泰特現代美術館：光形物語 ·百年攝影與抽象藝術展

06-24

來自專欄攝影的慈悲

「光形物語：百年攝影與抽象藝術」是英國有史以來第一個探討攝影與抽象藝術兩者之間關係的展覽。展出了Alfred Stieglitz、Barbara Kasten、Man Ray、和Thomas Ruff等100多位藝術家的350多件作品，作品時間從1920年代跨越到本世紀。其中值得一提的是Antony Cairns，Maya Rochat和橫田大輔特別為本次展覽創作新的作品，展現當下攝影師的創新，並且以攝影的方式對對抽象藝術作出回應。

本次策展人是Tate Modern攝影策展部的扛把子，Simon Baker，關於他的傳奇故事值得單獨寫一篇文章來介紹。

（左）Wyndham lewis, Workshop 1914-1915, oil paint on canvas, 76.5*61(右）Alvin Langdon Coburn, Vortograph 1917, photograph, gelatin silver print on paper, 28.2*21.8

展覽以時間軸的方式展開，選取了抽象藝術與攝影發展歷程中12個地標性的時段，以此分割了12個空間。將照片與類似主題的繪畫並置一起，以此探索攝影與抽象藝術的關係。提醒下，觀眾在看展示應該以繪畫和雕塑對攝影的影響為側重點來閱讀，倘若顛倒順序，強調攝影作為一種美術的重要性，並且以攝影對畫家和雕塑家的影響的視角來觀看，那麼這場展覽無疑是失敗的。

PART 1 初生

法國學院派畫家Paul Delaroche（保羅·德拉羅什）第一次看到銀版照片時悲觀吶喊:「從今以後，繪畫已死」。自攝影術發明以來，攝影與繪畫就有著糾纏不清的關係，斬斷了藤條也連著根。德拉羅什的繪畫原本就以寫實為主，他對照片可以還原現實場景的能力震驚，望而生畏。與此同時就有人爭辯：攝影能夠詳細記錄事物，畫家應當尋求新的藝術表現形式，包括抽象。所以，攝影的"真實度"在一定程度上也衝擊了繪畫走向"抽象化"。

PART 2 模仿

現如今我們仍然傾向於繪畫比攝影更重要。所以當策展人把繪畫掛在照片旁邊時，就已經在向觀眾暗示模仿關係的存在。這個想法在展覽的第一個房間就展露無疑，1926年由Wassily Kandinsky繪製的抽象繪畫"Swinging"(擺動)與1937年Marta Hoepffner的照片"Homage to Kondinsky"（向康定斯基致敬）並列。這種直接影響的例子為整個節目設定了基調，鼓勵人們將後續的所有照片看作單色的等價畫作。

(左）Wassily Kandinsky, swinging 1926, oil paint on board,70.5*50.2(右）Marta Hoepffner, Homage to Kandinsky 1937, Photograph, gelatin silver print on paper 37.5*30

除了繪畫，雕塑與攝影對比的例子在第二個房間內可以找到。Edward Steichen（愛德華·斯泰肯）的攝影作品Bird in Space 與雕塑家Constantin Brancusi（康斯坦丁·布朗庫西）的青銅雕塑相鄰。都是策展人有意為之，處處暗示攝影對於抽象藝術的模仿行為。

(左) Edward Steichen, Bird in Space 1926, Photograph, gelatin silver print on paper. 25.3*20.2(右) Constantin Brancusi, Maiastra 1911. Bronze on limestone base. 90.5*17.1*17.8

(左)Jaroslav R?ssler，light well,prague portfolio4 1923-1924, gelatin silver print on paper,23.7*23.(右)Joan Miro, Painting 1927, Tempera and oil paint on canvas. 97.2*130.2

渦旋主義，極簡主義，立體主義，超現實主義等繪畫和攝影作品都可以在展覽中看到，並且可以在現場做出對比。

PART 3 競爭

由於20世紀城市化現象，城市景觀為像Paul Strand這樣的攝影師提供了極簡主義的豐富源泉，陽光照射在這些城市結構中的奇特陰影令照片的內容變得豐富多彩，比如Edward Ruscha的一系列停車場照片都是從飛機上空拍攝的。這些古怪重複的線條和網格，所有模式殘酷地雕刻在地球上。

Edward Ruscha, 『Century City, 1800 Avenue of the Stars』, 1967.

如果他們將卡西米爾·馬列維奇的Suprematist作品與空中拍攝的風景相提並論，那麼它就會展現出雙向交流的想法。

Imogen Cunningham, Triangles 1928,printed 1947-1960. gelatin silver print on paper.11.9*9.3 (靈魂畫手嶽嶽為了防止被舉報色情，手繪版又來了。)

在抽象藝術里，個人十分偏愛人體部分。也許這是這些喚起的有趣的感性，或者是對任何人類形式的檢驗都會自動存在的情感依戀。 比如Imogen Cunningham的三角形（Triangles），利用女性身體的乳房和乳頭創造出所需的線條和角度。同樣，André Kertész照片中模糊和拉伸的身體，讓我有機會可以窺探自己身體中的抽象。

除非攝影有區別於其他藝術形式的表達，

否則他只能是附屬品。

Alfred Stieglitz

PART 4 獨立

現代攝影之父阿爾弗雷德最早意識到攝影與繪畫是不同的東西，它有屬於它本質的東西，就是直接從現實中記錄事物。因此阿爾弗雷德希望攝影能回歸到它的本原。他希望「讓攝影看起來像攝影」。在他的努力下，攝影走向純粹化，並獨立於繪畫之外，並最終確立了自己獨立的藝術地位。1951年MoMA(The museum of Modern Art)在紐約曾經舉辦過兩場展覽探討攝影與抽象藝術的展覽，Tater Modern 這次甚至做了一個還原，把當時展覽的場景和照片拿來作比對，讓人思考：「在過去人們是如何看待攝影與抽象藝術」，「當下攝影與抽象藝術又是怎麼樣的一種關「。

泰特也不遺餘力地展示一些非常罕見的作品，例如近六十年來首次展出曼雷（Man Ray）的這七幅作品。這是他嘗試用一根繩子拴住照相機，讓其在自己的工作室四周搖擺，並隨時隨地處理所產生的圖像。正如你所期望的那樣，它們是一種光和形式的模糊，它們展示了在抽象藝術的鬥爭越來越激烈。要消除所有人類在進行創造是的主觀意識和潛意識。

Daisuke Yokota, Untitled, from Abstracts series 2014, Courtesy of the artist and Jean-Kenta Gauthier Gallery ? Daisuke Yokota

20世紀70年開始藝術開始向多媒體領域轉移，並且繼續蓬勃發展，以至於許多藝術學校放棄了傳統攝影而轉向多媒體創作。但是這場演出中幾乎沒有這種相互影響的氣味，仍然鼓勵人們將攝影，繪畫和雕塑視為不同的學科。

展覽結束於當代藝術家Maya Rochat 的作品，真的是個驚喜。因為前面11個房間太多黑白，整面強都是色彩，彷彿進入夢幻空間，要說形容就像彩色魚缸那個搖曳。

總結

無論是探索抽象的物理（如人體，風景和城市風景），還是在技術領域，技術的發展使得更多的當代藝術家可以將其作為思想的源泉，與著名的抽象繪畫和雕塑一起，展示了攝影如何平行工作，有時與更廣泛的抽象運動。你會知道的繪畫 - 米羅，萊利，布拉克，蒙德里安，波洛克，康定斯基 - 但令人著迷的是，這些作品根本不會分散或掩蓋攝影作品的奇妙之處。這場展覽對於攝影師如何將這一類型的探索推向藝術形式而不僅僅是一部社會紀錄片或新聞報道產品進行了批判性研究。

展覽本身也有缺陷存在，比如Edward Ruscha的停車場系列，對他周圍的世界進行了強烈的目錄;從上面看，標誌不同海灣的鯡魚骨圖案在柏油馬路上創造出精緻的痕迹，但是策展人配上卡爾安德烈的地板雕塑，這種鏈接除了形成網格外幾乎沒有任何意義。為什麼不展示Ruscha的建築物和標誌的簡單畫作，或者通過包括Richard Long和Hamish Fulton等雕塑家的作品在攝影和雕塑之間建立起智能對話？還有很多不足比如玻璃框上的安裝時沒擦乾淨的手指痕，光線對原作的不可逆破壞。但是公眾號的「藝術總監」吐槽我一直寫太多，簡直要寫成論文了，要我刪減到2500才可以。

看完展覽從圖像的行和列中學到的唯一東西最大的感觸就是：世界不同地區的許多人都在拍相似鏡頭：地毯線和乙烯樹脂凹槽，木頭，紙張或管道，扭曲和抽象的裸體，破碎的牆壁和剝落的油漆或光線和黑暗的圖案，都在被發現和被創造。

REF:

Image credit:

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/shape-light

http://weixin.qq.com/r/xyg3LzfEVmoprXNM933V (二維碼自動識別)