單簧管教學漫談

　　單簧管是交響樂隊中不可缺少的木管樂器，它的音色明亮、宏厚、清新，又富有感情，在音樂作品中作曲家往往把優美的旋律和富有表情的部分獨奏交給單簧管來擔任，單簧管的音色特點非常突出，非常具有表現力，令人心悅怡然。

　　但將單簧管演奏好並非易事，除了要持之以恆地練習外還需要有一套行之有效的訓練方法。

　　一、節奏感的訓練

　　單簧管的初學者大多數在觸及音樂節奏方面不同程度地受到一些限制。眾所周知，中國音樂以自由抒情見長，受此影響大部分初學者在演奏中很難把握住一種自始至終的節奏。因此應引導他們從小就熟悉各種各樣的節奏性強的音樂。培養他們的節奏感。

　　節奏教學是一項十分困難的事，節奏感的培養也不是一蹴而就的，它需要長時期有意識無意識地去磨練，通過心靈去感受才會獲得。因此，學習者經常不間斷地聽各種音樂磁帶、唱片，甚至聽各種機械發出的很有規律性的聲響，都會從中受益匪淺。而進入專業學校學習器樂的同學利用有利條件去尋求節奏感好的鋼琴伴奏，經常與之合作更是獲得節奏感的有效途徑。

　　教學中，我發現有些學生為了強調節奏感，有意識地加重每小節強拍音的演奏，譬如在演奏莫扎特的A大調單簧管協奏曲這樣一首優美的樂曲時，在每個強拍位置都奏一個重音，聽起來節奏儘管十分鮮明，但其結果卻使人感到沮喪，它已不再給人以優美生動的感覺了，已喪失了原作品的意義。他們之所以將優美的旋律演奏的生硬且毫無生氣，主要是他們內心缺少一種自覺的節奏律動感，為了強求自己按照一種節奏演奏下去，不得不藉助人為的重音來加以完成節奏的進行。要解脫這種外來強制節奏的束縛，就必須多聽、多唱、多進行指揮圖式的感受。變外部強制性因素為自身主動性因素。

　　節奏是音樂的精髓，是音樂中最具有人之本能的東西。人們都說維也納人具有天生的節奏感，依我看這與他們從小就受到良好的音樂教育是分不開的，同時也是文化習慣所使然。對於我們的學習者就應該多聽各種節奏特徵明顯的音樂，養成某種習慣，那麼教師在教學過程中也就應該有意識地去強調節奏的重要性，對學生進行一絲不苟的節奏訓練。久而久之，良好的節奏感就會逐步建立起來。

　　二、音階練習的訓練

　　在每年的入學考試當中，我們都能見到許多同學可以像鸚鵡學舌一樣地去演奏幾首大型樂曲，若要問大小調是怎麼一回事時，他們會茫然不知所措，難以回答出來，但在他們演奏的樂曲之中，則不乏各種各樣的上下行音階和琶音的出現，這時你一定會感到，他的教師一定是一個缺乏耐心和堅強毅力的「匠人」，他們沒有去教孩子們怎樣去練習和掌握最基本的東西——音階。我認為當你教會一個學生知道單簧管的音色之後，那麼下面的一課就是要讓學生徹底明白各種大小調音階的組成，並且了如指掌地去熟悉它們，明白它們之間的相互關係。例如#g小調與bC大調為什麼會有和聲上的關係等等。目前我們使用的音階練習教材大部分是按照升降號的多少來排列的。這樣排列不便於讓學生在自己樂器上去掌握各調的進行。通常我的做法是讓學生從單簧管的最低音開始去認識他所接觸的第一條音階。這樣依次向上每個音都可以建立起一條音階系統。經過一段時間練習之後，學生掌握了樂器上各調的音階，每次上課讓他們從下至上或從上至下逐條來演奏，其效果非常之好。

　　許多學生把音階練習看作發展手指機能的一種「音樂體操」，這是有一定道理的。但音階練習的作用不僅僅在於此，更重要的是它可以訓練手指在運指之中能夠不知不覺地適應各種各樣的指法，為將來演奏樂曲奠定良好的基礎。音階練習可以使學生在後期學習上節省大量的時間，還可以鍛煉學習者的視奏能力。由於熟練掌握了各調音階的演奏，遇到指法比較複雜的情況，手指就會本能地選用最合適的指法來完成。我的體會是音階練得越多越好，尤其當學生開演奏會或考試之前去進行一整套音階練習，會對他的實際演奏起到良好的作用。

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　　三、對樂曲進行準確的演奏

　　什麼是準確的演奏?我認為就是在演奏當中嚴格遵照作曲家在樂譜中註明的標記(要求)去忠實地把它們表現出來。我經常發現有些學生在演奏中完全忽視了樂譜中的pp、p、mf、f等等標記，他們認為這些東西並不重要，我把這種演奏稱之為「傻吹」。

　　準確地演奏一首樂曲，不光是以上所談幾點，還涉及其他諸多方面，這裡僅就學生中容易出現的問題而言。如何掌握準確的演奏，這對於教師來講更為普遍的現象是學生中有許多人不知道如何去對待休止符。在他們看來休止符似乎是為了休息，那麼如果在演奏中不感到累或者不需要換氣，休止符就成為多餘的東西了。包括許多高年級的學生也都不能認識到「靜默」的藝術價值。其實在演奏中休止符往往能引起聽者更多的注意，這就如同美術中的「留白」，給人以思想上的準備，賦於人想像的翅膀，更可以產生顯著的戲劇性效果。

　　如果你匆匆地將他們去掉一部分，那美好的藝術意味也就隨之而失掉了。許多初學者，似乎沒有勇氣來保持住這兩拍無聲的音樂，他們覺得聽者對此不耐煩，認為應該緊接下去，以便音樂不會中斷。這樣的理解自然是大錯特錯了。因此教師除應該教學生如何正確地去演奏休止符以外，還更應該告訴他們「此處無聲勝有聲」的妙處所在，在練習中充分地調動他們心中的想像力，唯此，他們才能認識到樂曲中休止符的真實作用和價值。

　　準確的演奏還表現在能否以正確的速度來表現一首樂曲。許多學生在心理上缺乏對速度的確定性，如果讓他們去吹奏極為簡單的樂曲，則不會存在問題。如果演奏一首速度變化較多的音樂作品時，則不準確的問題就發生了。我經常聽到學生在演奏克拉瑪作曲的《bE大調單簧管協奏曲》中段的時候他們吹奏的平穩、流暢、詩情畫意，而到了將近結尾的炫耀部分一出現就越吹越快，直使聽者和吹者都預感到錯誤百出而透不過氣來。這樣的演奏是不會獲得藝術上的效果的，因為它缺乏基本速度的準確性和穩定感。對於這種學生，必須要讓他明白，需要一種意志的力量來控制自己進行慢練。對於一首樂曲，用中庸的速度比用極快的速度更難演奏。練習一首樂曲，宜用三種速度來練習和掌握——慢速、中速和樂曲本身要求的速度，超出要求的速度進行練習是徒勞的。那樣會使聽者感到不舒服，而且還會造成本身的手忙腳亂。使用節拍器是檢驗速度的最好辦法。每個學生都應該學會怎樣使用節拍器。

　　四、高技術訓練的重要性

　　在當今競爭激烈的國際音樂舞台上，器樂演奏的高技術及超高技術的運用佔據了相當重要的位置。看一看印象派作曲家之後的無論哪一位大師的傑作，都充滿了高技術的運用。翻開當今重大國際比賽的曲目單，我們就會發現往往高技術樂曲被安排在第一輪曲目之中，那麼就意味著如果選手的演奏技術達不到高超的程度，就沒有進行比賽的可能性。

　　要想掌握高技術演奏，每天堅持練習是必須的。專業學校的學生在初期的訓練之中，對技巧訓練要佔多半時間，這包括音階、琶音及四度以上的大跳練習。在練習當中要時刻注意手指與手臂的放鬆、肌肉僵硬是難以達到快速的演奏的。當然對於快速演奏也應該掌握練習的適度，教師應把握住火候，任其學生向「風馳電掣」般的速度發展是十分危險的。另外，練習上的多樣化也是達到高技術的重要步驟，老一套翻來複去地單調重複，是最壞的一種練習方法，既笨拙又無用。拿C大調音階為例，可以用許多方法來演奏，如用不同的節奏、不同的速度和不同的力度來演奏等等。總之，要發揮學生的主動性，開啟他們的想像力和創造力來學習，勿要使他們感到厭煩和枯燥。對於學生每出現的一個缺點，我們都要一絲不苟地耐心幫助他加以認識和改進，隨著不斷地學習與提高，相信他們能夠掌握好自己手中的樂器，在將來的工作崗位上，為社會主義音樂文化事業做出貢獻。