當油畫遭遇音樂|有些跨界是驚喜，有些跨界是驚嚇！

06-03

小藝讀畫

帶您從油畫看世界

繪畫與音樂之間的在系，迪斯尼玩得很溜

在所有的藝術門類中，音樂與繪畫的關係可能是最為緊密的了。所以才會有「音樂是流動的繪畫，繪畫是凝固的音樂」這樣的比喻。在眾多畫家的筆下，以音樂為主題的作品層出不窮，比如說下面這幅法國立體派畫家巴洛克的名作《賦格》。

喬治·巴洛克賦格（JS BACH）

作為一個接受過古典音樂教育的藝術家，他企圖用幾何的形態來表現巴赫（賦格曲）的音樂本質。其中內在的關聯，無疑是在數學性的內在一致與和諧上做文章。

畢加索彈曼陀林的少女

喜歡這麼做的畫家還有很多，比如畢加索、惠勒斯、還有我們下面要說的康定斯基。如果畢加索與巴洛克的想法一樣，那惠勒斯則是從色彩與畫面的調性上與音樂取得內在的共鳴。

惠勒斯藍色和銀色的交響曲：老巴特西橋

事實上，僅從兩種藝術的專業術語上來看，它們之間也存在著驚人的一致，甚至相互借用。而油畫與音樂相遇的途徑，其實還有很多。

比如在某些現代派音樂中，個別作品並不是以音響的形式作用於聽眾的耳朵，而是以畫面的形式或表演的形式作用於觀眾的眼睛，使聽覺藝術異化為視覺藝術。

喬治·克拉姆神奇的無限循環（曲譜）

聽說譚盾博士學位的答辯作品《死與火——與畫家保羅·克利的對話》，就是跟據克利的七幅畫寫的。在七段樂段中，其中有一個標題居然來自同一張畫《嘮叨的機器》，而且也同是第四個樂段。

保羅·克利嘮叨的機器

今天的讀畫，小藝就與大家聊聊這個話題。但是當油畫遭遇音樂，有些會給我們帶來驚喜，而有些則可能是「驚嚇」。

1跨界玩票

自娛自樂挺好

油畫遭遇音樂最直接也是最直觀的一種形式，莫過於是玩音樂的人直接跨界畫畫了。我們不說諸如音樂家彪德西那樣遙遠的例子，只說兩個當下我們熟悉的搖滾歌手。都說畫同人心，讓我們從畫里來看看音樂人的內心。

竇唯自畫像

小藝要說的第一個是竇唯，這張自畫像看著像應該是他年輕的時候。據說他突然喜歡上畫畫是在1990年，看得出來，他應該沒有專業學習過油畫，是一個全憑感覺下手的愛好者。從他向下的眼神，擴音器和麥克風豎直構圖看，他應該是個很自信，甚至很孤傲的人。

這兩張作品貌似作於1999年，色彩進步了些，氛圍表達也不錯，有點20世初巴黎畫派和野獸畫派的影子。那時他已經與王菲離婚，音樂上也開始遠離市場，慢慢轉向了民樂，活在了自己的世界中。不管出於何種動機，我想這兩幅畫應該是在愐懷吧。

他最喜歡畫的是百合花。在色彩上又有了進步，從他不急不徐的筆觸可以看得出來，他在畫畫時很安靜，甚至很享受畫畫的過程。一個人在自己專業的領域待久了會很乏力，難道這就是竇唯自我療傷的方式? 如果這樣，倒是個不錯的主意。

第二個玩跨界的是鮑勃·迪倫

鮑勃·迪倫自畫像

與竇唯的自娛自樂不同，鮑勃·迪倫則是一個開起了畫展的音樂人。雖然他的咖位比竇唯要高得多，畫也賣得不貴（2000美元），但作為一個藝術機構我不得到說句公道話。除了他音樂上的成就，我真不知道高古軒是怎麼看上他的畫的。

鮑勃·迪倫色彩上的表現力比竇唯要強上不少，空間處理也要稍強一些，但造型能力讓小藝很無語，幾乎全是「紙片人」。德國有些評論家居然將他的畫與蒙克和馬蒂斯來比較，幾乎嚇得小藝快尿了。

馬蒂斯自畫像

與鮑勃·迪倫的自畫像倒是挺像，但是神韻嗎小藝就不說了

小藝承認他很有靈性與才氣，但是「故意畫得不像」和「怎麼都畫不像」、「選擇表現手法」和「被選擇表現手法」之間還是有很大差別的。

蒙克吶喊這幅畫很適合表現小藝此刻對那位藝評家崩潰的心情

還有，與竇唯一樣，看來玩搖滾的與野獸派內在的精神氣質確實很像。只是竇唯畢竟是中國人。看看他畫的百合花，借小田馨的話來說：「咱們中國文化強著呢！」

一如即往的「紙片人」，與前面幾幅作品相較，我甚至感覺到了某種退步：充滿了激動而不是激情，顯得潦草而不是才氣，橫溢著一股子躁勁。聽說鮑勃·迪倫為了畫展一口氣畫了數百張，我想應該就是這些作品吧。倒是最後一張小速寫有點閑庭信步，是享受繪畫本來該有的樣子。

2致敬「音樂」

向音樂致敬

還是視覺奇觀

看完兩位搖滾音樂人的跨界玩票之作，我們再看一看這兩天在網上很火的一組作品。畫家小藝就不說了，我們先看畫。

莫後禪院（莫文尉像）

朋克寺（誘導社樂隊雷霖像）

很紮實的專業寫實功底（說句實話，央美出來的人都這股味，請正面理解小藝這句話），也很符合這個時代的對視覺奇觀的追尋。雖然油畫表現力、音樂概念、中國重彩工筆、和山水意象的嫁接有點生硬，但在視覺奇觀這一點上，畫還是成功地吸引了我一把。莫文尉說很震撼，小藝表示很同意。

望川樓（搖滾歌手望笑天）

爾剌邑宮Arai Palace（荒井壯一郎像）

只是在油畫本體語言的探索上，也就是繪畫性上弱了些（照片畫，離超寫實現還差著點距離），我想美院的那些教授們可能評價不會太高吧。當然也可能是小藝沒有看到原作的原因吧（但願我是錯的）。聽說目前在日本展出，這種死扣細節和宏大敘事，又帶有點二次元風的審美調調，他們應該是喜歡的。

3通感神作

我的名字叫

Illuminated Manuscript

說到音樂與繪畫深層次的相通，那就不得不說起繪畫史上的這位大神：康定斯基了。作為一個能達到專業水準的大提琴手，他的繪畫與音樂一直就有著不解之緣。

甚至可以說音樂在他開創當代抽象畫派的過程中，起到了舉足輕重的作用。在他的藝術名作《點、線、面》中，對繪畫的各個要素和音樂要素之間的應對關係，便做了深入而系統的探究。

他常常把繪畫用音樂的術語來描述，還曾形象地用樂曲的彈奏來比喻畫家的創作：「色彩好比琴鍵，眼睛好比音錘，心靈彷彿繃緊著弦的鋼琴，藝術家就是彈琴的手，它有意按動著各個琴鍵，以激起心靈的和諧的震動。」

他會把繪畫當作由各種視覺要素所構成的交響樂，稱其為「色彩的大合唱」。他說：「繪畫是不同世界雷鳴般的碰撞……每一件作品的創造恰似宇宙的創造一樣——通過各種樂器渾然一體的喧囂所形成的有如洪水爆發的那種巨大聲響，來創造一支交響樂，創造一支天球的音樂。」

除了繪畫的與音樂內在結構的相似，他還對色彩與音樂人的心裡感受之間的關係有著深刻的理解：「藍色是典型的天空色。它給人最強烈的感覺就是寧靜。當藍色接近於黑色時，它表現了超脫人世的悲傷，沉浸在無比嚴肅莊重的情緒之中。藍色越淺，它也就越淡漠，給人以遙遠和淡雅的印象，宛如高高的藍天。藍色越淡，它的頻率就越低，等它變成白色時，振動就歸於停止。在音樂中，淡藍色像是一隻長笛，深藍色好似一把大提琴，最深的藍色可謂是一架教堂里的風琴……」