舞台攝影的技巧（一）

舞台攝影，一個字，難，尤其是對一台家用數碼相機來說。不過現在家用數碼的功能也都已很齊全，大多多數都有多種模式可選，因此，把握住一些基本的攝影技巧，說不準，快門一閃，也能出張與單反有的一拼的好片，好了，那就參考一下以下的幾點吧。

1，選取拍攝位置和視角。這個等於沒說，因為有人建議找偏一點的位置拍出來的效果好，也有人說第一排正中間的位置最好，並且都說得各有道理。我說還是見機行事，看你的位置而定了，能滿場跑最好了，固定了位置沒法動，也只能聽天由命了。

2，閃光燈，最好不要藉助閃光燈進行曝光，閃光燈的光線很容易沖淡了舞台特有的燈光和色彩效果。不過如果只是拍幾張人像留個紀念而不在乎舞台效果，那就不管它了，只要現場允許，就讓閃光來得猛烈些吧，一般舞台光線較暗，藉助閃光燈會更清晰。

3，快門速度往往要控制在1／60秒上下，這種速度可以既有清晰的主體形象，又使畫面具有流動感。當然，這要和你特定光圈值一起來考慮。

4，光圈要盡量放大

採用放大光圈的方法來控制景深，就可以將背景虛化，使主次分明，得到較好的效果。但光圈設得過大，可能會欠曝，因此需要藉助改變快門速度進行組合。一般情況下還是：光圈能開多大就開多大吧。或許直接用光圈優先模式將光圈調到最大後試拍幾張，參考拍攝的效果確定快門速度。

5，白平衡方面使用自動白平衡，以更好地保持現場的光線效果。

6，如果有連拍功能，就使用連拍來彌補快門延遲的缺陷吧。

7，使用高感光度？這個還還不太確定，能高最好了，不過也要考慮你對自己相機高感光度作品的容忍程度了。與高感光度相伴的往往是嚴重的噪點和惱人的紫邊。

8，最後，腳架問題，由以上也可以看出相機的穩定性在舞台攝影中是相當關鍵的，能用腳架就用，不過扛著個三腳架也太不方便了，有人建議用獨腳架，可惜，俺還沒用過獨腳架，大不了在座位的靠背上靠一靠吧。

總之，舞台攝影，我想難就難在一個「光」，一個「動」上，光線明暗不定，人物也基本處於活動之中，這給構圖和抓拍增加了些難度，所以如果能提前了解一下劇情做到心裡有數最好了。不過又不是被請去做專業拍攝的...

數碼相機攝影技巧：舞台攝影四大要領

舞台攝影四大要領

舞台攝影早已為人們所熟悉。從表面上看，舞台攝影與其他攝影門類(如人像攝影、風光攝影等)相比，基本的拍攝要求和藝術處理手法似乎沒有什麼不同，但仔細分析起來還是不大一樣的。主要區別在於，拍攝舞台照片往往要憑感覺和經驗在極短的時間內完成構圖，並迅速按下快門。這就要求拍攝者具備過硬的拍攝技術和藝術處理功底。　

然而，舞台攝影創作也是有規律可循的。尤其在技術方面，有些方法可以成為要領，使初學者少走彎路。綜合起來，有四個方面。　　

一、拍攝位置和視角的選擇

到劇場或廣場拍舞台照，首先要選好拍攝位置和視角。一般來講，找偏一點的位置拍出來的效果好，且不會妨礙觀眾。視角的高低也很重要，視角太高，拍出來的人物會變形；視角低了看不見人物的腳(拍局部或特寫另當別論)，以能看到舞台的檯面為好。初學者往往喜歡找劇場正中的位置來拍攝，以為這樣可以拍到人物的正面和完整的舞台場面。結果，拍出來的人物肢體造型呆板，燈光造型平淡，畫面效果會流於一般。這是因為，通常舞檯燈光的布局是正面光較強，這種正面光會減弱人物的素描關係，人物造型的空間感和層次感會被淡化，光影效果也平淡。而選擇偏一點的角度來拍攝，人物有正面光、側面光和逆光的組合，再加上各種不同色彩光源的豐富，畫面的層次感和光影效果自然都會體現出來，尤其是空間的流動感會增強。　　

二、要盡量穩定相機　

要拍好舞台照，相機的穩定性很重要。通常拍舞台照，快門速度往往要控制在1／60秒上下，這樣做是為了讓該動的動起來、該靜的靜下去，使拍出來的照片既有清晰的主體形象，又使畫面具有流動感。而要達到這些目的，l／60秒上下(尤其是1／60秒以下)的快門速度，相機的穩定性顯然不能忽視。另外一個因素，因為要達到使畫面具有虛實變化的效果，往往要將光圈盡量放大，這樣做會導致景深縮短，相機稍有晃動，畫面的清晰度會受到影響。因此，藉助三腳架或獨腳架來增加相機的穩定性就顯得相當關鍵。　　

三、不要藉助閃光燈進行曝光　

舞台攝影從過去單純的記錄型逐步發展到現在的創作型，這個變化也就是舞台攝影從實用性轉向藝術性的過程。藉助閃光燈進行拍攝，無非是想將畫面拍得更清楚。而這樣做的後果是，閃光燈的光線沖淡了舞台特有的燈光和色彩效果，甚至會使舞台效果完全失去。而這些效果恰恰是舞台照片的精華所在。因此，嚴格地講，拍攝舞台照是不宜使用閃光燈的。當然，有的時候因舞台光線太弱，或僅僅為了拍劇照留念，也可使用閃光燈，但拍出的照片肯定會失去舞台效果。　　

四、設定恰當的光圈很重要　

光圈作為控制景深的一種手段，在舞台攝影中也頗有學問。運用得恰當，拍出來的照片會有較好的效果。在現場拍攝中，相機與舞台有一定的距離，再加上舞台本身有一個深度，兩者加起來一般都在10米以上。如果不採用大光圈，拍出來的畫面就會前後一覽無餘，缺乏主次感，更談不上虛實變化。尤其在非劇場(如體育場館、廣場等)拍舞台照，大多背景(天幕)較簡易，若將背景清晰地攝入畫面，勢必會影響到照片的整體效果。而採用放大光圈的方法來控制景深，就可以將背景虛化。虛化後的背景更加突出了前面的主體，而背景虛化後朦朧的效果更有一種形式上的美感。即便在正式的劇場拍舞台照，光圈的恰當運用也很重要。因為快門速度控制在1／60秒左右的情況下，光圈要隨著舞台光線的強弱變化而進行調節，這種調節既要適應因舞台上人物運動的速度而確定的快門速度，又要顧及因光圈的大小而產生的不同景深效果。光圈設得過大，可能會欠曝；光圈過小，又可使景深有效範圍太長，虛化不了背景。拍舞台照需開大光圈，這已是共識。但到底該開多大的光圈才合適，應根據實際拍攝需要而定，是看拍攝者需要達到什麼樣的畫面效果而確定光圈該開多大並設定相應的快門速度的，光圈的大小會直接影響到畫面的效果。　　

以上四個方面，是舞台攝影中必然會碰到的技術要領性問題。這些技術要領可以使初學者少走彎路，為今後進行舞台攝影創作打下技術方面的基礎。

捕捉動人舞姿業餘數碼相機舞台拍攝技巧

舞台拍攝往往是專業級相機的統治領域，無論是膠片相機還是數碼相機方面，一般在進行舞台拍攝的時候優先選擇專業級單反相機。畢竟，單反相機的對焦速度、高感光度細膩表現力、快門延遲、大光圈鏡頭的進光量等都是消費級數碼相機可望不可及的。所以我們在論壇上詢問消費類機的舞台拍攝技巧時，得到的回答往往可以總結為一個字「難」！

　　不過，大多數的攝影愛好者所持的相機都是消費級，而舞台拍攝也是這個群體經常遇到的拍攝場景之一，記錄下舞台上精彩的每一個瞬間也是我們手持消費級數碼相機的攝影愛好者的願望之一。難道舞台攝影真的是消費級數碼相機的禁區？消費級數碼相機真的是沒有可能拍好舞台攝影？

相對於單反數碼相機而言，消費級數碼相機的劣勢在於: 1、對焦速度慢； 2、高感光度的細膩表現力不夠，在高iso下畫面粗糙； 3、快門延遲太慢； 4、光圈不夠大，影響進光量。這些相對於消費級數碼相機來說可以認為是「硬傷」的了，所以不要指望能從相機本身的質量上面來改善，只能通過一些技巧來降低這些劣勢。

　　1、器材的選擇：在消費級數碼相機裡面還是有很多不錯的型號的，各大廠家的旗艦級消費機都會有不錯的表現，在拍攝舞台的時候舞台光線往往偏暗，這時對相機鏡頭的進光量要求就比較高了，所以就要盡量選擇一些擁有大光圈鏡頭的數碼相機，比如奧林巴斯的c5060、索尼的f717、f828等。另外由於拍攝舞台的時候距離拍攝主體比較遠，有時候需要拍攝演員的面部表情、動作特點等特寫，普通的3倍光學數碼相機就顯得鞭長莫及了，目前很多相機都配置了5倍、8倍甚至10倍、12倍的長焦鏡頭，短至5倍光學變焦的索尼f717，長至12倍光學的松下fz10，都在中長焦相機的範圍之內。

　　有些長焦相機甚至配置了防抖功能，比如佳能s1、松下fz10等都具有is或者ois防抖功能，還有柯尼卡.美能達a1、a2的as防抖功能，在防止拍攝手持振動方面有很好的效果，但是打開防抖功能之後會降低相機的快門速度，在昏暗的舞台環境之下相機的快門本來就不夠高，但打開防抖功能之後恐怕會使不斷運動的舞台主體更加模糊。

　　相對於專業單反相機而言，使用消費級數碼相機進行舞台拍攝難度很大，但是也是不是沒有可能拍好。由於舞台的光線往往較暗，所以在輔助器材方面，很多人考慮使用閃光燈。不過在舞台拍攝的時候使用閃光燈是一個有爭議的問題，首先使用閃光燈的時候會影響現場氣氛，在一些比較正式的演出當中甚至可能被驅逐出場。另外，若用閃光燈進行拍攝，會使舞台前面的演員顯得亮，背景暗，表現不出背景的特點；而且，用閃光燈拍攝，演員呈現順光照明效果，形象顯得平淡而無立體感。所以，在演出進行過程中拍攝舞台照片，應該利用舞台上原有的照明燈光。這樣，如何掌喔正確的曝光，就需要有一定的經驗和前期準備工作。

　　增距鏡可以拍攝更近距離的畫面，廣角鏡可以獲得大場面大衝擊力效果，這兩者在拍攝一些特殊效果的時候可以考慮使用，不過使用增距鏡之後會減小相機鏡頭光圈，影響進光量從而降低快門速度，這是一個必須注意的問題。三腳架由於可以使相機更加平穩而被一些攝影者在舞台拍攝的時候大量使用，但是由於三腳架改變位置的不便性又局限了構圖的靈活性，所以如果一定要保證相機的穩定性的話，筆者建議使用獨腳架代替三腳架，這樣即可以使相機在拍攝過程中更加平穩的同時又不會對移動靈活性產生很大的影響，另外不會佔據太大的空間。

2、前期準備：一般來說，在正式拍攝之前必須確定好三方面的問題：主要解決三方面的問題：

　　一、要把自己想拍攝的節目、想拍攝的某位演員或者某個重要場景確定下來，這樣拍攝才有目的性。

　　二、預先選擇好拍攝的位置，一般來說最佳的拍攝位置在第四排左右，這樣的距離不會因為距離太近角度太仰，又不至於距離太遠而拍不清楚演員。

　　三、調整好相機的參數：一般來說必須調整好相機的白平衡、掌握相機的安全快門、以及手動對焦時的大概對焦距離等參數。這是筆者使用索尼f707數碼相機對舞台演員進行半身拍攝的，在拍攝的時候距離主體大概15米，使用了外接增距鏡頭。當時相機的感光度使用了最高的iso400，加上最長焦段的f2.4大光圈，所以快門可以達到1/80秒，可以比較好地凝固演員的動作。但是由於增距鏡的使用，畫面的下部出現了色散現象，影響畫面質量。高感光度可以提高快門速度，更好地凝固演員的動作，但是同時也使畫面的躁點更加明顯。測光方面對準演員主體使用了中央重點測光，所以拍攝主體的曝光正常，背景為黑色更能襯托出主體，使主體更加突出。白平衡方面使用了自動白平衡，以更好地保持現場的光線效果。

　　相對於單反相機而言，使用消費級數碼相機來進行舞台拍攝確實是比較難，但是也不是沒有可能。我們必須承認消費級數碼相機存在很多不利於舞台拍攝的缺陷，只能通過一些技巧或者某些手段來盡量降低這些缺陷對拍攝的影響，但是並不能完全消除這些缺陷，所以我們就必須在技術上多下功夫，多參加舞台拍攝來積累更多的經驗。關於消費級數碼相機的舞台拍攝心得總結如下： 1、佔據有利拍攝位置，一般以第四排為宜。 2、使用手動對焦，以降低消費級數碼相機對焦慢對拍攝的影響。 3、使用大光圈以提高進光量。 4、使用連拍來彌補快門延遲的缺陷。 5、使用高感光度。 6、儘可能使用高快門。 7、學會使用鎖定曝光功能以節省測光時間。 8、可以使用獨腳架來穩定相機。

舞台攝影技巧 拍攝舞台演出，是大家所喜愛的攝影活動。演員們動人的表演，舞台上美妙的場景，劇作中典型的情節，常使攝影者受到深深的感染。在觀看演出的同時，用相機把它們拍攝下來，是一種很好的藝術享受。　　舞台攝影的方法總的說來有兩種：一種是在演出過程中抓拍，一種是在非演出的時候專門組織拍攝。對於攝影者來說，在這兩種方法中，有需要解決的共同性的問題，也有根據不同的拍攝方法應掌握的獨特技巧。下面加以概略地介紹。　　預先了解劇情：　不論是演出中抓拍或專門的組織拍攝，對於舞台攝影來說，預先了解劇情都是必不可少的重要環節。攝影者要在正式拍攝之前，利用一切可以達到的途徑，預先對劇情進行了解和研究，掌握情節的發展，找出應當重點拍攝的場景，為實拍做好必要的準備。　　攝影者對劇情的了解，只掌握劇情發展的情節是遠遠不夠的，還必需在視覺上有形象的了解，即攝影者的腦子裡要有非常具體的畫面，不僅僅劇情內容發展到何時拍攝，而且主要演員的位置、具體動作，都要儘可能在事先做到心中有數，拍攝時才能從容不迫，掌握好適當的瞬間。所以，攝影者應當盡量爭取多看幾次演出。如無這種條件，或者多看看排練，尤其是綵排。通過預先的了解，主要解決三方面的問題：１、卻確定拍哪些場面，在什麼瞬間拍。２、預先選好拍攝角度，在所要求的瞬間出現之前，你可以站在理想的位置等待它的到來。假如在演出過程中臨時尋找拍攝角度，就一定來不及。當然，如果劇場內不允許你來回走動，則只能在固定的位置拍攝。３、通過觀看演出或綵排，事先了解拍攝技術上的問題，做好準備。如舞台上的照明情況如何，演員動作速度的快慢，應該選用多長焦距的鏡頭等等。　 選用的器材： １、照相機　　如果在劇場內你可以自由行動，拍攝舞台演出最常用的是標準鏡頭和中長焦距鏡頭。可以主要依靠標準鏡頭拍攝有情節的全景或中景場面，而用中長焦距鏡頭為輔，拍攝演員的單人舞蹈、獨唱、獨奏或者近景等。假若使用３５毫米小型照相機，一般說來在離台口１０米左右的位置上，用焦距為１３５毫米的鏡頭，能把單人表演拍滿畫面。但是，如果演員的表演動作大時，要用８０毫米或５０毫米的鏡頭拍攝，以免動作出畫面。定焦鏡頭雖然不如變焦鏡頭使用方便，單定焦鏡頭的有效孔徑較大，對舞台攝影也有有利的方面。廣角鏡頭在舞台攝影中一般說來用處不大。因為，假若用廣角鏡頭拍攝，往往在畫面里包括的邊幕太多，構圖不夠簡練。如果需要拍攝較大的演出場面，可以用標準鏡頭退後一點拍攝。 ２、膠片　　舞台演出的照明燈光較弱，當用色光照明時，它的亮度更低。毫無疑問，適合選用感光度高的快片，如ＩＳＯ４００的膠片。尤其在手持照相機拍攝或用長焦距鏡頭、變焦鏡頭拍攝時，為了保持影像的清晰度，不能使用太慢的快門速度，在這種情況下，使用比ＩＳＯ４００更高的快片也是必要的。但是，如果沒有快片，普通的ＩＳＯ１００中速膠片也可以使用。在照明情況良好的劇場里，用中速膠片，１／６０秒，f／２.８拍攝，底片上也可以有足夠的密度。舞台的照明燈多是鎢絲燈光，倘若拍攝彩色片，宜選用燈光型的。 ３、三腳架　　拍攝舞台演出，常常會用到三腳架，但是有些劇場不允許使用三腳架。所以，最好攜帶一隻輕便的獨腳架，給你的拍攝帶來幫助。 ４、測光表　　劇場的演出很少有適合使用一般的測光表進行平均測量的均勻照明。劇場的照明一般是有的區域很亮，而其它區域則很暗。在這種情況下，若使用一般的測光表進行測光，不論是相機"內裝式"的還是手持的"分離式"的測光表，都很難得到準確的測光結果，因為這類測光表的"受角"太寬，會測量到周圍一些很暗的區域，導致演員暴光過度。 為克服這一不足，有以下辦法 １、使用１度測光表。這種測光表的受角極窄，儘管從遠距離上測光，也能準確地計量出個別演員面部的亮度，可以獲得十分準確的暴光。 ２、使用窄角附件。有的測光表有５度及１０度的測光附件，如果攝影師距離演員不太遠，使用這種窄角附件可以獲得精確的暴光讀數。不過，必須準確地僅僅計量明亮的部位，不要包括暗影。 ３、使用長焦距鏡頭。當你沒有１度測光表與窄角附件時，也可以使用照相機的"內裝式"測光系統測光，不過，要使用一隻長焦距鏡頭。可以預先用長焦距鏡頭測光，根據測得的讀數確定暴光，然後換上焦距適當的鏡頭拍攝。每當舞台上的亮度發生變化時，便換上長焦距鏡頭測光。 ４、使用入射光測光表。使用手持的分離式測光表對舞台測光，測量投射光是一個好辦法（當然，你的測光表要有測入射光的性能）。當你獲得允許之後，你可以站在舞台上，用入射光測光表對準照明舞台的燈光進行測光。要分別測量舞台中心部位、舞台四角、靠近邊幕的部位、靠近舞台縱深的部位的照度，推算出暴光組合，記在心中，作為實際暴光的參考。當舞台的亮度有變化時，再做適當的調整。 正式演出的燈光都會很注意造型和氣氛，所以不用太多考慮光線，用平均測光足矣。膠捲方面推薦用400或者80 0的，因為你有個F2.8光圈的鏡頭，告訴膠捲可以讓你有夠快的快門速度（可能是1/125秒）去凝固動作，也可以讓你有足夠的景深包括前後所有的演員。不推薦使用閃燈，一來破壞現場燈光營造的氣氛，二來影響演員表演。先看一遍綵排是很重要的，可以讓你先了解那些地方將會出現"高潮"，比如亮相、定格，或者騰空。獨角架比三腳架方便。雜談數碼相機拍舞台 舞台攝影屬於動態攝影，易學難精，是對攝影者綜合能力的考驗。攝影者不但要有熟練的技術和敏捷的反應，同時攝影者的經驗和音樂美學修養也影響到拍攝結果。本人喜好舞台攝影多年，而一年多前購入佳能10D單反數碼相機後，深感數碼相機用於舞台攝影具有諸多優勢，下面體會和諸位發燒友交流探討：現場演出的拍攝以單反數碼相機為主，傻瓜數碼相機由於鏡頭焦距範圍，對焦速度，快門時滯和存儲速度的原因，不太適合舞台攝影，不過最近出現的一些新款大口徑長焦傻瓜數碼相機如松下FZ-20和美能達Z3等，從指標上看已經非常適合拍攝舞台照片，況且還有實用的防抖功能，不過本人尚未使用過。 舞台攝影主體移動快，光線多變，自動化程度高的相機更利於抓拍，因而自動對焦和自動曝光的相機是舞台攝影的基本要求，好在數碼時代這兩個功能已屬「廢話」。鏡頭以70-200mm為主（以35mm相機標準），有必要使用遮光罩以降低雜光的影響。定焦鏡頭具有超大光圈，對舞台攝影的光亮具有很大的適應性。而變焦鏡頭構圖靈活，能夠拍出視角豐富的畫面，但業餘變焦鏡頭光圈較小，很多場景會得不到理想的快門速度，因而我認為大光圈變焦鏡頭為首選，如用小光圈變焦鏡頭不得已必須配合高感光度，但高感光度下存在噪音問題，導致圖像質量劣化。感光度看舞台的照度情況，一般在ISO200至800間，ISO1600和ISO3200下圖像劣化嚴重，基本沒有實用價值，在允許的快門速度下應盡量使用低感光度。本人使用數碼相機後，拍攝中途調整感光度是家常便飯。白平衡一般使用自動檔，因為舞檯燈光的色彩十分多變，拍攝中頻繁調整是不可能的，更重要的是為了保留舞檯燈光的特有氣氛。三角架穩定性好，但靈活性差於獨腳架，而手持拍攝不可取，就算你有很好的穩定性和耐力，一場演出一兩個小時下來也太自虐了。 使用數碼相機前，我最早使用的相機是佳能EOS 5，後來升級到EOS3，自動對焦速度和曝光精度均令人滿意，鏡頭本人最早使用EF85mm f/1.8鏡頭，後來換成「小白」EF70-200mm f/2.8 L。用85mm頭時，使用曼富圖三角架加141RC雲台，將取景框底線對於舞台底線並固定住，用水平方向的把手調節構圖。而換用變焦鏡頭後則換用獨腳架，由於鏡身上帶有三角架接座，不用雲台直接將鏡頭直接裝於獨腳架上仍能快速地切換到豎構圖狀態，穩定性遠比使用雲台更好。以前使用反轉片，開始使用柯達E200並經常作ISO400甚至ISO800拍攝，但本地反轉片沖洗迫沖非常麻煩切質量得不到保證，後來出了富士PROVIA 400F，質量非常理想，缺點是價格太高，按快門時心理負擔很大！使用數碼相機後，這一點上得到徹底解放！不但不用為沖洗所煩惱，而且拍攝成本從每場演出200元（以僅三卷富士400F計，碰上精彩的演出三卷實在太摳了，簡直是折磨！）降為零，感光度還能隨時調整。唯一不滿的是存儲卡的速度有時侯跟不上拍攝，特別是舞蹈者轉圈和連續變換造型時，最近打算再破費將我的普通CF卡升級到高速卡。 舞台攝影強烈反對使用閃光燈，一則照度有限，還造成前亮後暗，二則掩蓋舞檯燈光的固有氣氛，更則影響舞蹈者影響觀眾，引起公憤！相對於其它攝影題材，正確曝光是舞台攝影的一個難點。舞檯燈光的變化不僅在整體亮度的變化，更在於光線方向及各部分光比的變化。用點測光模式理論上可以得到最精確的結果，但要在舞蹈者或模特身上找到「中性灰」並緊追不放談何容易，更重要的是若主體在順光和逆光間不斷切換，仍須對點測光結果做出大幅度補償。我偏愛使用偏重中央平均測光，並根據實際情況作曝光補償。補償量須考慮主體色彩，背景與主體的光比及在畫面中的大小比例，光源方向及舞台氣氛等。使用佳能相機（傳統和數碼相機均如此）可以眼睛不離開取景器而快速調節曝光補償，而測光模式的切換則麻煩一些，這也是我一直使用偏重中央平均測光的原因。說得那麼懸乎其實自動曝光結果大部分時候是準確的，何況數碼相機可以立即回放，如曝光有整體偏差可以做出相應的調整。一般較大幅度偏差出現的情況有：舞蹈主角身著全黑或者全白衣服，燈光打在主角身上而背景很黑時造成光比巨大時，光照方向為逆光或全測光時等。 舞台攝影的最佳位置無疑是第一排正中，既可以用長焦拍攝舞蹈者的特寫，也可以用中焦拍攝數人的造型及廣角拍攝整個舞台布景，更可以避免前面觀眾的阻擋。但也要看具體情況，如電視台的攝像機經常會架於舞台前樂池的中央，舞台前部的腳燈也會干擾畫面，這時座位稍偏一些則可以避開。一些非專業的劇院會因舞台較高而發生「切腳」現象，這時稍後的座位會好一些。不過有時侯從樓上居高臨下拍攝，可以拍攝到舞台整體和群舞整體造型。 節目開始前購買一份節目單能了解一些有用的信息，以對舞蹈內容過程基本有數，併合理安排存儲卡的使用。而對於有名的舞劇，如《天鵝湖》等芭蕾舞劇，完全可以做更充分的準備，熟悉劇情和音樂。合著舞蹈音樂變換取景，按動快門，那種感覺實在是妙不可言。 以下照片均使用佳能10D相機，EF70-200mm f/2.8L鏡頭，10D自動曝光整體有過曝現象（可能是我相機的個體現象），一般拍攝時就須做-0.5EV至-1.0EV的補償。

不過，在網上看到過很多越友上傳的劇照（這些劇照在很大程度上彌補了我不能親觀現場的遺憾）也曾在帖子里讀到過一些朋友拍劇照的經歷，便覺得很有必要來寫一篇關於舞台攝影技巧的文章來與大家交流。只不過，到目前為止我都還是紙上談兵，所以，歡迎有實踐經驗的朋友來談談你在拍劇照時的心得體會。

一，舞台攝影中常見的問題：

1，舞台攝影所用的相機及配件？

一般用三五相機

鏡頭：一般用80到100mm的鏡頭；拍人物特寫時用200mm的鏡頭；拍大場景時需要用廣角24mm或28mm的鏡頭。

配件：一個三角架（以防止由於手端相機造成的焦點不實）

2，舞台攝影是否需要用閃光燈？

在百分之八十的情況下不需要用閃光燈。這是因為，舞檯燈光設計師已經把舞檯燈光設計好了，自己打閃光燈的效果並不好。

3，舞台攝影用何種膠捲？

我們平常所用的感光度為100的膠捲是不適合拍劇照的。應該用感光度為400或800的膠捲（一般多用感光度為400的膠捲）。這是因為感光度為400或800的膠捲在沖洗時可以迫沖。

值得一提的是，用反轉片拍攝劇照的效果會更好。反轉片能夠達到很高的色飽和度，拍出來的照片色彩足、顆粒細膩，即使擴充到真人大小也不會失真。但是這種膠捲成本的很高。

4，沖洗

很多朋友也許都有過這樣的經歷：本來拍的時候感覺還行，可是劇照一洗出來，卻發現效果很不理想。問題多半出在洗相這個環節上。

劇照的沖洗需要一種特殊的方式??迫沖。

迫沖，即加時沖。一般要加時沖30秒到一分鐘左右。在擴印部沖洗劇照的時候，事先跟沖印人員說明，要求迫沖，（每張照片要加一元錢的迫沖費）。迫沖的作用是使曝光正常。

5，曝光（即快門速度）

用感光度為400的膠捲進行舞台拍攝時，快門一般調節在1/60到1/125秒之間。

至於究竟應選擇多快的快門速度，取決於現場的光線強度以及拍攝者想達到的效果。如果現場光線弱，或者你想要得到一種動感、朦朧的效果，則選用慢速（接近1/60秒）；如果現場光線強，或是你想要清晰的效果，則用快速（接近1/125秒）

6，光圈大小

光圈開到4，如果你的相機足夠好，能夠開到2.8的話，就開到2.8。總之，光圈開到最大。

二，最佳拍攝位置：

1，首選右側：

當你正對舞台時，演員一般從左側上場，站在右側能清楚的看到演員上場的情況。舞台的兩側都有三道深色的邊幕，演員剛出場時背景便是邊幕，這是拍攝的最好時機。

2，靠左也可以：

因為，戲曲舞台的舞台動作（如空翻、下腰等）一般都是在舞台的左側做。

3，在正中間拍中場：

大的劇院一般分為兩層，樓上前排的正中間是拍大場景的最好位置。一般，在演出快要結束的時候有大場景（西廂、陸遊、寒情都是如此吧）此時可選擇樓上前排中間的位置。

三，拍好劇照的條件：

1，了解劇情：

戲曲愛好者對於自己喜愛的作品一般都會看很多遍。而作為攝影師，更是要對舞台音樂、劇情有相當的了解，要了解演員的每一個動作，了解什麼時候音樂會達到高潮，而一般情況下，當音樂達到高潮的時候，舞台上便會有很好的舞台造型。

2，最好能夠去看綵排：

因為綵排時可以比較自由的選擇拍攝位置、拍攝角度、拍攝距離。如果是比較正式的綵排，演員會穿上正式演出的服裝，此時是比正式演出時更佳的拍攝時機，你甚至可以站在舞台上來拍。

3，要抓住演員「最美的瞬間」：

要抓拍演員最好的神態。通常意義上說，最好的神態不是演員嘴張得很大的時候。

四，拍攝謝幕：

雖然在文章的開頭，我提到了，舞台攝影不宜用閃光燈。但是在拍攝謝幕時，可以用閃光燈。因為拍大家獻花、簽名的時候就以拍人並且能夠拍清楚為主要目的了。

五，照片的二次裁剪：

洗出來的劇照，還不能稱為一張完整的作品，要經過二次裁剪，剪去多餘的部分。不僅要根據攝影者的個人意見，也要根據大家的意見對劇照進行裁剪。因為照片不僅是給自己看的，也是給其他欣賞過或是沒欣賞過此劇的朋友看的。

六，其它：

1，越劇的舞檯燈光與京劇不同，京劇的舞檯燈光是以白色為主的，而越劇的舞檯燈光帶顏色的較多。

2，拍出的劇照一般都會偏紅。這是因為，舞檯燈都是3200k的色溫，色溫偏暖。如果不想拍出來的照片偏紅，就要加雷登80的濾色鏡（一種升色溫的濾色鏡，鏡片為藍色）但是，使用此種濾色鏡時，要加1到2檔的曝光量，比較麻煩，所以一般不用。

3，拍攝時首選自動調焦相機。舞台演出是動態的，演員的某一個站位及舞台動作都是瞬間的。手動調焦跟不上追拍的要求。

4，關於使用數碼相機：數碼相機對於過強或過弱的光不敏感，而且它拍出來的圖像精度不及相片（一般的數碼相機是200萬像素；照片是600萬像素），放大後會失真，所以如果需要拍大幅的劇照，最好不要選擇數碼相機。

後續：

以上是我的「舞台攝影」課堂筆記的整理。兩個月前就寫好了，一直也沒有機會打出來。再不發出來，我只怕自己也要對其中的「術語」迷惑不解了。：）很久不上網了，昨天在「美麗」看到香子姐姐拍的孔乙己的劇照，還有葉子姐姐貼的寒情的劇照，一下子就來了興緻，要來談談舞台攝影這個話題。說真的，雖說不忍把寶貴的看戲的時間分出一些來拍劇照，但是此時此刻，如果有機會的話，我最想拍的茅茅的作品是《寒情》。寒情的舞台造型，是我以為最唯美最浪漫的。

還是那句話，大家在實際拍攝中有什麼經驗、有什麼問題可以在這裡交流一下。大家的問題我才疏學淺，怕是回答不出，但是我和我的攝影老師還有聯繫，我可以就相關問題請教她。我們的老師是有豐富的舞台拍攝經驗的。我看到過她用反轉片拍的京劇《楊門女將》的劇照：一張翻身的動態照、一張特寫，都是很棒的。

其一、光線弱色溫低，舞台攝影通常是在燈光照明下進行的，光線較弱，如果與太陽光很明亮的戶外攝影相比，用100度膠捲拍攝，在陽光下一般用f221/60秒，在舞檯燈光下只能用f2.8,1/60秒。因兩者差別較大，所以即使有多年戶外攝影經驗的攝影師，初次拍攝舞台演出時，也得有一個熟悉和適應過程。有些拍攝者把握不住曝光的數據，乾脆使用閃光燈拍攝，這樣曝光要求達到了，但未能充分利用舞檯燈光的特殊效果，損害了人物造型，破壞了現場氣氛和演出效果，失去舞台攝影的意義。 其二、變化大。舞檯燈光和日光比較，日光是比較穩定的，無論是晴天或陰雨天，光線變化都不會太大，容易掌握。而舞檯燈光變化就太大了，它會隨著劇情的發展變化而變化，亮度時高時低，色光和白光單獨出現或混合交替出現，形成了舞台的光源不斷變化，曝光較難掌握，拍攝時需要隨時變換光圈和快門數據。 其三、反差強。舞台上的燈光，根據劇情的需要，常出現正面光強側光及頂光弱的現象。頂光下產生的強烈投影，造成了演員的眼窩，鼻下出現較重的陰影。有時局部表演區明亮，其他地方及天幕、背景等一片漆黑，形成了強烈的反差。 相對固定的拍攝位置：劇場的秩序要求井然，坐位固定，攝影者不能像在露天的廣場或街頭臨時演出，可以自由走動。在劇場里攝影者事先就得選擇相應固定的位置，不能隨意變動，從頭至尾都在原位不動地拍，抓好優美的瞬間。 拍攝距離變化小：拍攝者一般選擇在第一排中間偏左（右）的位置。使用標準鏡頭，就能拍一般場面；使用廣角鏡頭，可以拍全景；使用長焦鏡頭，可以拍三至四個演員的中景或特寫。 懷著對舞台和攝影的熱愛，我帶上閃光燈在台前興緻勃勃地「謀殺菲林」。回去沖洗出照片一看，發現照片主體一片灰白，暗部細節消失，彷彿被漂白過。多次實踐以後我有了一些心得，在此想與影友們交流一下自己的感想體會，請大家多多指教。

　　1.關於閃光燈拍出上面提到的那種令人沮喪的效果，是因為拍攝是沒有注意舞台上主體和背景的亮度差異，一般來說這兩者亮度差至少一級以上，如果拍攝者採用單反相機的「平均測光」模式測光，那麼測得的曝光量是主體和背景亮度的平均值，自動閃光燈據此測得值來補光的話，主體就會因曝光過度而發白。

　　明白了原因，解決辦法就簡單了，根據原則就是要給被攝主體取得準確的曝光量：

　　a.如果持有的自動相機具有多種測光模式，就可在拍攝時採用「中央重點測光」模式，甚至「點測光」模式來調節自動閃光燈的補光量，以令主體得到正確補光。

　　b.若相機只有「平均測光」模式，可以在平均測光模式下調節相機和閃光燈上的膠捲感光度數選擇器，選擇比當前正在使用的膠捲更高的度數，以達到減少閃光燈補光的目的。例如相機里裝的是ISO100°膠捲，那麼調節膠捲度數選擇器，令其指向200°，則閃光燈補光量就會相應減少一級，指向400°減少兩級，等等。減少多少，視現場亮度比例而定。

　　c.如果手頭只有一台帶內置式閃光燈的傻瓜相機，那麼最好的辦法也許是省下膠捲錢來買台單反相機。因為傻瓜機內置閃光燈一般有效範圍僅三、五米，幾乎不能起到補光作用，若非現場照明條件極有利，就只能拍出廢品。不過無論如何，舞台或體育場攝影還是不用閃光燈為好，

　　因為：（1）由於閃光影響演員或運動員的表現，許多正式的劇場和體育場館禁止使用閃光燈。

　（2）被攝主體某些部位有可能出現因閃光造成的難看的陰影。

　（3）閃光燈發出的純白色光令拍攝者不能營造出舞台上特有的暖色調效果。

　　2.使用高感光度膠捲閃光燈的作用之一是補足照明以使拍攝者可以用更快的快門速度拍攝。但要達到提高快門速度的目的，辦法不是唯一的，專業攝影者用得更多的手段是選擇高感光度膠捲。我曾作過嘗試，拍攝?釤於旌??硎保?在無閃光燈條件下採用100°柯達卷，理光70－210mm長焦鏡，光圈為F4時，選擇1/30秒快門可使主體正確曝光；當其他條件相同時，用柯達400°卷可使快門提高到1/125秒，這個速度能定住演員大部分不太劇烈的動作。當然高感光度膠捲雖能獲得較快的快門速度，但缺點也很突出。感光度越高，則照片看上去顆粒越粗，解析度越低，以致放大困難。從性能價格比上來看，我較傾向400°卷。它價格不太貴，顆粒也不太粗，放大效果尚令人滿意，成功率也遠比100卷要高。但此方法用在800°膠捲上似乎出了點問題。按膠捲感光度增加一倍，快門速度相應提高一檔的規律，800卷在F4光圈時應使用1/250秒快門，但實際上用富士Super800°膠捲時，結果卻曝光明顯不足，不知何解，希望同道不吝賜教。