學習國畫的一般常識-頭條網

06-27

一、中國畫的概念

中國畫原來泛指中國繪畫，是近代為區別明末傳入的西畫而出現的概念。較之西方繪畫的造型方式和表現手法有明顯的差異。它包括捲軸畫、壁畫、年畫、版畫等各種各樣的門類；今作為中國的畫種之一，指以中國獨有的筆墨等工具材料按照中國傳統長期創作、形成的繪畫品種，在世界美術領域中自成獨特體系。它是用毛筆、墨和中國畫顏料在特製的宣紙或絹上作畫，主要運用線條、墨色、色彩來表現，並與詩詞、書法、篆刻相結合，達到「形神兼備」氣韻生動的效果。它以悠久的歷史和獨樹一幟的特點，集中代表了中國繪畫傳統及其在新時代的創新，是幾千年的中國文化傳統的具體體現，是東方繪畫系的重要組成部分。

二、中國畫的類別

中國畫不是一個符合藝術分類學的科學概念。

按工具材料分：可以稱為水墨畫或彩墨畫，與油畫、水彩畫、版畫、水粉畫並列。

按使用的不同分：中國畫作品可分別列入壁畫、連環畫、年畫、插圖之中等等。

按繪畫的對象分：有人物畫、山水畫、花鳥畫（花卉、翎毛、草蟲、走獸、魚蝦、瓜果、博古）三大科。

按技法分：可以分為有工筆畫、寫意畫和兼工代寫畫。工筆畫工細秀麗，造型嚴謹，渲染細緻，富於裝飾效果。而寫意畫則技法簡煉，造型概括，筆趣橫生，有意到筆不到的效果。具體到表現繪畫的對象又細分為：

人物畫可分：白描、工筆重彩、半工半寫、寫意、彩墨。

山水畫可分：界畫、水墨、淺絳、小青綠、大青綠、金碧青綠等。

花鳥畫可分：白描、勾勒、勾填、沒骨、點垛、勾花點葉等。

三、學習中國畫所需的用具：

1、筆：筆有大中小號之分，也有軟毫硬毫之別。初學時，大筆要準備大、小提斗筆各一支。大筆最好買兼鬃的。中等筆要準備一支大蘭竹、一支大白雲；小筆要準備一支葉筋或衣紋。新買來的毛筆要用清水發開，千萬不能用熱水泡。每次用完要及時涮乾淨，不能讓殘墨或色把筆毫膠住。

2、墨和硯：「一得閣墨汁」就可以了，使用方便。也可以在硯台上研墨，硯台最好是帶蓋的用畢蓋嚴。若殘墨太多已變質要及時洗去。

3、紙：寫意畫要用吸水性較強的紙，質量好的有生宣紙，價格低廉的有毛邊紙、元書紙、防風紙。工筆畫要用熟宣紙或絹。

4、畫氈：用生宣紙作畫一落墨就會洇透，在紙下面必須墊上毛氈。畫氈可以用舊毛毯、舊呢子代替，以平而有絨為好，顏色最好淺一些。當然也可以報紙來墊上。

5、筆洗：作畫要備洗涮筆的工具，最好用廣口而光滑的。筆洗不要太小，水不要太深。太小不便清洗，水太深筆桿上殘留水分流下來會影響調墨。

6、調色盤：調墨、配色，要備有三、四個大一點的白色盤子，最好不要用有花紋的盤子，用後要及時涮乾淨。

7、筆墊：廢宣紙、廢畫可放在畫案旁，作為吸水和試墨用。筆上多餘水分可用筆墊吸一下，便於掌握水分多少。作畫時手邊還要有一塊生宣紙，下筆水分過多，也可用它及時按壓一下。

8、顏色：初學者可買一盒12色的中國畫顏料。

四、學習中國畫要把握它的一般特點

要想簡明地回答以上的問題並不容易。傳統的中國畫具有悠久的歷史，適應中國的文化土壤而生根開花，在立意、構圖、技法和程式化的表現諸方面，都具有自己的特點，這些特點，也正是目前國畫理論家正在討論總結的問題。這裡試舉數點。

第一、中國畫的構思——首重立意為先

中國畫創作，以立意為先，許多繪畫理論家都首先強調這一點，不管是畫山水、畫人物、還是畫花鳥。

唐代張彥遠在《歷代名畫記》中有一段關於「六法」的論述：「夫象物必在於形似，形似須全其骨氣。骨氣形似．皆本於大意而歸乎用筆。」他認為立意在先．畫中才能有變態、有奇意。

宋代以畫梅花著名的華光和尚，法號仲仁，傳為華光著作的《畫梅指迷》中，有一段「畫梅全決」，開頭就是「畫梅全決，立意為先」。到了清代的方薰，著有《山靜居畫論》。在這裡也強調了立意與作畫之關係，他說：「作畫必先立意以定位置，意奇則奇，意高則高，意遠則遠，意深則深，意古則古」。他認為平庸者作畫必平庸，俗氣者作畫也俗氣，因為缺乏畫家最寶貴的「立意」，所以作品平庸。

意人利文藝復興時期的畫家達·芬奇，也有近似的說法，他曾說：「一個畫家應當描繪兩件最主要的東西，人和人的思想意圖。」這與我國晉代人物畫家顧愷之所提出的「巧密於精思」是十分一致的。

「意」是從哪裡來的？一是畫家對現實生活的豐富體察、創作經驗的充分積累；另一點便是畫家本人的修養，這樣在創作之先，畫什麼，怎麼畫，在頭腦中形成了成熟的構思。

宋代畫家文與可，別人稱讚他「胸有成竹」，即在他沒有落筆畫竹之前，頭腦中已經有了竹子的形象，在胸中、筆下躍躍欲出，這時便能落筆而就。「胸有成竹」遂成為我國讚譽善於計劃安排事情的成語。

在張彥遠提出的「立意」之前，南朝時代的謝赫即有「創意」、「明意」之說。創意之畫，不落陳套，用意精當，借景以生情，筆少而意多，在這一意義上講作為一個畫家，不僅要在平時注意練筆、錘鍊個人的表現技巧，更為重要者，還要認真地加強「練意」之功。很多習畫者，常常只是注意在練筆上下功夫，而忽略了「練意」，這是值得注意的。

第二、中國畫的造型規律——以線造型、以形傳神

中國畫是以線造形的，通過線勾出輪廓、質感、體積來。德國的詩人歌德稱美術有用光表現得神態活現的那種本領，說明西洋畫用光為造型手段之一。但中國畫主要是以線為造型之基礎，這就使中西繪畫在造型手段上有明顯之分野，但這並非說西洋畫完全排斥用線，而是說光可以作為繪畫的主要語言而用於繪畫的。法國的羅丹曾經強調過：「一根規定的線通貫著大宇宙」，是說造型藝術從宇宙如何分割出來的問題，也並非以此作為繪畫的主要表現手段來看待。而中國畫無論對山水的破線或是衣服的紋線，都積累了非常豐富的線型，巧妙地描繪著各種形象。

「以形寫神」是晉代畫家顧愷之的一句名言，從而確立了中國藝術神高於形的美學觀。它與純以抽象性為高的近代歐洲美學觀具很大的區別，即畫人不僅僅於形似，還要升華到神似，畫出人的精神面貌，不停止於外形之模擬，不拘泥於自然之真實，這一論見為藝術家建立起藝術應竭力追求之高度，在這一理論指導下，歷代出現許多傳神寫照的佳作，成為指導繪畫的一個重要準則。

第三、中國畫的構圖法則—— 多點透視、計白當黑

中國畫既用焦點透視法，也用散點透視法，既有嚴守真實的畫面空間和布白，也有打破真實按構圖需要而平列的空間和布白，這樣就使物象在畫面出現時，可以按實物在畫面上的藝術需要，伸長或縮短變化其形象，更換其位置。一株低於視平線的牡丹花．也可抬高於視平線之上，而取得透視的最佳效果。

中國畫在空白處尤其注意經營，常常借用書法上的計白當黑．即沒有畫面的部位要象有畫面的部位一樣作認真的推敲和處理。

第四、中國畫的色彩法則——隨類賦彩、色彩相和

南朝齊謝赫的著作《畫品》的「六法論」中，所提的「隨類賦彩」或「隨類，賦彩是也」，可以理解為繪畫的色彩與所畫之物象相似。中國畫的色彩，不拘泥於光源冷暖色調的局限，比較重視物體本身的固有色，而不去強調在特殊光線下的條件色。畫那一件物品，就賦予那一件物品的基本色，達到色與物、色與線、色與墨、色與色的調和。

第五、中國畫的意境——情景相生、氣韻生動

中國畫要求「筆與墨合、情與景合」。現實中無限豐富的景象，給畫家以強烈的形象感染力。畫家憑藉著這種感受，激起描繪這些景象的激情，於是作品作為情景相生的複寫而重現，使情景交融在一起。

至於「氣韻生動」，即是畫家所創造的藝術境界，不同於一般的寫生畫，應成為富有生氣，新鮮而活潑，有詩一般的韻味，使觀者神往無窮。如果沒有表現出如此生動、如此韻味豐富的內涵，當然，就不能給人以形象的感染力、視覺的衝擊力等一些感受，而達不到中國畫富有引人入勝的意境。

第六、中國畫的獨特形式——詩書畫印，相映成趣

可以說只有中國畫，才有題字蓋印的做法，不僅文人畫，可以顯示其詩、書、畫三絕之長，即是一般的畫作，也總要題字蓋印，這樣才有傳統藝術的濃厚風味。

題字和詩句，可以提高或補充觀者對作品的欣賞和理解，也豐富了構圖的變化，起到互相襯映，互為顯彰、點綴與平衡構圖的多方面作用。

中國畫的工具和材料之性能，也決定著中國畫的特色。中國畫是運用絹和紙作畫，特別是生宣紙的出現，更加發揮了筆趣和墨彩。宣紙的滲性，毛筆的尖錐，使得筆鋒無窮變化，產生出奇妙的效果。同時形成了各種效法和描法，畫法和筆法。

五、學習中國畫要注意以下要領

第一、注意從寫生到寫意

國畫在初學時以臨摹作為入門的手段，逐漸地對物寫生。再轉而對物象寫意，不僅粗筆的寫意畫是如此，就是細緻的工筆畫，也有其寫意的成份。因為中國畫在描繪物象時，不管是為工筆或為寫意，其處理手法都帶有寫意性，不是簡單複寫一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所當繁，而簡其所當簡，對物象提煉加工的程度較高，不以光色外型的逼真為能事，著重於內在的認識。

根據董其昌的記載，好多著名的山水畫家，都是以真山水為稿本進行創作的，如「李思訓寫海外山，馬遠夏圭寫錢塘山，趙吳興寫營雪山，黃子久寫海虞山」。當後人看這些畫幅時，感到他們既是在寫生，又是在寫意；既師法於自然，又不為自然現象所困。拿黃子久的《富春山居圖》來看，作者取材於富春山，並不就是富春山的環境地理圖，他表現的是黃子久理想化了的境界。

由此說明古代畫家對自然界各種物象是如何認識並表現出來，使真實物象變為藝術形象，並且逐漸使之規律化、程式化，同時可以看出他們豐富的表現技法。

對照《芥子國畫傳》及其它畫譜，再對照歷代畫家對這一程式的運用，讀者便可以摸到從自然生態變為國畫中的藝術形態，如何加工和概括的過程。從中也可理解到從寫生到寫意的處理加工手法，從技法上掌握中國畫的造型特點。

第二、注意突出主題

明代汪珂玉在《珊瑚綱》中說：「古人作畫，皆有深意，運思落筆，莫不各有所主」。「所主」也即是主題。主題突出，是藝術創作中的一個共性。一個主題思想形成了，便可決定用何題材去表現，再決定素材之選擇，以至確定下作品的標題，採用什麼樣的表現方法，都要取決於主題表現的是什麼。象唐代閻立本的名作《蕭翼賺蘭亭圖》（傳），這個故事的曲折情節很多，但閻立本選取的是蕭翼的意在「有意、機詐和騙誘」和辯才的出於「無心、善良和受騙」兩個典型情節，以突出畫中的主題。主題突出在"賺"字上，其他的細節則盯以減略或概括，這是完全符合《法書要錄》上對這一事實所作的記述。

在國畫創作中，發現了好的題材，並不等於都能突出主題。如只求人物之生動刻劃，或求畫面之豐富變化，或者平鋪直敘，均不能算是突出主題。作者只有從國畫藝術的特有規律和表現手法來考慮應該突出什麼，要善於按國畫形式概括題材，確定主題，把人物的刻劃，細節的組織，都用來烘托主題，使觀者從畫面上就以不加解釋的領會到作畫者的意圖何在。所以郭熙認為：「作畫先命題為上品，無題便不成畫」。

主題明確了還應給作品取個最恰當的題名，大多數情況下還要題在畫面之上。標題要言簡意賅，寓有深意，也可以直接地揭示出主題，也可以暗示出主題的含意，以取得畫龍點睛之妙。

第三、注意積累素材

藝術工作者都需要在生活中積累大量的素材。文學家使用的是文字，畫家有時也用文字，但主要的是用畫筆寫生。在畫家接觸自然界的風景、花卉和人物時，要經常以速寫為記錄，把觀察到的實物用畫筆隨時收集。象畫家齊白石，對於各種小生物的生理結構，都有非常細緻的觀察和了解，這樣做下去，也鍛煉了美術工作者觀察生活和造型的能力。

魯迅先生提到過，「作者必須天天到外面或室內練習速寫，才有進步。到外面去速寫，是最有益的」。

從生活中記錄下來的原始材料，如同開採到的礦石，也象是活水的源頭，有無限的生動和豐富，比之於拍照片，抄畫報得來的素材，親切而深刻。在深入探索自然風光和人物的實踐中，積累大量素材，同時構思新的畫題，會引起無窮通思。

要注意題材和體裁。題材不同於素材，素材是未經冶煉的礦石，題材則是從大量的素材中．經過淘沙冶煉找出的最適於表達某一主題的材料。如果對素材的選取不精，會使所要表達的內容，失去鮮明性和典型性。用一個通俗的比喻來解釋體裁，好比是量體裁衣，根據不同的體型，來剪裁不同的款式。比如一面大的壁畫製作，用一幅小的冊頁體裁就不適當。又如前面提到的《蕭翼賺蘭亭》，用人物畫的體裁就比較好，而《長江萬里圖》，當然是用山水畫的長卷形式為佳。而各種詠梅的詩意畫，則用花卉驚現為貼切。

在人物、山水、花卉諸種形式和體裁中又分有工筆、寫意、重彩、水墨等等的不同。作者當確定畫的主題之後，都應從內容出發，跟著就要考慮所要使用的體裁。諸如長幅還是短幅，是用大場面還是用特寫之筆。

六、學習中國畫要注重兩個基本功

第一、臨摹。中國畫在其形成過程中，有許多的傳統表現手法，掌握這些方法，一個經常使用的辦法，是臨摹前人作品和老師的畫稿。有相當造詣的國畫大家，必須經數十年的臨摹和體驗，才感到對繪畫有較充分的把握。

第二、造化為師。生活中的豐富環境，是畫家最活的畫本，畫家應在生活中不停地磨練自己，國畫家常講求以造化為師，只有從這個豐富的寶藏中，才能開發出藝術的瑰寶，得到自然界的啟示，收集廣泛的素材。

兩個基本功相輔而行，不可或缺，只臨摹前人的稿本，日子長了，失去獨自創造的能力，如果只靠寫生的東西，則常常失去傳統的筆致。

在畫家具有了很好的國畫臨摹基礎之後，生活則是最重要的了。清代畫家石濤說「筆非生活不神」，關在屋子裡瞑思苦想不行，缺點在於離開自己親自收集來的形象，對人物的性格、精神面貌全無所知，這種形象就會概念化。反之，你在生活中畫下最熟悉的人物，一閉上眼，人的精神氣質、音容笑貌、都會不呼自出，就會生動得多。

就拿畫人來說吧，工人和農民，雖然都是勞動者，而從個性和氣質都不相同，這些就需要在生活中默默的研磨才能脫穎而出。畫山水花鳥，也同樣離不開實地旅行寫生和體驗。當然作為一個藝術工作者，除了筆墨和生活基礎之外，對於人品道德的修養，尤其不可忽視。過去人們常講的書如其人或者說畫如其人，即指一個畫家的人品和修養，常常自然流露於筆端。

清，王星在《東庄論畫》一書中說：「學畫者先貴立品」。清，沈宗春在《齊舟學畫編》中說：「筆格之高下，亦如人品」，「心畫形而人之邪正分焉」。都足以說明，書畫評論家，對畫家的藝術水平高低之外，還要全面的分析畫家人品道德，只有那品藝雙馨的畫家才值得人們學習和尊重。

七、學習中國畫要做到從「心」開始

要有熱愛之心。要學畫，就要首先熱愛繪畫，以此才能學好中國畫；

要有堅韌不拔之恆心。無論是什麼時間、無論是什麼條件都能堅持，無論是什麼困難都能堅持，雷打不動、持之以恆，堅持數年、數十年必有好處；

要有不恥下問的虛心。要潛心學習、虛心好學。向書本學、向實地學、向他人學。

要有不達目的不罷休的信心和雄心。

同時要去除私心、躁心和貪心，做到腦勤、耳勤、眼勤、手勤、腿勤，多實踐、多分析、多研究，就一定能夠不斷地取得進步。