朋友，美食攝影不是掏出手機咔嚓一張好嗎？

作者介紹：光感_蟲二

85後獨立攝影師

當過導購，做過HR

開過烘焙工作室，30歲轉行入坑攝影

擅長靜物/美食攝影，作品風格多樣

一、多嘗試幾個不同的角度

攝影老法師們會告訴你：高物低拍，低物高拍。這看似是一條挺有用的技巧，也適用於大多數情況。

比如我們來拍一盤餃子，常規的思路是從高處俯拍會比較方便構圖，可是如果每次都用這樣的角度來拍攝，不僅會讓照片失去新鮮感，也逐漸地會讓自己審美疲勞。

那麼此時我們不妨換一下角度，嘗試一下45°角，嘗試一下平拍，或者改變一下光的方向，試一試逆光或側逆光，你會有新的靈感。

二、按下快門之前，先問問自己拍的是什麼

這個標題看似挺扯，其實是美食攝影中非常關鍵的一個步驟。不同的被攝對象需要重點表達的內容是完全不同的。

什麼是美食攝影？最簡單也最基本的要求是你拍出來的照片要讓別人看了之後感覺有食慾。而食慾往往是通過拍攝的角度、光線的強度、物體展現的肌理等等方面來促成的。

比如我們需要拍一碗湯麵，那麼適度的保留一些高光和反光或許可以提高整體的質感。

再比如我們要拍攝一個奶油蛋糕，需要重點體現的一般是奶油部分的細膩和順滑。所以不同的被攝物體，我們需要重點留意的地方也不盡相同。

三、給畫面中的各個元素建立層次和相互關係

我相信，你最終想呈現出來的是一副完整的畫面，而不是一堆零散道具簡單粗暴的堆放。我們有時在看攝影大神的作品時，會覺得整個畫面雖然道具特別多，但看起來很舒服協調。

而當自己來拍攝時甚至是模仿大神作品時，卻始終感覺欠缺一些什麼。這很有可能是因為你的畫面里各個道具之間缺少層次和關係。

比如可以在餐盤下方再疊加另外的餐盤或者餐布，用來增加層次，比如可以在被攝物斜後方放置一個另外的道具用來輔助勾勒輪廓，再比如可以放置一些刀叉紙巾之類的描述故事性和情節。

但是請注意，添加進畫面的道具請盡量保持和主體物的關聯性，蛋糕可以搭配打蛋器、粉篩，中式菜品可以搭配一些佐料等等。切忌放一些風馬牛不相及的道具在畫面中，會讓觀者分不清畫面的主次。

四、一個漂亮的桌板或背景，可以讓畫面增色不少

美食攝影圈子裡流傳著這樣一句話：得木板者得天下。說的就是背景板的重要性。

如果你是一名美食愛好者，只是喜歡在社交圈裡曬一下自己的美食，那麼大可不必採購太多的背景板，有時家裡乾淨的瓷磚或者好看的木地板也能讓照片很出彩。但如果你想讓自己的照片看起來更高大上，可以考慮去淘一塊漂亮的板子，網上搜索關鍵詞老門板，或者到你當地的舊貨市場都可以找到很多。

當然你也可以找更多風格的板子，例如大理石板、水泥板、符合畫面風格的桌布、窗帘、餐巾紙等等都是很好的選擇。

另外的一個建議是在攝影初期盡量選擇明度較低，不會過於花哨的背景，這樣相對來說有利於突出畫面中的主體物，不至於喧賓奪主。

五、適當為畫面添加一些生動的元素

當下比較流行的一些攝影風格，例如lifestyle和ins風，很多好看的照片中都會出現人物，在畫面中加入例如倒牛奶、攪拌咖啡、切食物、拿起刀叉、筷子挑起麵條等等動作，會讓畫面看起來更生動和真實。同時人的手臂也能起到很好的分割畫面或引導視線的作用。

六、美食攝影中最重要的設備不是相機，而是三腳架

就我自己的拍攝習慣而言，在拿到一個題材後，我會儘可能的先在腦中想像出一個大致的畫面，隨後找到合適的拍攝地點（例如是否需要靠窗，是否需要用到不同的牆面或場景作為背景），架起三腳架並設置好機位，再一點點的復原出之前腦中的畫面。

在這個過程中，三腳架能有效的幫我框選出畫面的範圍。

想像一下，如果我們是在白紙上作畫，而這張白紙始終飄來盪去卻不願意安靜的躺在桌面上，那麼你的每一筆將無從下手。你可能會因為畫面取景的改變而無數次的重新構圖，也可能會在手持相機拍攝時偶然間拍到了一張看上去還不錯、但某些角落還需微調的圖，可是當微調後卻再也回不到剛才那個「偶然」的角度。

這所有的問題都有一個最簡單的解決方案：投資一個值得信賴的三腳架（放心，這裡不打廣告）。不要問我什麼牌子的腳架值得購買，只需記住一點：買你經濟能力範圍內最好的，預算不低於你所擁有的相機價格的1/10。

補充一點：你選擇的三腳架如果帶有中軸橫置功能，會讓俯拍變得很輕鬆。

七、妥善管理畫面中的線條

在接觸攝影之前，我有過將近八年的美術學習經歷。雖然後來又陸陸續續做了其他與藝術毫無關聯的行業，儘管在開始從事攝影時之前的美術功底基本徹底遺忘，但萬幸的是我還記得一個最重要的原理：一切物體都是由點、線、面組成。這個原理放在攝影中一樣適用。

美食攝影以及靜物攝影有一個先天的優勢——我們可以有非常充分的時間構思或者在拍攝過程中隨時調整構圖，被攝主體並不會因為「情緒」而像人物模特一樣「消極怠工」（有些需要保持新鮮度的食物除外，他們往往需要你更早的確定好一切畫面元素）。

試著忘掉碗里究竟是紅燒排骨還是美式熱狗，把畫面中的造型在腦海里替換成線條與線條的組合。盤子的邊緣是線，背景板的紋理是線，豎著的瓶子邊緣是線，甚至包括窗邊照射進房間的光也是線。

這給了我們很多的空間去思考，究竟是用方形（直線）還是圓形（弧線）的容器來承托主體呢？桌面的木紋是橫向還是豎向比較好？畫面的某個局部有點空白，填補一些什麼樣的線條呢？

當我們把造型各異的道具，分別歸類為線條，再去思考構圖以及畫面填充，這時就會發現複雜的問題變得非常簡單。

八、始終關注美好的影像

每天堅持瀏覽一些影像網站或者專業圖庫，試著搜索你感興趣的圖片分類，時刻保持對高品質影像的敏感和追求，能使我們的創造力得到更新和拓展，並且激發我們通過自己的視角來進行創作。

多看圖以及多看好圖，並不意味著要模仿出一比一的畫面，更重要的是揣摩作者拍攝時的思路。我的目標是讓自己潛意識裡充斥著美好的畫面，這樣當我真正開始拍攝時，就知道什麼樣的光線、構圖、道具選擇會讓我更快進入狀態。

同時，多看圖也是保持自己對色彩敏感度的一個好方法。枯燥的色彩構成書本可能會讓你昏昏欲睡，多看大片兒則絕對會讓你精神振奮。

九、試著重新理解景深

在學習攝影之初，我也犯過一個常見的錯誤：無腦開大光圈。甚至當時還一度以為單反相比手機的優勢就在於誇張的虛化效果。

而在當下這個全民攝影的時代，暫不說「前後兩千萬」的普及和iPhone淺景深的人像拍攝模式，過度的虛化會導致畫面不通透、顯臟，最致命的是當合焦範圍太窄，某些時候就連主體物也變得不夠清晰。

適度的景深一定會是評判一張照片是否優秀的重要準則之一。

就像「反光板不是要殺死陰影」一樣，景深的目的也不是把主體身後的區域趕盡殺絕，而是通過適度調整，以達到「弱化和強調的對比關係」。

經常在圖庫評論區看到有朋友找作者要某張照片的拍攝參數，我認為只要我們在拍攝時找到合適的「明暗」對比、「強弱」對比關係，別人的參數其實並沒有太多實際參考意義。

十、打開實時取景

我們要拍的主題，往往是靜態的，她只是安安靜靜的坐在那裡，等待著你幫她披上最美的光線。我的習慣是拍攝自然光線的場景時，會把相機的實時取景功能打開，同樣我也建議你這樣做。

這塊小小的LCD屏幕就是你的畫板，把所有的技巧都描繪上去吧！只有直觀的看到光線的變化，改變道具擺放位置對於畫面的影響，才能更快的做出判斷和取捨。

Tips：不同品牌和型號的相機，LCD屏幕顯示效果會有明暗或飽和度的差異。如果你還不熟悉自己LCD的顯示屬性，可以先直出一些JPG圖片用作對比。

十一、單燈起步

大多數時候，我更傾向於用自然光拍攝。但當光線不足時，往往需要我們在室內設置人造光線，它可以是閃光燈、影室燈、甚至檯燈或LED常亮光源。

不論選擇了什麼性質或質地的人造光，我的建議是先由一盞燈開始練習。

自然界只有一個太陽，所以只使用一個主光源是符合自然規律的。

這一盞燈為我們的拍攝奠定了氛圍：如果光位很低，可能感覺類似於清晨或傍晚；更高的光位可能會表達出一天中其他時間段的場景效果。

我們需要通過這一盞主光源，來熟悉光的方向、強弱、質地、冷暖。當設置好主光源，可以用一些反光材料來做補充光源或者反光。比較常用的是白色泡沫板（每次網購都會有一堆）、白色A4紙、甚至錫紙和鏡子。

十二、找到你的興趣

我建議每位讀到這裡的你，都做一下布魯斯·巴恩博在《攝影的藝術》中提到的那個小測試：請拿出一張紙、一支筆，或者打開電腦列出三個你喜歡的攝影師，用自己的語言描述你喜歡這些攝影師的哪些方面。你會發現你喜歡他們的作品，這意味著你也喜歡他們的主題、色彩、反差、影調以及場景。

所以，這些攝影師是否給了你靈感呢？

看了這麼多，現在又讓忘掉，你是在逗我嗎？

如果在每次按下快門前始終糾結於各種參數、光比、構圖等等，這可能會嚴重分散你的精力。

數碼相機最大的好處就是能隨時看到之前拍的照片，便於再次拍攝時進行調整。所以忘掉所有的條條框框，大膽的按下快門，然後挑出你滿意的照片發到各類圖庫或者社交媒體上，仔細看那些評論，你會進步的很快。

最後，借用一句台詞：

若心中無愛，怎會懂珍惜二字？

今何在--《悟空傳》