詩歌賞析

一、詩歌概述 詩歌現代漢語釋為一種抒情言志的文學體裁。《毛詩-大序》載：「詩者，志之所在也。在心為志，發言為詩」。宋嚴滄浪《詩話》云：「詩者，吟詠性情也」， 陸機則認為：「詩緣情而綺靡」。中國古代稱不合樂的為詩,合樂的稱為歌,現代統稱為詩歌。只有一種用言語表達的藝術就是詩歌。 詩者，感其況而述其心，發乎情而施乎藝也。詩歌是世界上最古老、最基本的文學形式，是一種闡述心靈，高度概括反映社會生活的一種文學體裁。它飽含著作者的思想感情與豐富的想像，語言凝練而形象性強，具有鮮明的節奏，和諧的音韻，富於音樂美，語句一般分行排列，注重結構形式的美。 現代詩人、文學評論家何其芳曾說：「詩是一種最集中地反映社會生活的文學樣式，它飽含著豐富的想像和感情，常常以直接抒情的方式來表現，而且在精鍊與和諧的程度上，特別是在節奏的鮮明上，它的語言有別於散文的語言。」，詩歌具有永久的審美生命，是文學的最高形式 。 詩歌的幾個基本特點：第一，高度集中、概括地反映生活；第二，抒情言志，飽含豐富的思想感情；第三，豐富的想像、聯想和幻想；第四，語言具有音樂美。 二、詩歌的發展和流派 詩歌的發展經歷了《詩經》、《楚辭》、漢賦、漢樂府詩、建安詩歌、魏晉南北朝民歌、唐詩、宋詞、元曲、明清詩歌、現代詩的發展歷程。 現代詩歌的主要流派：「五四」詩歌、新月派、現代派、九葉派、朦朧詩、中間代、新生代、湖畔派、韻腳派等。 目前，大家喜聞樂見的均為韻腳派詩歌。韻腳詩在遵循形式自由、內涵是開放、意象重於修辭的同時，更注重韻美。使中國現代詩歌在追求自由和豪放的同時，又繼承古體詩歌韻律流傳千年的寶貴血脈，倡導作者在情感真摯、言辭凝練的基礎上增加音樂的美，為詩歌的創作和發揮制定一項行之有效的標準界面。避免現代詩歌自由散漫和無章法可循的口語化寫作。讓詩歌創作有章可依，有律可循，從而使現代詩歌的創作更加規範地發展和成長，並以更加良性更加持久的姿態堅忍不拔地在文學道路上永久生存下去。 現代韻腳詩通過吸收兼并而構建起來的新詩體，它不僅包容了人們對於古典詩歌的音樂韻律之美的追求，同時兼并現代詩歌的創作手法，使古典詩韻與現代詩歌完美融合而並駕齊驅。現代韻腳詩後世或將淘汰其它流派而成為中國詩歌命脈的唯一嚮導和主力。 三、詩歌的分類 　詩歌的分類也有多種方法，根據不同的原則和標準可以劃分為不同的種類。基本的有以下幾種： （1）敘事詩：敘事詩是一種具有比較完整的故事情節和人物形象的詩歌。通常以詩人滿懷激情的歌唱方式來表現。史詩、故事詩、等都屬於這一類。史詩如古希臘荷馬的《伊里亞特》和《奧德賽》；故事詩如我國詩人李季的《王貴與李香香》。 　　 （2）抒情詩：抒情詩是一種主要通過直接抒發詩人的思想感情來反映社會生活，不要求描述完整的故事情節和人物形象的詩歌。如，情歌、頌歌、哀歌、輓歌、牧歌和諷刺詩。 （3）格律詩：格律詩是一直按照一定格式和規則寫成的詩歌。它對詩的行數、詩句的字數（或音節）、聲調音韻、詞語對仗、句式排列等有嚴格規定，如，我國古代詩歌中的「律詩」「絕句」和「詞」「曲」，歐洲的「十四行詩」。 （4）自由詩：自由詩是近代歐美新發展起來的一種詩體。它不受格律限制，無固定格式，注重自然的、內在的節奏，押大致相近的韻或不押韻，字數、行數、句式、音調都比較自由，語言比較通俗。美國詩人惠特曼（1819—1892年）是歐美自由詩的創始人，《草葉集》是他的主要詩集。我國「五四」以來也流行這種詩體。 　 （5）散文詩：散文詩是一種兼有散文和詩的特點的詩歌。作品中有詩的意境和激情，常常富有哲理，注重自然的節奏感和音樂美，篇幅短小，像散文一樣不分行，不押韻，如魯迅的《野草》。 （6）哲理詩：哲理詩是一種表現詩人的哲學觀點、反映哲學道理的詩歌。這種詩內容深沉渾厚、含蓄、雋永，多將哲學的抽象哲理含蘊於鮮明的藝術形象之中。篇幅短小精悍，古代大都是四句的絕句，新詩則一至四句均有出現。如蘇軾的《題西林壁》；白居易的《長恨歌》；蘇軾的《琴詩》。 （7）題畫詩：題畫詩是一種按圖意或者為圖配上文字的詩歌。我國題畫詩的產生、歷來被認為始於唐代，創始者為杜甫。簡單理解就是把不直接題在畫面上的吟畫、題畫、論畫以及題扇畫、題壁畫、題屏風畫上。如東晉桃葉的《答王團扇歌》三首，其一是："七寶畫團扇，燦爛明月光。與郎卻喧暑，相憶莫相忘。"特別是由梁至北周的傑出詩人庾信，在梁朝時，曾作《詠畫屏風》詩二十五首，生動地描繪了屏風上的各優美畫面。 四、詩歌的模式 詩文愛好者對詩歌的模式做總結分類，初學者不必照搬，創作一段時間後掌握了要領就可以有意識地拋開模式，發揮創造力，任意作為。詩歌模式大致有九種： 1、象徵模式 。這一模式可以說是詩歌的傳家寶，又稱多層式：在文字元號的視覺層面上給人以形像， 同時在聯想的深層給人以意義(某一實體事物或精神內容) ，以儘可能無限的概括和包涵作者的所言。象徵體是表層的、明晰的，甚至可能是被傳統理性所規定的，如梅蘭松竹、長城等。而被象徵的本體卻是隱蔽的、模糊的。 兩者關係要有任意性，便於發揮創造性。天才詩人把表面上風馬牛不相及的內外意象通過類似聯想起來，形成令人稱奇的構思。關鍵是抓住兩者之間共同點，而其它屬性相距越遠越好。 中心方法是選擇形象，形成象徵意象。意象， 又稱藝術形象，可以說是構成文學藝術大系統的細胞。意——人的意識(包括情感。從根本上來說是人的審美需要和認識需要)，最終在文學藝術上表現為作者個體生命的投射現。象——客觀事物， 外在於作者，但最終為作者生命本質所對象化。兩者結合為意象，而兩者成分的多少及關係的隱顯疏密等造成了兩種基本上的文藝創作方法，即重意的浪漫主義和重象的現實主義，也成為表現論和反映論的淵源。象徵意象比一般意象來說， 有特定的要求：成為全詩的中心形象。最佳象徵意象，其涵義是無限的，儘可能表現作者內心世界，成為一個藝術個性的宇宙。 一般來說，這類詩歌標題就寫出了象徵體(甚至是人物)。但是，內層的本體即作者個體生命的感受才是詩歌真正要寫的。 好一會屏息靜氣， 我多想聽到你! 可你安然靜謐， 你有怎樣的話語? 伸出顫慄的手指， 我多想撫摸你! 可你無影無蹤， 你有怎樣的形體? 睜大渴望的雙眸， 我多想看到你! 可你透明無色， 你有怎樣的美麗? 可是我清清楚楚， 我一刻也離不開你! 我的生命里有你， 你隨著我的一呼一吸…… 在這首小詩中，空氣成為結構中心的象徵意象。安然靜謐、 透明無光、無影無蹤的空氣， 卻蘊含了作者的無盡心意——既是純真高尚的愛情又是無限的人生追求， 那樣真切地支配著作者的生命，又那樣緲遠，可望而不可及。大多數人何嘗不是如此! 2、橫斷模式。這類詩歌截取一個生活片斷或者意識片斷，描寫一系列形像，或者使用一系列比喻，以抒發作者感情，表現作者的意識。許多寫景詩正是這樣。要儘可能創造意境。如杜甫的《春望》。 3、縱貫模式。這類詩歌以作者觀察點的推進為線索，隨著時間的推移或者空間的展開，把所見所聞所感觸融成一體。如賀敬之的《回延安》。這類詩歌一般較長，多是敘事詩。 4、升華模式。這類詩歌一般分為兩部分，前邊是較平緩的鋪墊，後邊翻出新意，造成引人注目的突進，使情思與意境升華到一個新的高度。 「言志」的舊體詩詞大都採用這種模式，前邊寫景，情景交融， 後邊寫「志」，志中有情。如毛澤東的《沁園春.雪》。 5、串珠模式。這類詩歌由幾個並列的相同結構並有部分相同詩句的部分組成。反覆詠嘆。《詩經》較多這類詩歌。

6、自白模式。直接抒發感情，使用論斷式的議論，又稱議論模式。淵源流長，浪漫主義大都採用抒情化議論，即自白。政治詩、哲理詩許多屬於這種「傳統自白」。這種自白不容易寫好，首先作者必須達到一個時代最高層次的認識及體驗的水平。我國80年代「第三代」詩歌大部分都屬於「自白」詩。與前期浪漫主義自白不一樣，當代詩歌中的自白可以稱為「反傳統的自白」：有意擺出反傳統——反對文化、審美、個性、理性乃至詩歌自身的架式，其實不過將題材限定在個人生活體驗主要是本我感受的圈子裡。多用第一人稱，不拘格律，以日常口語袒陳自己對生活的感受甚至隱私，有時觸及社會，進行某種程度的批判。「自白」詩歌對語言、形式和意味更加強調，甚至寫娛樂性的記錄性的詩歌，自稱為「玩」詩歌。作為詩歌整體的一種探索，「自白詩」可以說有從社會批判意義轉為個體生命肯定意義的歷史作用。 7、象形模式。詩行排列成中心形象的形狀，成為象形圖案。如法國詩人阿波利奈爾的《被刺殺的和平鴿》。 又如台灣詩人白荻的詩歌，猶如一幅山水畫(詩行從右到左，字詞從上到下)， 比喻流浪者如遠離山林湖水的一株絲杉。 8、現代模式。從西方現代派詩歌移植而來的。在內容和形式上與傳統詩歌明顯不同，而且認為內容即形式、形式即內容，因此更加重視形式創新。寫的是個人與社會、自然、 他人甚至自我的*和荒誕，反映了資本主義社會高度發展所帶來的精神危機、變態心理、悲觀絕望和虛無主義。強調錶現內心——實際上只是變幻多端，高深莫測的本能(慾望，尤其是*) 和下意識。採用的方法主要有：①思想知覺化， 即抽象的肉感。把抽象觀念和具體形象直接結合， 「象你聞到玫瑰香味那樣地感知思想(艾略特)」。如詩中的「力之舞」、「意志昏眩」、 「潮濕的靈魂在發芽」。②自由聯想。 這種聯想不是事物本身固有的，為大家所公認的，而是憑個人的直覺和幻覺寫出來的聯想。 如「陽光是從太陽里踢出的足球」。③語言形式隨心所欲地變化， 用於暗示某一瞬間的感覺、想像和精神狀態。 9、會意模式。這類詩歌的一些詩行排列成抽象的圖形， 顯示某種意義趨向。如《太陽下山》後半首的詩行排列， 暗示鐘聲在大風中高低起伏。 又如： 中秋月 桑恆昌 自從母親別我永去， 我便不再看它一眼， 深怕那一滴淚水 落下來 濕了人間。 五、詩歌的表現手法 詩歌的表現手法很多，我國最早流行而至今仍常使用的傳統表現手法有「賦、比、興」。《毛詩序》說：「故詩有六義焉：一曰風，二曰賦，三曰比，四曰興，五曰雅，六曰頌。」 ，一絕句：「三光日月星，四詩風雅頌」。這「六義」中，「風、雅、頌」是指《詩經》的詩篇種類，「賦、比、興」就是詩中的表現手法。這三種表現手法，一直流傳下來，常常綜合運用，互相補充，對歷代詩歌創作都有很大的影響。 運用也靈活多變，誇張、復沓、重疊、跳躍等等，難以盡述。但是各種方法都離不開想像，豐富的想像既是詩歌的一大特點，也是詩歌最重要的一種表現手法。在詩歌中，還有一種重要的表現手法是象徵。象徵，簡單說就是「以象徵義」，但在現代詩歌中，象徵則又表現為心靈的直接意象，這是應予注意的。用現代的觀點來說，詩歌塑造形象的手法，主要的有三種： 1．比擬。劉勰在《文心雕龍》一書中說：比擬就是「或喻於聲，或方於貌，或擬於心，或譬於事。」這些在我們前面列舉的詩詞中，便有許多例證。比擬中還有一種常用的手法，就是「擬人化」：以物擬人，或以人擬物。前者如徐志摩的《再別康橋》：輕輕的我走了，／正如我輕輕的來；／我輕輕的招手，／作別西天的雲彩。／那河畔的金柳，／是夕陽中的新娘；／波光里的艷影，／在我的心裡蕩漾。把「雲彩」「金柳」都當作人來看待。以人擬物的，如，洛夫的《因為風的緣故》：……我的心意／則明亮亦如你窗前的燭光／稍有曖昧之處／勢所難免／因為風的緣故／……以整生的愛／點燃一盞燈／我是火／隨時可能熄滅／因為風的緣故。把「我的心」比擬為燭光，把我比作燈火。當然，歸根結底，實質還是「擬人」。 2．誇張。就是把所要描繪的事物放大，好像電影里的「大寫」「特寫」鏡頭，以引起讀者的重視和聯想。李白的「桃花潭水深千尺，不及汪倫送我情」（《贈汪倫》）「飛流直下三千尺，疑是銀河落九天」（《望廬山瀑布》），其中說到「深千尺」「三千尺」，雖然並非事實真相，但他所塑造的形象，卻生動地顯示了事物的特徵，表達了詩人的激情，讀者不但能夠接受，而且能信服，很驚喜。然而這種誇張，必須是藝術的、美的，不能過於荒誕，或太實、太俗。如，有一首描寫棉花豐收的詩：「一朵棉花打個包／壓得卡車頭兒翹／頭兒翹，三尺高／好像一門高射炮。」讀後卻反而使人覺得不真實，產生不出美的感覺。 3．借代。就是藉此事物代替彼事物。它與比擬有相似之處，但又有所不同，不同之處在於：比擬一般是比的和被比的事物都是具體的、可見的；一方具體，一方抽象，在具體與抽象之間架起橋樑，使詩歌的形象更為鮮明、突出，以引發讀者的聯想。給思想以翅膀，給感情以衣裳，給聲音以彩色，使流逝變幻者凝形。 運用視角所攝取的素材去描繪畫面，還可以運用聽覺、觸覺等感官所獲得的素材，從多方面去體現形象，做到有聲有色，生動新穎。白居易的《琵琶行》中的音樂描寫，「大珠小珠落玉盤」一段，更是十分逼真，異常精彩！現代的如黃河浪的《晨曲》：「還有那尊礁石/在固執地傾聽/風聲雨聲濤聲之外/隱隱約約的/黎明/靈泉寺的晨鐘/恰似鼓山湧泉的/悠遠回應/淡淡淡淡的敲落/幾顆疏星/而漲紅花冠的/雄勁的雞鳴/彷彿越海而來/啼亮一天朝霞/如潮湧。這首詩也寫得很好。所以我們如果掌握了用聲音塑造形象的手法，那將為詩歌創作開拓一個更加廣闊的領域。 無論是比擬、誇張或借代，都有賴於詩人對客觀事物進行敏銳的觀察，融入自己的情感，加以大膽的想像，甚至幻想。可以這樣說，無論是浪漫派也好，寫實派也好，沒有想像（幻想），便不成其為詩人。比如，以豪放著稱的李白，固然想像豐富，詩風雄奇，而以寫實著稱的杜甫，也寫出了諸如「安得廣廈千萬間……何時眼前突兀見此屋……」（《茅屋為秋風所破歌》）和「香霧雲鬟濕，清輝玉臂寒。何時倚虛幌，雙照淚痕乾。」（《月夜》）等等浮想聯翩的佳作。 六、詩歌的辯證 詩歌是有藝術生命的，只有嫻熟運用辯證的技巧才能寫好它。 從主客體關係上有主觀與客觀、有我與無我等； 從藝術構思上有形與神、虛與實、大與小、藏與露、全與不全、抽象與具象、有限與無限、似與不似、單純與複雜、誇張與寫實等；從藝術表達上有疏與密、曲與直、斷與續、出與入、正與反、抑與揚、巧與拙、生與熟等；從藝術風格上有華麗與樸素、自然與雕飾、強烈與沖談、陽剛與陰柔、沉著與飄逸等。 1．有我與無我：我，是自我意識。無我，是對自我的超越，而非取消個性。無我，一是指忘我，即心靈自由馳騁，和外物交融在一起，達到物我兩忘的境界；二是指大我，指國家、民族和時代。有我才能真誠，有個性。無我才能不受限制並有普遍感和歷史感。 2．有限與無限：有限指具體的詩句；無限指詩句中的內涵。 3．虛與實：實是通過對客觀形象的描繪而直接傳達給讀者的信息。虛是讀者通過聯想和想像而間接獲得的信息。虛實結合一是化實為虛，如「化景物為情思」，二是化虛為實，把抽象感情與哲理賦予具體而生動的形象，運用比喻。 4．小與大：小與大指的是描寫對象。一味寫小會限於瑣屑；一味闊大則流於張狂。浪漫主義比較闊大。愛情詩易於瑣屑。毛詩過「大」。一是應當小大相形，如「飄飄何所似？天地一沙鷗」。二是以小見大，「紅杏枝頭春意鬧」，「窗含西嶺千秋雪」。 七、詩歌的語言 好的詩歌就是有較深的思想內含及外延，能夠高度地概括現實生活和人們的思想感情。是通過生動的文學語言，刻畫出鮮明的藝術形象，進而把讀者帶入到那個美妙的意境之中，達到較高的藝術效果。 具體詩歌語言要求是： 1、通俗易懂。寫作中我們常用一些比喻的手法，但是這些喻體一定是人們所常見的，能夠迅速在人們的頭腦中形成一個完整的影象。如果影象太遠，那麼人們就會有一種模糊感，這樣不利於傳唱。而清晰的影象則可幫助人們理解歌詞。象我們剛流行過的＜兩隻蝴蝶＞就是個很典型的例子。親愛的，你慢慢飛，小心前面帶刺的玫瑰。親愛的，你張張嘴，風中花香會讓你沉醉。親愛的，你跟我飛，穿過叢林雲看小溪水－－－－－一下就抓到了人們的思想感情，一下就把人們帶到了那種意境之中。 2、歌詞寫作中的另一個寫作技巧，就是要語言精練，準確。歌詞的語言精練很重要，一個字能表達的意思決不用兩個，這需要語言的基本功，需要把握語言的能力。這個基本功不是一朝夕能練就的。需要閱讀大量的書籍，積累大量的辭彙，才能完成。杜甫說：「讀書破萬卷，下筆如在神」這話總結的很精闢，只有破萬卷書，行萬里路，才能順手拈來。在這點上，我覺得杜鑫的未知數就寫的很到位：「沒有出路，就不如給我祝福，讓愛情光榮地結束。沒有祝福，到少也能給點幫助，讓彼此坦成地認輸。沒有幫助，最好也能劃分清楚。讓身份不太模糊－－－－語言非常精練準確。 3、具體注意事項有三： 一是多義性，既有表層義，又有深層義。主要用象徵手法。如松梅雪竹、長城、百合花等。傳統象徵過於理性，形成僵化的套路。還有暗示、雙關、婉轉等。二是跳躍性，超過任何文體語言。因為表現心理快速活動。不要任何介詞、連詞等中介質－－關聯詞。如「雞聲茅店月，人跡板橋霜」。還可以邏輯混亂，任意交錯。如時間和空間交錯。如《背時的愛情》中詩人與古代的美人談戀愛。三是可感性，要有色彩感、立體感和具體感（化抽象為具象）。詩中有畫。 八、詩歌的音樂美 新詩有音樂美、繪畫美、建築美的「三美」之說，而且影響深遠。我理解音樂美就是詩歌的旋律和韻腳；繪畫美就是引導讀者的思緒隨文隨字，凝思共鳴所展現出來的一個場景；建築美就是文章的邏輯結構、節奏、段落等表現出來的美感。詩歌的意境浸透在繪畫美、建築美之中。 在各種文藝形式中，詩歌是最活潑、最有親和力的一種。它和散文結合，成為散文詩；和戲劇結合，成為歌劇。它和繪畫所使用的工具雖然不同，但是互相滲透和影響的關係卻顯而易見。古希臘抒情詩人西蒙尼德（Simonides）說：「詩為有聲之畫，畫為無聲之詩。」我國的張浮休也說：「詩是無形畫，畫是有形詩。」蘇東坡則說：「少陵翰墨無形畫，韓干丹青不語詩。」筱筵說：「朗誦詩歌會浮現出作者所描述的畫面里，譜寫詩歌會浮現出作者所想像的畫面里。」都指出了詩與畫的密切關係。至於詩歌和音樂的關係就更密切了。西方的文藝理論認為詩歌和音樂部屬於時間藝術。音樂是藉助聲音構成的，詩歌也要藉助聲音來吟誦或歌唱，而聲音的延續即是時間的流動。中國古代第一部詩歌總集、詩經。中的每一篇都可以合樂歌唱。《墨子?公益篇》里有「弦詩三百，歌詩三百」。《詩經》風。雅、頌的區分也是由干音樂的不同。詩和樂象一對孿生的妹妹，從誕生之日起就緊密地結合在一起。詩，不僅作為書面文字呈諸人的視覺，還作為吟誦或歌唱的材料訴諸人的聽覺。 既然詩歌和音樂的關係如此密切，那麼在寫詩的時候自然會注意聲音的組織，既要用語言所包涵的意義去影響讀者的感輸又要調動語言的聲音去打動讀者的心靈，使詩歌產生音樂的效果。 1、押韻 押韻也是形成中國詩歌節奏的一個要素。押韻是字音中韻母都分的重複。按照規律在一定的位置上重複出現同一韻母，就形成韻腳產生節奏。這種節賽可以把渙散的聲音組成一個整體，使人讀前一句時預想到後一句，讀後一句時回想起前一句。有些民族的詩歌，押韻並不這樣重要。例如古希臘詩，古英文詩、古梵文詩。據十六紀英國學者阿期查姆所著的《教師論》，歐洲人與詩用韻開始於義大利，時當紀元以後，中供紀曾風行一時。德國史詩《尼布隆根之歌》，以及法國中世紀的許多敘事詩都是押韻的。文藝復興以後。歐洲詩人向古希臘學習。押韻又不那麼流行了。十七世紀以後押韻的風氣再度盛行。到近代自由詩興起，押韻的詩又減少了。但中國古典詩歌是必須押韻的，因為漢語語音長短，輕重的區別不明顯，不能藉助它們形成節奏，於是押韻便成為形成節奏的一個要素。 中國古典詩歌的押韻，唐以前完全依照口語，唐以後則須依照韻書。魏晉以後才逐漸嚴格起來，並出現了一些韻書，如李登的《聲類》。呂靜的《韻集》。夏侯詠的《四聲韻略》等，唐代孫怖根據《切韻》刊定《唐韻》，此書遂成為官定的韻書。宋淳祜年間平水劉淵增修《壬子新刊禮部韻略》，索性把《廣韻》中可以同用的韻部合併起來，成為一百零七韻，這就是「平水韻」。元末陰時夫考訂「平水韻」，著《韻府群玉》，又並為一百零六韻。明清以來詩人作詩基本上是按這一百零六韻。但「平水韻」保存著隋唐時代的語音，和當時的口語有距離，所以在元代另有一種「曲冊」，在完全按照當時北方的語音系統編定的，以供寫作北曲的需要。顯著名的就是周德清的《中原音韻》，此書四聲通押，共十九個韻部。現代北方曲藝按「十三轍」押韻，就是承襲《中原音韻》的。「十三轍」符合現代普通話的語音系統，可以作為新詩韻的基礎。押韻是同一韻母的有規律的重複，猶如樂曲中反覆出現的一個主音，整首樂曲可以由它貫穿起來。中國詩歌的押韻是在句尾，句尾總是意義和聲音較大的停頓之處，再配上韻，所以造成的節奏感就更強烈 2、節奏 合乎規律的重複形成節奏。春夏秋冬四季的代序，朝朝暮暮晝夜的交替，月的圓缺，花的開謝，水的波盪，山的起伏，肺的呼吸，心的跳動，擔物時扁擔的顫悠，打務時手臂的起落，都可以形成節奏。 節奏能給人以快感和美感，能滿足人們生理上和心理上的要求，每當一次新的迴環重複的時候，便給人以似曾相識的感覺，好像見到老朋友一樣，使人感到親切、愉快。頤和園的長廊，每隔一段就有一座亭子，既可供人休息，又可使人駐足其中細細觀賞周圍的湖光山色。而在走一段停一停，走一段停一停這種交替重複中，也會感到節奏所帶來的快感與美感。一種新的節奏被人熟悉之後。又會產生預期的心理，預期得中也會感到滿足。節奏還可以使個體得到統一、差別達到協調、散漫趨向集中。眾人一起勞動時喊的號子，隊伍行進時喊豹口令，都有這種作用。 可見，僅僅是節奏本身就具有一種魅力。 語言也可以形成節奏。每個人說話聲音的高低、強弱、長短。各有固定的習慣，可以形成節奏感。這是語言的自然節奏，未經加工的，不很鮮明的。此外，語言還有另一種節奏即音樂的節奏，這是在語言自然節奏的基礎上經過加工造成的。它強調了自然節奏的某些因素，並使之定型化，節奏感更加鮮明。詩歌的格律就建立在這種節奏之上。然而，詩歌過於遷就語言的自然節奏就顯得散漫。不上口；過於追求音樂節奏，又會流於造作。不自然。只有那件既人損害自然節奏而又優於自然節奏的、富於音樂感的詩歌節奏才能被廣泛接受。這種節奏一旦被找到，就會逐漸固定下來成為通行的格律。 中國古、近體詩建立詩句的基本規則，就是一句詩必須有一個逗，這個逗把詩句分成前後兩半，其音節分配是：四言二二，五言二三，七言四三。林庚先生指出這是中國詩歌在形式上的一條規律。並稱之為「半逗律」。他說：「『半逗律』乃是中國詩行基於自己的語言特徵所遵循的基本規律，這也是中國詩歌民族形式上的普遍特徵。」揭示了「半運律」，我們才能解釋為什麼有的句子湊成了四、五、七言卻仍然不象詩，原因就在於音節的組今不符合這條規律。揭示了「半逗律」，還可以解釋為什麼六言詩始終未能成為主要形式，就因為二二二的這種音節組會無法形成半逗，不合乎中國詩歌節奏的習慣。 一個有趣的現象是四言詩覺得節奏比較呆板，五七言則顯得活潑，其奧妙也在於音節時組合上。四言詩，逗的前後各有兩個音節。均等的切分，沒有變出。五七言詩，逗的前後相差一個音節，離變化於整齊之中，讀起來就覺得活潑。 四言二二，五言二三，七言四三，這是構成詩句的基本格律。符合了這條格律。就好像為一座建築物樹起了柱子。至於其他格律，如平民、對仗，不過是在這柱子上增加的裝飾而已。中國詩歌的格律似乎很複雜，說穿了就這麼簡單。 九、詩歌的分行分段 形象性、抒情性和音樂性，是詩的三大特點。分行、分段和押運是屬於音樂性（也稱節奏）的範疇。一首好詩，是以感情統領全局的，是靠感情物化了抽象為意象，來打動讀者的。引進西方分行，加強節奏感和旋律感以達到音樂性的效果。 1、分行適應詩情而長短、疏密、參差。詩行遵從詩歌內在律－－情緒節奏，其外形是將內心情緒視覺化展示出來的結構形式。惠特曼表現開國時開拓豪放、自由浪漫的情感，詩行很長，猶如新大陸疆界的廣闊蒼茫。馬雅可夫斯基表現了十月革命的劇變，詩行呈現樓梯形，起伏大，參差不齊。 2、詩行運用省略、跳躍，隨意性較大，產生新的結構意義。集中注意力去欣賞下一行－－強調最有價值、最光彩的語言。 3、分行更重視詩的視覺效果，從「聽覺藝術」變為「視覺藝術」。這是因為新詩內在的複雜性和多層性，難以直接通過朗誦來表達，只能用文字排列來保持詩意。卡勒（美）認為，一段文字是否是詩，未必取決於語言本身，而是取決於文字排列即視覺形式。 4、分行把視覺間隔化為聽覺間隔，顯示節奏。這是在閱讀中產生的效果。連在一起讀就無法顯示節奏。 哲理詩 哲理詩是表現詩人的哲學觀點、反映哲學道理的詩。這種詩內容深沉渾厚、含蓄、雋永，多將哲學的抽象哲理含蘊於鮮明的藝術形象之中。如陳毅的《冬夜雜詠.青松》：「大雪壓青松，青松挺且直。要知松高潔，待到雪化時。」。 主要分類一是沒有具體的意象的哲理詩。 　　這類詩的基本特點是有一定的詩意，但不夠含蓄，往往是「概念大於形象」。因而人們可以認為這不是上乘的作品。如：「被打倒的/沒人同情/擊倒他人的/反得一筆可觀的獎金」。 二是含有鮮明意象的哲理詩。 　　這類詩，之所以倍受讚賞，是因為具有兩個突出特徵：一是具有系列生動意象。二是含蓄，不露理。 　　如《豆芽》：好端端的子兒/無奈被人放進水缸/浸泡幾天幾夜變成/白髮蒼蒼老頭———/長長的鬍子/瘦瘦的身材/不像人也不像鬼/差強人意被逼/推向市場/可憐巴巴地/出賣形象/兜售青脆。 　　這首詩，使讀者產生強大的震撼力，人們立即聯想到被逼 「出賣形象」侵害*的種種罪惡交易。因此這類哲理詩，往往觸及重大社會主題，它的美學價值已經超越文學，而進入社會學、人類學範疇。當然，有的哲理詩，既不表現驚心動魄的情感，也不表達深不可測的哲理，有的只是表達一種生活情趣，給人們一種美感享受而已。如《翠竹》：別以為我身材苗條/鳥就不買我的賬/風老是欺負我/親一口就跑。 　　不管怎樣，我願意不厭其煩地強調的還是：哲理詩，首先必須是詩，要具備詩的內質。因此，意象要鮮活，主題要含蓄。儘管張先生某些詩尚停留於「生活注釋」之嫌，但總體觀，已經寫得十分老到了，不少佳作可稱之謂「精品」。 古代哲理詩著名哲理詩鑒賞　 　《過松源晨炊漆公店》 　　（宋 楊萬里） 　　 莫言下嶺便無難， 　　 賺得行人空喜歡。 　　 正入萬山圈子裡， 　　 一山放過一山攔。 　　 【哲理】詩人藉助景物描寫和生動形象的比喻，通過寫山區行路的感受，說明一個具有普遍意義的深刻道理：人們無論做什麼事，都要對前進道路上的困難作好充分的估計，不要被一時一事的成功所陶醉。 把握這首詩的主題時，首先應將文體定位——哲理詩，然後就能較快地知道，此詩明寫登山的感受，實為談人生哲理：在取得一定成績時，萬萬不可自得自滿，而應不斷進取。 　　 《雪梅》 　　（宋盧梅坡） 　　 梅雪爭春末肯降， 　　 騷人閣筆費評章。 　　 梅須遜雪三分白， 　　 雪卻輸梅一段香。 　　 【哲理】這的確是一首絕妙的哲理詩，無論在理致與筆趣上，都超過了前面提到的那首詩，它既有宋詩工巧細密之所長，又兼得唐人詩虛處著墨、意象微茫之特色。"梅須遜雪三分白，雪卻輸梅一段香"，評價梅雪，恰如其分。此詩好就好在：它能寫出別人詩中所有（雪似梅，梅似雪），又能寫出他人筆下所無（梅雪爭春，各具特長）。這首詠物詩，沒有寫景，沒有抒情，純屬議論，卻寫得如此生動，另具一格。 　　 《雪梅》 　　盧梅坡 　　 有梅無雪不精神， 　　 有雪無詩俗了人。 　　 日暮詩成天又雪， 　　 與梅並作十分春。 　　 【哲理】此詩深得梅與雪的天然風韻，且在吟詠之間，寄託了微妙的哲思與理趣。 　　 《題西林壁》 　　（宋 蘇軾） 　　 橫看成嶺側成峰， 　　 遠近高低各不同。 　　 不識廬山真面目， 　　 只緣身在此山中。 　　 【哲理】人們觀察事物的立場不同，就會得到不同的結論。人們只有擺脫了主客觀的局限，置身廬山之外，高瞻遠矚，才能真正看清廬山的真面目。要認清事物的本質，就必須從各個角度去觀察，既要客觀，又要全面。 　　 《琴詩》 　　（宋 蘇軾） 　　 若言琴上有琴聲， 　　 放在匣中何不鳴？ 　　 若言聲在指頭上， 　　 何不於君指上聽？ 　　 【哲理】美妙的樂曲是一個有機整體，而整體都是由若干相互影響、相互制約的部分、要素構成的。在樂曲、琴聲中指頭、琴、演奏者的思想感情、演奏技巧等部分、要素是相互依存、缺一不可的，它們之間是相互影響、相互制約的關係，存在著緊密的聯繫。唯物辯證法認為，普遍聯繫的根本內容，就是事物內部和事物之間的矛盾雙方的聯繫。因此，這首所揭示的，就是琴、指頭和琴聲三者之間的矛盾關係。如果把演奏者包括在內，那麼，演奏者的思想感情和技能與琴、指之間的關係，又可以看作是事物的內部矛盾（內因）和事物的外部矛盾（外因）之間的關係。前者是音樂產生的根據，後者則是音樂產生的條件，兩者缺一不可。