作時，對這種感情是這樣總結的：「為了它，我拿自己的生命去冒險；由於它，我的理智有一半崩潰了；不過這都沒關係……」.

梵高從來沒有放棄他的信念：藝術應當關心現實的問題，探索如何喚醒良知，改造世界。

創作理念

印象主義

梵高著意於真實情感的再現，也就是說，他要表現的是他對事物的感受，而不是他所看到的視覺形象。

梵高在巴黎結識了印象主義畫家之後，他的調色板就變亮了。他發現，他唯一深愛的東西就是色彩，輝煌的、未經調和的色彩。他手中的色彩特徵，與印象主義者們的色彩根本不同。即使他運用印象主義者的技法，但由於他對於人和自然特有的觀察能力，因而得出的結論也具有非凡的個性。

梵高把他的作品列為同一般印象主義畫家的作品不同的另一類，他說：「為了更有力地表現自我，我在色彩的運用上更為隨心所欲。」其實，不僅是色彩，連透視、形體和比例也都變了形，以此來表現與世界之間的一種極度痛苦但又非常真實的關係。而這一鮮明特徵在後來成了印象派區別於其他畫派而獨立存在的根本。

表現主義

梵高死後不出幾年，一些畫家就開始模仿他的畫法，為了表現強烈的感情，可以不對現實作如實的反映，這種創造性的態度被稱作表現主義，並且證明是現代繪畫中一種歷久不衰的傾向。即為了主觀意識而對物體進行再塑造。

儘管高更和梵高的名字雙雙成為現代表現主義的先鋒，成為極端個性化的藝術家的典型，但他們的個人性格特點又有某些不同。高更是個攻擊傳統觀念的人，語言刻薄、玩世不恭、冷漠無情，有時蠻橫無禮。而梵高對於共事的藝術家，則充滿了一種天真的熱情的深沉的愛。

愛情經歷

戀愛原是一廂情願

1869年秋天，16歲的梵·高經叔父介紹到一家美術行當小職員。他誠實可靠，聰穎勤奮，不久被晉陞後派往倫敦。在倫敦，他對房東太太的女兒尤金妮亞一見鍾情。外表醜陋，走路時佝僂著背，活像一個小老頭的梵·高認為尤金妮亞是一位絕代佳人，為之神魂顛倒。

梵·高生性怪僻，不懂人情世故，不善與人交往。但是愛情的魔力往往是強大的，自從梵·高認識了尤金妮亞之後，就完全改變了他以往的個性。他捲入了愛的漩渦中，感受到了平凡生活中的樂趣，並成為一個偶爾還能有幾分幽默，頗受人喜愛的人。涉世未深的梵·高公開承認了自己對尤金妮亞的愛慕之情。然而，梵·高不舍的追求並沒有得到任何回報，相反，尤金妮亞討厭他發出的猛烈追求攻勢。在梵·高向她求愛時，她堅決地拒絕了。

梵·高缺乏察言觀色的能力，更不能徹底了解女人內心的真正想法。事實上，尤金妮亞從未表示過對梵·高有任何的好感，只是他自己一直處於幻想中的戀愛狀態，這段無疾而終的戀愛終於以失敗告終。失戀後的梵·高仍然忘不了尤金妮亞，他經常去尤金妮亞的家裡找她，并力圖表達自己的真摯愛情，期待尤金妮亞能回心轉意。

當梵·高再一次向尤金妮亞求愛時，尤金妮亞告訴他，自己早已在1879年就訂了婚。這個沉重的打擊幾乎讓梵·高絕望，但他還夢想將尤金妮亞從別人的懷抱中奪回來。梵·高努力尋找著機會，直到有一天，梵·高親眼看到尤金妮亞緊緊依偎在一個瘦高個男人的懷裡，兩個人熱烈地接吻。梵·高的一切夢想都幻滅了，他的心彷彿被人掏走了一樣。隨後，痛苦不堪的他離開了倫敦，去了巴黎。

觸動社會禁忌愛上表姐

1881年，梵·高回家探親，見到了在他家裡做客的剛成為寡婦的凱表姐，凱表姐熱情而大方，她的美麗幾乎使梵高沉醉。凱是一個典型的荷蘭女性，頭髮是深栗色的，藍色的眼睛裡閃動著迷人的光彩，豐滿的嘴唇像含苞待放的花兒一樣微微啟開。

梵·高突然為尤金妮亞的拒絕而感到高興，他覺得，自己過去的愛是那麼的膚淺，尤金妮亞只是一個無知的孩子。梵·高深信不疑的一點是：和凱表姐相處，要比跟尤金妮亞待在一起有價值得多。凱使他重新認識了愛情，理解了愛的真諦。然而，在19世紀的荷蘭，和表親結婚是一個嚴重的社會禁忌。而且，讓梵·高傷心的是，和他的初戀尤金妮亞一樣，凱對他幾乎也沒有任何興趣。梵·高發現凱表姐總是迴避愛情和婚姻的話題，從來不給他任何錶白的機會。有一天，吃完午飯後，當梵·高與凱在小溪旁的樹蔭下休息時，梵·高終於忍不住向凱吐露了自己的心聲，但是，聽到梵·高表白的凱很憤恨地離開。

儘管遭到凱表姐無情的拒絕讓梵高傷心不已，但他仍然勇敢地決定去叔叔家找凱表姐。但叔叔見是梵·高，連大門都不給他開。叔叔反覆告訴他，凱不在家裡。偏執的梵·高為了見到表姐，竟然拿來一盞煤油燈，將自己的手放在煤油燈的火苗上，對叔叔說，「我的手放在燈上多久，您就讓我見她多久。」梵·高的叔叔見狀，迅速將燈吹滅，並將他帶到附近的一個酒吧，將他灌醉。然而，喝醉酒後的梵·高仍然沒能見到表姐，只是得到了叔叔更強硬的回答：「你永遠不可能和她在一起！」

巨大的悲傷充斥著梵·高的心，使他的身體和精神都備受摧殘。梵·高只有更加努力地工作，受到如此殘酷的愛情挫折的他沒有奢求，只希望能獨立地生活下去。

150法郎斷送婚約

經歷了兩次愛情的挫折後，梵·高把更多的精力放在了畫畫上。

有一次，在畫素描時，梵·高認識了曾做過妓女的克里斯蒂娜。兩個人你來我往，感覺很是投機。每次，克里斯蒂娜下班之後，就給梵·高當模特兒，有時還為他做菜、燒飯、洗衣服。這些舉動讓梵·高體會到家的溫暖，讓他萌生了結婚的念頭。

不久以後，兩個需要安慰的人就同居了。對梵·高而言，克里斯蒂娜有著令人崇敬的品質，和克里斯蒂娜在一起，使他增加了信心和力量。梵·高不希望只是把克里斯蒂娜當作自己的情婦，他要和克里斯蒂娜結婚，共同生活、彼此愛護。能有一個和睦幸福的家庭，就算再辛苦梵·高也覺得快樂。克里斯蒂娜也想盡量做一個賢妻良母。

儘管外人對他們指指點點，但兩個相愛的人義無反顧地決定：當梵高每月能賺到150法郎時就結婚。

然而，克里斯蒂娜在當妓女時把身體給弄垮了，她虛弱的身子需要大量的營養品。而對繪畫近乎痴迷的梵高，把大量的錢花在了買顏料和雇模特上，這一切使得克里斯蒂娜心疼不已，兩人的矛盾日漸加深。

最終，由於梵·高無法賺到150法郎的月薪，他與克里斯蒂娜徹底斷絕了關係，結束了自己的第三段感情。

後世影響

對於藝術的真誠

梵高繪畫藝術的真實感及其所表現出來的對生命力的追求及對災難民眾不屈於命運的關切之情，我們會為之一震。由於這種面對社會醜惡、腐朽而表現出的不屈的肉體將鼓舞后來者在藝術長河中不時地探究與追求。論及個人，梵高無疑是不幸的，他單純的理想主義信心，痛苦的疾病折磨，孤僻、直率、執著而神經質的性格使他難以融入當時的社會，並與人為善相處。或許正是這種性格缺陷成就了梵高的不朽。他以廣博的文學涵養，寬厚的人文情懷，博大的同情心，悲憫的基督肉體，熾熱的創作激情，共同的繪畫技巧，把生命中最珍貴的東西熄滅在繪畫藝術中，構成了他得以不朽的藝術生命。

梵高的不朽來自於他高度盲目的自然觀繪畫思想。早在18世紀，法國啟蒙思想家盧梭就提出了「返回自然」的自然觀思想。自然觀思想以為，藝術家只要投身自然。才幹創作出美的作品，詮釋美的生活。梵谷的藝術創作深受自然觀思想的影響，他以宗教徒般的忠誠走進自然，詮釋人生。他以其孤寂的生活和楚苦的肉體世界為創作背景，運用繪畫的藝術方式表達出了屬於他本人的個性化的自然世界。梵谷描畫出的自然世界不是地道的外在於人的客觀存在，它是內化於人的「人化自然」。他經過繪畫藝術將本身的內在心靈與其所處的社會聯絡起來，正如梵高所說：「在見到諸多自然事物時，如當看到一片樹木時，我都能看到自然的表情，以至感遭到他們的心靈。我以至奢望可以在那裡找到某種鬥爭的方式。」於是，作為一名藝術者，梵高不斷在努力尋求人生意義與自然的實質之關係，他說：「一名社會勞動者形象，一片沙灘、天空與海洋，一塊犁地上的犁溝等，都理應成為藝術描畫的對象。將這些自然物描繪出來都是不容易的，但由於他們都是生活之美的對象，一名藝術家終其終身從事於表現這些自然物之美，的確是值得的。」由於反映自然之美是十分值得的，所以，梵高常處於一種肉體極度亢奮的狀態來停止他的藝術發明，正由於這種執著，梵高的藝術作品才真正反映出來自然的「生氣與真誠」，感動了有靈性的藝術之人，並傳於後世而永不退色。

梵高獨立特行的創作肉體與思辨認識也促成了其不朽的藝術生命。梵高也曾震動於米勒、倫勃朗、德拉克羅瓦等藝術家的繪畫作品，但是，他更多的是汲取其創作精髓，注重本身情感的表達，強調本人的客觀感受，追求方式和心理的均衡。梵高絕不故步自封地照搬傳統和照實地描摹自然，他終其終身努力尋求個性化的藝術表現手法，並最終發明出了屬於本人的藝術款式。梵高重複強調，藝術創作要「縱情地表現自我而不是努力地表現眼前之物」。梵高的人生是短暫的，但是，他卻用短暫的終身完成了作為一位出色藝術家的共同的藝術發明圖式。他用他的繪畫作品表現了他共同的藝術人生和人文情懷，震動著後來的每一位酷愛藝術、酷愛生活的人們。他的藝術作品在他逝世近100年後成為了世人以天價競購的對象，基本緣由在於他悲憫的人文情懷及猖獗的藝術情懷，並由此帶來的無量的藝術價值。梵高及其藝術作品開啟了西方現代藝術的大門，並成為西方藝術史上「表現主義」的藝術先導。梵高的藝術「是獻給將來的」，他不朽的藝術肉體將在世界藝術史上永放光芒。

後印象主義傑出代表

梵高，作為後印象主義的主要代表人物之一。他的繪畫受到西方繪畫的影響，也創造了屬於自己的獨特風格。他的創作的獨特風格，他對形式的大膽追求，強烈的色彩表達，因此他的藝術創作也難以被大眾接受，他習慣用誇張的變形手法和大膽的色彩表達來裝飾他的畫面。對梵高而言，畫畫只是一種純粹化的個人表達，在藝術創作中他非常重視個人的情感，這讓他很有動力。梵高的藝術風格最主要的特點就是對於色彩的表達，比如他的作品《向日葵》，畫面的整體色調就是高純度的色彩，他有意識的強調色彩，一些傳統的藝術效果被他有意忽略，將色彩表現到了極致，金黃色也是梵高習慣性用的顏色，由於他對生命的強烈的個性表達和追求的藝術個性，使畫面具有特殊的裝飾效果，或許有時候眾人無法理解他為什麼這麼創作。他擺脫了對現實的束縛，而注重對生命本身的表達，用主觀的情感抽象的表達著他所想表達的一切事物。總之，他經常用鮮艷明快高純度的顏色、還有奔放的筆觸去表現，顛覆了傳統的繪畫色彩，這在西方藝術上的影響是舉足輕重的。

梵高美術館介紹

荷蘭，阿姆斯特丹市中心的博物館廣場，就是赫赫有名的梵高美術館。

當初梵高去世，弟弟提奧的妻子和兒子竭盡畢生的經歷籌建了梵高美術館，世人在此可以看見很多梵高的繪畫、手稿、信件。梵高一生只賣出過一張油畫，幾乎全部作品都留給了提奧的遺孀，這個女人在最貧困和艱難的日子，都沒有賣過梵高的畫，所以，這裡的梵高藏品是全世界展館中最全的。

梵高美術館收藏有油畫200多幅，約為全部作品的4分之1，素描幾百件（也有說上千件），還有梵高的幾乎全部書信。其次，還收藏有梵高和弟弟提奧收藏的日本浮世繪和其他一些畫家的作品，比如高更和勞特雷克筆下的梵谷肖像，高更和貝爾納的自畫像等。

開館時間：10點至17點（1月1日閉館），周圍還有市立美術館，阿姆斯特丹國立美術館，和音樂大樓。

梵高美術館分新館和舊館兩部分。新展館Exhibition Wing，1999年建成。1999年6月24日，梵高美術館重新開放。舊館主樓，共4層，於1973年6月2日建成開放。

新展館的設計者是日本的建築大師黑川紀章，北京的中日青年交流中心就是他設計的。

梵高美術館主展館外觀以玻璃和牆壁組成，共四層。中央有通風設計，每一層都可用自然採光。連接四個樓層,樓梯和樓梯間的平台，採用開放試設計，彷彿沒有任何支撐般飄浮在空中。主展館的設計者是著名設計師李特維德，他既是建築師，也是傢具設計師。

梵高美術館新展館是1999年才建成的，由世界著名建築師黑川紀章設計。新館建設的同時，舊館也進行了改建和裝修。

梵高美術館現任館長，約翰·雷登（John Leigton）先生。

梵高美術館的歷史

1890年7月，梵高自殺。

1891年1月，梵高死後六個月，相隨他一生的弟弟提奧（Theo）在悲痛中過世，死時只有33歲。醫生說：「過度的緊張與悲嘆」是死因。

提奧的妻子喬安娜繼成了提奧留給她的堆積如山的油畫和素描，梵高寫給提奧的幾百封信，還有幼子文森特（V.W van Gogh 文森特·威廉·梵·高，梵高的侄子，和梵高同名，下文中「文森特」代表梵高的侄子）。

喬安娜本來對梵高並不熟悉，但當她讀過梵高的信，被深深的觸動了，也被梵高的人生和創作所深深吸引。

從此，喬安娜通過自己勤奮、智慧的工作，一步一步使世界了解了梵高。她經常將梵高的作品借出展覽，後又開始整理那些浩繁的書信。不久，這些書信開始被人關注。

1914年，阿姆斯特丹出版了三卷梵高書信集（德語版同時出版）。之後又有好幾種外語版本。由於這些書信，梵高被全世界的人所熟知。

1927年，喬安娜去世，她雖然很努力的工作，但那些畫還幾乎原封不動的呆在家裡。這時，已成為出色技術人員的文森特繼承了這些畫。

約在1930年，美術史學家約翰·魯瓦德與文森特見面，他後來這樣描述：「他一點架子都沒有，根本看不出是有錢人，他的習慣與生活形態簡樸至極，但是家中到處堆滿伯父的油畫與素描，要是把他所擁有的全部作品堆在家中，恐怕也沒辦法容納得下。這些作品大部分以長期簽約借出方式，在阿姆斯特丹的市立現代美術館展覽多年，供大家觀賞。」

二戰後，由於擔心這些畫作散落各處，他以捐出收藏為條件，向阿姆斯特丹及荷蘭政府請求提供永久的收藏場所。

1960年，梵高基金會（Vincent van Gogh Foundation）成立。

1962年，阿姆斯特丹市政府提供土地，國家負擔經費，梵高美術館終於要成為現實。

1963年，梵高美術館開工。文森特也積极參与設計。建築由荷蘭建築師李特維德（Gerrit Thomas Rietveld 1888-1964）設計。他死後由其他人繼任。

1973年6月2日，梵高美術館正式開放，荷蘭女王朱麗安娜親臨剪綵。從此梵高美術館成為阿姆斯特丹一處名勝。文森特在過世前，目睹了美術館的落成。

1978年，過完88歲生日後幾天，文森特去世了。

他的朋友約翰·魯瓦德寫道：「住了四十年的家，裡面梵高的作品全部搬空了，但就像卸下常年扛在肩上的包袱一般，他的心情非常輕鬆愉快。」

梵高美術館建造時面積不大，按每年6萬人設計。但近幾十年，梵高的名氣越來越大，每年參觀人數過百萬，原有的場地頓顯捉襟見肘。於是，日本的安田火災與海南保險公司（該公司總裁後藤安夫曾於1987年買下梵谷的一幅向日葵）出資，由世界著名建築師，日本人黑川紀章設計的梵谷美術館新展館（Exhibition Wing），於1997年4月29日破土動工。同時，原有的舊館也進行改建，由建築師馬丁·凡·厚而設計。新館和舊館同時於1999年6月24日重新並對外開放。

梵高美術館無論在質或量上都可以說是世界上最大，最好的梵谷博物館。

http://www.vangoghmuseum.nl/

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