復調音樂 寫作技巧

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復調音樂寫作技巧一種「多聲部音樂」。作品中含有兩條以上（含）獨立旋律，通過技術性處理，和諧地結合在一起，這樣的音樂就叫做複音音樂。複音音樂擁有漫長的歷史，在中世紀的教會聖詠中，就有了最早的複音音樂，僧侶們在唱頌歌的時候各自在不同的聲部上吟唱不同的旋律。其後尼德蘭的荷蘭樂派進一步發展出複音的理論和寫作技術。當中的作曲家杜飛（GuillaumeDufay，1400－1474）在創立了「四部和聲」的寫作技巧。為後來的對位法理論開闢出完善的道路。復調音樂最早產生於9世紀的西歐，奧爾加農為其最早形式發展至15世紀後半期～16世紀達到高峰，可謂其黃金時代，傑出代表為帕萊斯特里納的無伴奏合唱；到18世紀，在復調音樂創作在結構、技法上趨於完善的情況下，J．S 巴赫將器樂賦格曲形式發展至極，樹立了器樂復調音樂技術的典範；進入18世紀後半葉，復調音樂的主導地位開始逐漸被主調音樂代替。重要的復調音樂體裁有經文歌、輪唱曲、復調彌撒曲、卡農、復調尚松、坎佐納、賦格曲等。復調音樂分為：⑴ 用對比方法所寫的復調音樂成《對位音樂》，簡稱《對位》，即對位式的復調音樂。如鋼琴獨奏曲《牧童短笛》；⑵ 以模仿的方式為基礎所寫的《復調音樂》，通稱《卡農》，即二部、三部、四部的輪唱或輪奏。如《黃河大合唱》中的四部輪唱曲《保衛黃河》；⑶ 用襯托的方法所寫的復調音樂，成《支聲復調》或《襯腔式復調》。在民族民間音樂中，常用襯托、填充、呼應、加花等手法，使音樂更為豐富多彩。如侗族民歌《向陽花開朵朵紅》，女聲二重唱《遵義會議放光輝》等。寫作技巧: 首先，把主旋律做一軌 (如果旋律已經爛熟於心可以省略這一步) 然後，其他的聲部(大部分情況是弦樂)按照主旋律的和聲進行另做一個不同旋律.這個旋律要盡量避開主旋律的音，尤其是注意避免五八度平行,同時聽覺上要和主旋律相成呼應關係,最重要的是要和主旋律形成對比,比如，主旋律是密集旋律進行的話,復調就多用長音,主旋律是長音的時候,復調旋律就變化多一些,千萬不要跟主旋律走一樣的節奏型,那就不叫復調了.另外,還得注意音區。這很重要-----首先，這是配器原則，小提琴的旋律都寫到大提琴音區里了那不亂套了？其次，要給別的樂器留下空間，甚至有時候你還得寫不止一層復調。假定現在一個小提琴復調聲部做出來了，我們也許要接著再做一層大提琴復調。同樣的原理，避開已有的主旋律和小提琴復調，在大提琴音區再寫一個旋律。這就稍麻煩一些了。因為你得同時考慮三個聲部的搭配，在剩餘的夾縫裡填寫。在寫大提琴復調的時候，遇到實在推不動的情況可以對做好的小提琴聲部進行一些修改以便給大提琴騰出路來。這第二層復調說難也難說簡單也能簡單。因為如果出現1層以上的復調的話，那麼兩層復調最好不要旋律變化都太豐富，那樣會聽著很亂。這兩層復調必然有一個是比較簡單的，甚至可以直接走和聲或旋律。 還有一個寫復調的方法是----先用長音寫出各聲部的和聲結構來，再在和弦音的基礎上變化出旋律形成復調。注意事項和上面的方法一樣。按我的理解，復調有兩個作用：一是填充織體，二是形成對比。只要緊記這兩點原則再加上上面的兩個方法，只要有點和聲基礎，相信大家都可以做出足以嚇唬外行的復調來。繼續引申：做音樂的時候，每一個聲部都要以「復調心態」去處理。鼓要在適當的位置打出鼓花來；貝司要盡量旋律性進行，不要千篇一律的走根音，甚至可以在適當的位置來個高音彎音；鍵盤不要一味的敲和弦，適當來點連接性的旋律，等等。以「復調心態」做出來的音樂，再加上大膽的運用對比（對比產生美，這是萬古不變的藝術真理！）會更加豐富多彩。

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