傳統花鳥畫工寫技法淺析

在中國繪畫中，花鳥畫是一個寬泛的概念，除了本意花草、禽鳥外，還包括蟲魚、畜獸等動物，以及樹木、蔬果等為題材的繪畫。　　花鳥畫在我國具有悠久的歷史，它分工筆、寫意兩大類，工筆又分為傳統工筆畫、現代工筆畫；寫意也是如此，分為工細的小寫意、粗放的大寫意。以使用水墨色彩上的差異，又分為水墨花鳥畫、潑墨花鳥畫、設色花鳥畫、白描花鳥畫與沒骨花鳥畫。翻開中國繪畫史，可以看到，花鳥畫的產生和發展是先有工筆，後有寫意。嚴格地說，真正意義的寫意花鳥畫自唐代中期開始，然後逐漸形成一大宗派。尤其是經過明、清文人畫的激發，寫意花鳥畫最終佔據了中國現代畫壇的主流位置。

▲工筆花鳥畫

學習花鳥畫，過去一直是「師帶徒」的形式，多從臨摹入手。實踐證明，這是學習花鳥畫的較佳途徑。對於受過嚴格的造型訓練、具有一定寫生和造型能力的學習者來說，也可以從寫生入手，熟悉和掌握了寫生對象之後再進行臨摹和創作。　　臨摹是向傳統學習。前人給我們留下了豐富的文化遺產，他們的繪畫作品是長期藝術實踐的結晶。我們臨摹這些作品時，學習筆墨技巧和表現方法是一個方面，更重要的是從中學習、領會藝術思想和創作規律。只有掌握了藝術思想和創作規律，才能繪出好的畫作。　　寫生就是要到大自然和生活中去觀察、熟悉、記錄，為創作積累素材。古人作畫講究「觀萬物達於心」。雖然他們有的也隨身攜帶手本，做些簡單記錄，但這很難與現代意義上的寫生相提並論。這裡並不是說古人不注重寫生。實際上，古人走的是觀、默、記、寫的寫生路子。這種方法對培養和鍛煉畫家的形象思維能力十分有效，是花鳥畫學習中不可缺少的基礎訓練。工筆寫生主要是用線來畫，不能像西畫那樣強調塊面、色調和光影。要把看到的立體物象提煉成線，並把這些線準確地落到紙上。這對初學者來說可能有點困難，但寧可畫得慢一些，也要畫穩、畫准。畫得多了，自然會手眼相應，速度也就快了。　　寫生要以收集素材為主要目的，因此應盡量做到真實、準確。寫生時，宜按與實物同等的比例作畫，這樣做易於比較，易於正確掌握各物象之間的比例關係。在畫對象的姿態和整體時，還要用局部特寫的方法做一些細節記錄，如禽鳥的羽毛、爪、喙和花瓣、花萼、花蕊、一組葉子，以及葉子與枝幹之間的結構關係等。這樣可以節省寫生的時間。在一般情況下，工筆寫生是白描稿，沒有色彩，但可以用文字標註出各部位應用的色彩。當然，也可以直接用顏料做色彩記錄。　　學習花鳥畫是為了創作，技法訓練、觀察生活、積累素材都是為花鳥畫創作做準備的。就學習花鳥畫的一般規律來講，具備了必要的技法功底、有了一定的生活感受，要畫出有一定水準的花鳥畫並不是難事。

工筆花鳥畫的基本技法：　　工筆畫：中國畫傳統畫法之一。畫法比較工整嚴謹，以描繪被畫對象的準確形象為準則。「工筆」是與「寫意」相對應的概念，簡單地來講，就是運用工整、細緻、慎密的技法來描繪對象。它大致可分為四大類：工筆白描、工筆淡彩、工筆重彩和沒骨工筆。總的來講，工筆畫用筆工整細緻，敷色層層渲染，細節剛徹入微要用極細膩的筆觸描繪物象，故稱「工筆」。　　工筆白描：白描是以線為表現手段的畫法，是中國工筆畫中的一種重要技法，依靠線條本身粗細、剛柔、方圓、巧拙、疏密等變化來表現各種物象。工筆畫對白描線條的要求並不僅僅是勾畫出物象的形態，還得有一定的形式美。白描既是體現筆墨節奏、韻味的一種手段，同時也可以作為一種單獨的藝術形式而存在。早在宋代李公麟白描畫的《五馬圖》，人和馬都用單線勾出，比例準確，有很強的表現力。現代的連環畫內容畫頁大都是白描，如王叔暉的工筆白描《西廂記》連環畫，人物逼真，線條流暢，揚名連壇。

　（一）用筆：　　工筆畫勾線最基本的用筆方式有四種：中鋒用筆、側鋒用筆、逆鋒用筆和順鋒用筆。　　中鋒用筆是傳統工筆畫中用得最多的一種筆法。它要求勾線時始終將筆尖控制在線的中間。只有這樣，墨才能順著筆尖落到紙上，且不會偏離線條中心。中鋒線條圓潤、渾厚、勻整，有彈性。　　側鋒用筆又叫偏鋒用筆，是將毛筆側倒，以筆頭的側翼附著畫面運行。由於自筆尖到筆肚所含的墨色多少不同，所以畫出的線條會有濃淡變化。此法畫出的線條形狀往往是一邊齊、一邊呈鋸齒狀。我們在畫中常見的「飛白」多是側鋒用筆產生的。在工筆花鳥畫中，表現嶙峋的山石和老樹榦時常用到此筆法。　　逆鋒用筆，運筆時線條朝著筆尖所指的方向走，逆向而行。這種運筆方式畫出的線條厚實剛勁、蒼老古拙，多用於畫老乾、枯枝。　　順鋒用筆，這種運筆方式與逆鋒用筆正好相反，一般是筆鋒在後，筆桿在前，筆桿拖著筆鋒走。順鋒用筆繪出的線條輕快、流暢，如行雲流水一般。　　以上介紹的是最基本的四種用筆方法。在以後的創作中，我們可以根據畫面的需要，對以上筆法做一些變化。但不管用何種筆法，都要注意起止以及運行中的頓挫使轉、輕重徐疾，力求繪出的線條富有韻律感和節奏感。

（二）勾勒：　　一幅工筆花鳥畫中，線條勾勒是至關重要的。對於如何用線，黃賓虹先生在借鑒前人經驗的基礎上總結出了五點，即「平」、「圓」、「留」、「重」、「變」。「平」指的是行筆時用力要均勻，不可忽重忽輕，要筆筆到位、力透紙背；「圓」指的是勾勒的每一條線都要圓潤、富有彈性，尤其是在線條的轉折處，更要有「折釵股」般的韌性；「留」指的是能控制住用筆，收放自如；「重」指的是行筆時要有分量，切忌輕飄浮滑；「變」是指線條要根據不同的表現對象加以變化，或迅疾、或舒緩、或稜角分明、或圓潤流暢。只有這樣，才能充分表現出物象的神韻。　　無論是畫重彩花鳥，還是畫淡彩花鳥，在白描階段都必須考慮用墨的細節問題。全幅不可只用一種墨勾勒，要根據畫面需要和不同物象的質感，用濃、淡、干、濕不同的墨來豐富線條的表現力。例如，可用淡墨勾勒白色、粉紅色、黃色等淺色花，用重墨勾勒大紅、紫色等色彩重的花，用較乾的墨勾勒老樹榦等。這樣，不僅可以使墨色和諧相融，而且還能保持線條的韻味和節奏。

（三）著色：　　工筆繪畫在勾好線描稿後即可著色。如果把線描稿比做是房子的框架結構，那麼著色就是添磚加瓦、粉刷美化。著色的好壞直接影響畫面效果的好壞。傳統工筆畫的著色方法總體可以分為褪染、沖染、分染、提染、罩染、濕染、背染等，下面分別簡略地介紹一下。　　褪染是傳統工筆繪畫使用較多的一種著色方法。其方法是一手執蘸顏色的筆，一手執清水筆，先以蘸顏色的筆染，再用清水筆接染，使畫面產生由濃到淡的變化。　　沖染也叫積水法，將兩支筆飽蘸不同的顏色（也可以一支筆蘸顏色，另一支筆蘸清水），先用一支筆將畫面需要著色的地方填上，不等顏色干，就把另一支筆上的顏色（或清水）沖滴進去。這樣，兩種顏色混在一起交融、流動，往往會出現意想不到的效果。　　分染，即分層著色，古人稱之為「三礬五染」。工筆繪畫里，有些表現對象只有分出層次多次染色，才能取得滿意的效果。比如畫大紅花，就是先以淡墨從花瓣的根部向外染去，待墨干後，再用硃砂從花瓣的邊緣向內由深到淺地染。為了固定顏色，可待色干後罩上一層礬水，然後再以淡曙紅平塗。如此反覆多遍，最後用胭脂提一下色，這樣畫出的花會更見精神。提染是為增強畫面的層次感、整體感而對畫面某一局部所做的微調———可以提白，也可以加重。比如畫大紅花，最後用比較重的胭脂色加強畫面，就是提染。　　罩染，以當代人的眼光看，其實是統一畫面色調的又一種方法。為使畫面色彩統一，在對某一物象基本完成著色後，往往會用極淡的某種色彩平塗一遍。如畫白花、粉紅花、紫花時，畫家基本完成著色後，為使花兒更嬌艷，多用極淡的草綠色罩染一遍。　　渲染是一種烘托畫面氣氛、突出主體的染色方法。繪畫中，我們常常會遇到這樣一種情況，即畫中有形的地方雖都已畫完，但是畫面主體仍不突出，氣氛也不感人。這時如果用渲染的方法，在主體周圍染上淡淡的對比色或類似色，畫面就會大有不同。如畫白色水鳥，倘若只畫它的結構，則它的神采往往出不來。但如果在鳥形體的邊緣適當染上一些顏色，效果就大不相同了。　　濕染就是趁濕染色。在所繪物象的形體內，先以清水塗濕，等快乾時，染出深淺、濃淡層次。用這種方法畫出的物象潤澤、自然，適合表現花卉。此法能否用好，關鍵在於能否把握好墨色中所含的水分。　　背染就是在畫的背面染色。根據畫面需要，可以平塗，亦可褪染。背染不僅可以使畫面顏色厚重、豐富，而且也不會對物象的形體結構產生影響。　　豐富、完整的工筆畫技法體系是上面幾段文字所無法詳細表述清楚的。下面圖片簡要介紹一下牡丹的花瓣畫法著色，也是為讓新手對傳統工筆畫著色技法有一個初步的了解。

　　第一步：長鋒勾線筆蘸淡墨勾勒最下部和上部的粉紅花瓣，蘸重墨勾勒中間的紫紅花瓣。勾線的時候需要注意線條的輕盈靈動，同時注意筆速的變化以及每一根線條的起收。 這圖花瓣其實叫白描，它是工筆畫的第一步，但是也有很多工筆畫家，就只做完這一步就算完成了。這種形式多見於連環畫等單色作品的繪製。

　　第二步：粉紅花瓣部分平塗白粉底色，塗完注意細心檢查看看白粉是否完全塗均勻，白紙上塗白粉可以頭部略偏一些利用側光檢查。深紅花瓣部分平塗中等濃度曙紅。

　　第三步：粉紅花瓣用淡曙紅統染三到四次左右，每次顏色深淺不變，但是統染面積得逐次縮小，最後再用中等濃度曙紅根部整體提染一下。深紅花瓣用淡墨統染，背面根部留水線。

　　第四步：粉紅花瓣用中等濃度曙紅分染花瓣中間的結構，注意結構的走向和明暗處理方式不要全部都一樣，避免雷同。深紅花瓣用重墨分染，接著用淡墨整體罩染，最後用重墨青色（花青＋墨）提染最暗處，底色完全乾以後整體平塗兩層中等濃度的曙紅。　　以上這些過程，寫意畫家兩分鐘就搞定了，只是無法這麼精細。所以說工筆畫的東西，適合搬個凳子坐著慢慢看，越看越覺得細緻美觀。寫意畫適合看大效果，重要品味含蓄的意境。

總結幾個重要特徵：

　　一、工筆畫和寫意畫用的紙張不同。工筆畫用的紙張是用白礬處理過的，不滲水，顏色上去不馬上化開，是為熟宣紙。寫意畫用的紙張沒有經過白礬處理，顏色上去馬上就滲透，俗稱生宣紙。　　二、 技法不同。寫意畫注重快速完成，講究筆墨潤開的變化無常。一般都是一次或兩次就染色完畢。工筆畫程序複雜很多，俗稱「三礬九染」，一個地方要不斷的層層加色，不能一次上足，每渲染幾次還要上一次白礬水，免得顏色互相摻雜，累積起來，大約需要十多遍才能畫面顏色均勻。　　三、耗費時間完全不同。同樣大的畫面，寫意畫一小時搞定，工筆畫半個月都未必完成。這就是為什麼現在畫工筆畫的畫家較少的原因，經濟效益不如寫意畫見效快，工筆畫是不能像范曾那樣，二十多張一起釘在牆上流水線加工的，工筆畫需要一顆純凈的心，心裡不平靜的人，是畫不出好的工筆畫的。　　工筆畫是很傳統的，是很莊重的。很多工筆畫大家，畫畫之前都要沐浴更衣，乾乾淨淨，心平氣和的開始，繡花一樣一絲不苟。怎麼染色，分幾步，哪一步該做什麼，都是有嚴格的步驟的，對人物刻畫以美為重，追求真實，不能隨意加工變形，嘩眾取寵。現在的一些工筆畫家追求效益和快速，把人物或花鳥誇張變形，背離了傳統工筆人物畫的細膩風格，這是一種對工筆畫傳承無益的改革，也難上大雅之堂。

寫意花鳥畫的基本技法：　　寫意畫顧名思義是與工筆畫相對應而言的一種畫法。它要求用粗放、簡練的筆墨，畫出對象的形神，表達作者的情感和創意，要有以少勝多的含蓄意境，落筆要準確，運筆要熟練，比較注重「寫」的痕迹，更注重意境，意也就是以形寫神。寫意畫又分大寫意、小寫意、兼工帶寫。但在一般畫法上並不是截然分開的，也就是說從工筆到大寫意之間沒有絕對的界限。如齊白石的花卉草蟲，花卉是用大寫意手法，而草蟲則用工筆畫法。

　▲八大山人雙鷹圖（寫意）

　（一）用筆：　　中國傳統繪畫以線條為基本造型手段，而線條的變化與用筆方法密不可分，所以畫寫意花鳥畫首先要掌握基本的用筆方法。中鋒用筆、側鋒用筆、順筆、逆筆因在前面已講過，故不再贅述。下面，我們說一下其他的用筆方法。　　1.提、按、頓、挫。提和按是一組對偶範疇。運筆時，把筆提起一些，筆畫較細；按下去一些，筆畫就較粗。這是我們比較容易看到的。其實，提和按又是相對的，提中有按、按中有提，才能使筆畫細而不輕、粗而不滯。如果把筆重按一下，就稱之為「頓」。連續頓筆稱為「挫」。　　2.拖、拉、扭、轉。拖和拉在運筆形式上相近，都是運筆時筆桿在前、筆頭在後，只是運筆的方向和速度不同而已。扭和轉是一個連續動作。這時的筆毫不是平鋪在畫面上，而是由於轉的關係，筆毫扭在一起。此法在寫意花鳥畫（尤其是大寫意花鳥畫）中頗為常見。如藤本花卉中的藤條多用這種方法繪出。需要注意的是，畫曲折纏繞的藤條時，用筆看似靈活自由，實則行筆不能太快，有的地方還要凝重有力。畫一組藤條時，用筆要充分體現出輕重、緩急的節奏變化。　　3.起和收。一筆之中要有起、行、收的變化，如「實起虛收」、「虛起實收」。起和收的不同變化應根據所繪對象的需要來決定。畫菊花的花頭時，菊花的花瓣看起來形狀相似，且有一定的組合規律，但用筆絲毫不能大意。哪些花瓣要實起虛收，哪些要頓起虛收，哪些要虛起實收，都要表現清楚。在一個花頭上，幾乎把所有的用筆技巧都體現出來，這樣的筆才有筆意，這樣的畫才有韻味。　　4.勾寫之法。寫意花鳥畫中的線條，前輩畫家一般不說是「畫」出來的，而說是「寫」出來的。從鄭板橋的寫字如畫蘭、畫蘭如寫字和吳昌碩的「直從書法演畫法」，可以看出前人對用筆的重視。這「寫畫」二字，可以說給繪畫用筆提出了一個更高的要求。古人有「一筆畫」之說。這並不是說一筆畫成一幅畫，而是指用筆筆勢連貫，一筆接一筆，即使筆畫出現間斷，意也能連，這就是人們常說的「貫氣使力」。力由氣生，無氣則無力，氣到力必到，氣由意引，氣由心發，這是取得有生命力的線條的必要條件。一件優秀的繪畫作品，不光要具備有生命力的線條，還要有一股氣貫穿其中。只有這樣，作品才能煥發神采。　　5.破筆法。有意把筆頭散開，可出現多筆畫的效果。這裡的「多筆」有兩層意思：一是因筆頭散開，畫面上自然出現一些粗細、方向不同的筆畫；二是連續、不同方向的重疊用筆，使線條縱橫交錯、疏密有致。如小寫意畫中羽毛、枝幹、石頭的畫法和大寫意畫中闊葉的畫法。　　掌握了這些基本的用筆方法之後，如何寫出有生命力的線條？如何表現物象的精神特徵？這就要求我們用筆時注意筆的起行轉收、輕重緩急、虛實濃淡、抑揚頓挫等變化，充分發揮筆鋒、筆腹、筆根三部分的性能和作用，根據表現對象的需要靈活用筆。　　要達到以上用筆要求，還必須掌握執筆方法。寫意花鳥畫的執筆要比書法自由得多，作畫中的拖、拉、扭、轉等筆法並不是書法的執筆所能達到的。儘管繪畫與書法的執筆方法不同，但基本要求都是一樣的。蘇東坡說：「執筆無定法，要使虛而寬。」這「虛」、「寬」二字，正是書畫用筆的根本要領。

（二）用墨：　　用墨和用筆是密切相關的。筆和墨一直是不可分割的一物兩面。自唐代王維提出「水墨渲染」之法後，墨法就被提到與用筆同等重要的位置上來。在用墨方面，前輩畫家為我們積累了豐富的經驗。墨是中國繪畫特有的顏色。歷來有「墨分五色」之說，即焦、濃、重、淡、清，亦有黑、白、干、濕、濃、淡六色之說。這些皆是指墨與水調和時，因含水量的多少和用筆方法的不同而產生的變化。　　濃淡墨：濃和淡是相對的。剛研磨好的墨濃厚，直接畫在紙絹上黑而有光澤，稱為焦墨。在焦墨中加少許水，濃黑程度次於焦墨，墨黑而華滋，稱為濃墨。把水分加多，使墨呈現出一種灰色，即淡墨。比淡墨重但比濃墨輕（淡）者稱為重墨。如果水分加得很多，墨落紙後只留下淡淡的青灰色痕迹，就是所說的清墨了。其實墨的變化遠不止五六種，在水的作用下會產生萬般變化。而「五色」、「六色」的含義，也是指墨從本身的變化衍化為大自然豐富的色彩世界。　　乾濕墨：干與濕也是相比較而言的。人們對干與濕的認識有個約定俗成的概念，何為干墨，何為濕墨，並不需要一個明確的界定，就能很自然地判斷出墨的乾濕來。干墨、濕墨又分濃干、淡干、濃濕、淡濕四種。通常情況下，干墨利於勾、畫、皴、染，濕墨便於塗、掃、點、染。當然，以濕墨勾畫、以干墨點染的情況也常見。用墨之道，實無常理。只有根據畫面的需要隨機而動，才能既合物理，又符畫理。　　積墨：用重墨或淡墨連染帶敷，亦可淡、重墨相間連用。積墨法的要點一般是第一遍墨干後再加第二遍，第二遍干後再加第三遍，直到符合要求為止。每遍用墨的深淺、多少不固定，要以畫面的需要來定。在寫意花鳥畫中，積墨法多用於畫石、畫較粗的枝幹和闊葉。　　破墨：在第一遍墨未乾時加第二遍、第三遍墨，其目的是用墨沖開原有未乾的墨塊，使第一層墨隨著第二層墨產生暈化而重新組合。沖開的墨可以是第一遍墨的全部，也可以是一部分；可以用淡墨衝破濃墨，也可以用濃墨衝破淡墨，甚至還可以用水破墨、用色破墨，使墨產生意想不到的效果。　　潑墨：即用大筆蘸大量的墨以較快的速度運行於紙上，所得到的墨痕如打翻的墨池一傾而下，痛快淋漓、變幻莫測。　　滲墨：由於筆頭含水分，墨痕周圍會滲出淡淡的水跡。用此法可以增加墨色的潤澤感，並使畫面產生毛茸茸的效果。　　化和沖：化其實是破墨的一種，即用清水破墨之法；沖是用水或色將部分或大部分墨沖擠出原有墨痕之外。這兩種方法都是在原墨未乾時進行。　　作畫要有筆有墨。筆是骨，墨是肉，筆離不開墨，墨離不開筆。在學習傳統筆法、墨法的同時，要有批判地繼承；面對外來藝術思潮，要有選擇地吸收。在藝術實踐中，要逐步積累用墨經驗，推動用墨技法的發展。

（三）用色:　　在「畫道之中，水墨至上」觀念的籠罩下，中國畫的用色同筆墨相比一直處於次要地位。歷來論畫者，或論筆墨，或談章法、意境，真正涉及到用色的論述少之又少。實際上，中國傳統畫家對色彩的重視要比對筆墨的關注早得多。明人文徵明說：「余聞上古之畫全尚設色，墨法次之，故多用青綠；中古始變為淺絳、水墨雜出。故上古之畫盡於神，中古之畫入於逸，均各有至理，未可以優劣論也。」要想創作出富有現代感的花鳥畫，用色是主要突破口之一。

　　寫意花鳥畫的用色和山水、人物畫略有不同。山水、人物畫用色稱為著色、染色，大多已有完成或接近完成的墨稿，著色實際上是根據畫面加染顏色，較少用色直接描繪形體（山水畫中，遠山、流雲的處理亦有落色成形的現象，但一般在畫面上不佔主要位置）。而寫意花鳥畫以色直接塑造形象的情況較為普遍。

　　寫意花鳥畫中的用色和用墨一樣，有著輕重、濃淡、深淺的變化，色彩亦有冷暖及中間色的區別。在小寫意花鳥畫中，這種區別比較明顯；但在實際運用過程中，卻較少考慮色彩的冷暖對比關係（尤其是在傳統寫意畫中），多關注各色在畫面的相合相適，如「青紫不並列，黃白不隨肩」、「大紅大綠偶然一二」。青和紫都是冷色，配在一起則更冷，易使人產生悲愴之感。黃和白都是明色，黃調入白或白調進黃都可增加自身的明度。但黃、白二色並列則既不醒目，也不易分辨。大紅、大綠對比強烈，色塊放在一起不僅會破壞畫面的統一，也易產生俗氣之感。如需二色相併，多在綠色中加墨，或調入其他顏色，使色彩沉著穩定。這些都是前人用色的經驗。　　清人鄒一桂說：「五彩彰施，必有主色，以一色為主，而他色附之。」這就是說，寫意花鳥畫的用色，既要有對比，又要有統一。中國山水畫的「青綠」、「淺絳」都可說明這個問題。有些國畫家在繪畫中採用西方繪畫中的色彩觀，也是想強化這種對比統一關係。寫意花鳥畫雖然不像山水畫那樣有一個統一的基調，但對色彩的選擇同樣存在一個主從關係。所不同的是，寫意花鳥畫中的墨（線和塊）和留白會一起參與畫面色彩的構建，並起到理想的調和作用。　　傳統中國畫的表現手法慣於把自然物象加以「意象化」，在心物同構的宏觀把握下，不僅造型出現以心意為主的傾向，而且用色也受到情感的左右。前人喜歡以蘭竹喻君子、以松梅比風骨，畫幾棵白菜也題曰「清白傳家」。還有如《又是一年春》、《富貴滿堂紅》之類的畫就更多了。這些畫，從為象到用色，無不具有象徵性。在當代花鳥畫中，這種手法非但沒有減弱，反而有增強的趨勢。色彩同用筆、用墨一樣，是當代花鳥畫形式構建的重要因素。許多畫家對色彩的把握和使用已經開始離開理性、心意的約束，向唯美主義的方向發展。

▲《鷹》李苦禪寫意