日本動畫的角色設計，一部複雜而有趣的演化史

對於一部動畫而言，角色設計是最困難的環節之一，而角色設計也正是日本動畫中頗具代表性的部分。上期我們分享過的內容「你名」與「國家隊」的角色設計師想跟你聊聊人設那些事 就是在討論這件事情。

今天，我們帶大家來回顧一下日本動畫角色設計的發展歷程吧！看看會不會有什麼有趣的事情刺激到你~

一、上世紀60年代

早期的日本動畫角色設計受到了迪士尼的影響。角色的瞳孔會設計成巨大的橢圓形，並且佔據了人物臉部的很大一部分；角色的身體由基本形狀組合而成。

手塚治虫是對這種設計影響最大的人，他的早期作品幾乎都以此為特色。例如1963年的《鐵臂阿童木》或1969年的《多羅羅》。

時至今日，這種眼睛的風格仍很流行。現在被稱為「萌系」的作品就可以追溯到那時，我們可以從京都動畫的作品中認出這種眼睛的風格。

很明顯，當時的這種設計並非取材於現實，而是基於對豐富情感表達的需要，這也表明在那個時代現實主義並沒有真正成為設計師的著力點。進入上世紀70年代後，情況就發生了大變化。

二、上世紀70年代

上世紀70年代初的《明日之丈》里的矢吹丈是劃時代的角色，他的出現象徵了更複雜的設計開始出現。矢吹丈的角色外觀設計更加成熟，儘管頭髮很簡單，服裝也不那麼細緻，但他代表著不同於60年代卡通風設計的重大轉變。

這一時期的設計師還開始考慮解剖學，嘗試塑造真實的身體比例。

之後的《宇宙戰艦大和號》的角色設計展現出更多的細節和多樣性。觀眾可以從衣服和頭髮辨認出角色，而不僅僅是通過他們的臉。

三、上世紀80年代

對現實主義的追求與多樣化審美的結合，使上世紀80年代產生了眾多非常好的風格。

60年代受歡迎的孩子主角重新出現。將1982年的《超時空要塞》里的一條輝與《鐵臂阿童木》做對比，就會發現設計更真實，更成熟。

1988年的《飛越巔峰》極大地考慮了人體解剖，尤其是女性角色的身體。服裝也成為了具有個性的物品；頭髮的設計從一個靜態的塊狀發展成動態的部分，使頭髮真正成為角色身份的一個組成部分。

女性角色的設計在這一時期變得非常流行，並開始成為一個焦點，而不僅僅是一個情愛對象或刻意推動情節的配角。《超時空要塞》的林明美就是一位非常成功的角色。

《銀河英雄傳說》中，劇中的兩個主要對手，楊威利和萊因哈特幾乎是靠不同頭髮來定義角色。

另一個巨大趨勢是成熟男性的設計。通過誇張的寫實肌肉和血管來展現角色成為上世紀80年代的主流。這種非常經典的設計，我們今天仍可以在《JoJo的奇妙冒險》中看到。

在上世紀80年代中，影片《阿基拉》可能是最具象徵性的角色設計。大友克洋的獨特設計推動了動畫效果的展現，動畫里難以置信的細節也增強了影片的效果。大友克洋的角色面部設計十分複雜，得以讓角色表達出豐富的情感。

簡單卻引人注目的服裝恰好提升了表現力。以金田正太郎的服裝為例，那就是一套紅色的連衣褲，但又極其具有威信感，使得角色看起來像來自異世界。

島鐵雄的布料披風就是一塊簡單的紅色布料，但它變成了他身體的一部分，在風中飄動的怪物的一部分，並且與他的其他服裝形成對比。這種變化將一個普通的少年變成了一個恐怖的反派。

這部影片也顯著提升了角色設計的標準。

四、上世紀90年代

上世紀90年代是角色寫實主義設計的巔峰時期。解剖學被充分地研究。科幻作品的流行讓人們真正地探索解剖學這個概念。數字動畫的誕生，使動畫角色能夠保持精度。

《攻殼機動隊》中草薙素子這個角色被繪製得絕對精準。影片最突出的一個場景是片末她與坦克的戰鬥中義體損毀的片段。她的骨骼、肌肉和比例都是精確的。實現了震撼的效果。

《攻殼機動隊》里所有的設計都在展現人類和技術之間的對比：巴特巨大的機械體格與他對草薙素子脆弱的感情的對比；抵制義體化的陀古薩，使用經典的左輪手槍來表達他更具有人類一面的生活方式。

好的角色設計是能夠表達出內涵的，《攻殼機動隊》里的設計就是好的典範。這種真實的設計趨勢在之後幾十年的好作品中得以延續。

今敏的《未麻的部屋》是另一個極度使用寫實主義的例子。

未麻的身體設計得比較柔弱，不像《攻殼機動隊》里的硬朗角色。電影通過危及柔弱的身體來創造緊張的氣氛。在影片末尾的打鬥戲中，女主角的受傷讓人多麼不安。影片通過如此寫實的角色設計表達出強烈的視覺衝擊力。

《星際牛仔》的設計當然不能不提，該片的角色設計可能是最酷的。每個角色都被設計得個性鮮明。

斯派克的爵士范髮型和西裝反映出他隨遇而安的個性。費的暴露著裝顯示了她對自己女性吸引力的自信。杰特的硬漢設計，禿頂的頭髮和簡單的著裝展現了其直截了當的個性。

上世紀90年代的另一面則是對80年代的延續。動畫《聖天空戰記》在《超時空要塞》明亮浮華的風格上，加入一些必要的複雜性來打造得更精緻。它採用了老派的設計。人物設計也很複雜。給人一種日式角色扮演遊戲的感覺。該片從上世紀80年代的寫實主義轉變到非寫實設計：在頭髮中加入反射光，成為當時的一種潮流。

機器人動畫的角色設計繼續發展。《新世紀福音戰士》在設計這些角色時喜歡利用顏色做對比。該作中的機器角色都有自己獨特的顏色。這種手段以往被用於人物設計。

五、90年代末和21世紀初

90年代末和21世紀初，動畫作品數量暴增，大量的工作室不得不為較小的市場做更多的實驗項目，這極大促進了角色設計的數量和發展。

這一時期出現了一場非常有趣的實驗動畫浪潮。《玲音》和《幻影死神》這類作品以暗黑著稱。這些實驗性角色大多基於傳統設計。只需稍作調整以適應作品所需的氣氛。

玲音的眼睛和頭髮與主流設計並沒有很大差異，只有一些用以區分的細微差異。因此把《玲音》的角色稍做調整，就可以變為輕鬆喜劇表演設計的角色。

SHAFT公司推動了實驗性設計的流行，其作品諸如《物語系列》和《魔法少女小圓》的設計非常受歡迎。

21世紀早期，京都動畫的設計自然是無法繞開的。當我們探討那種水靈靈眼睛的萌系動畫風格時，京都動畫真的是頂峰。《Air》和《Kanon》的設計都非常可愛。

京都動畫在後面幾年裡改進了這種風格。例如《輕音少女》。角色設計仍然很可愛，但角色的眼睛設計得更微妙更簡單。

在過去的15年里，很多設計師試圖複製京都動畫的特點。京都動畫幾乎開創了一種獨特的風格，可以說是現在大家都在談論的那種萌系風格的影響源。

六、最近十年

近年來，角色設計向各個方向發展。即使是最細微的細節都能成為角色自己的風格。再想追蹤所有特點的發展幾乎成為不可能。但你總能看到一個設計源於何處。

我們可以從《天元突破》的女性設計中看到和《飛躍巔峰》的角色強烈相似。

湯淺政明的實驗作品《海馬》中的設計幾乎是對上世紀60年代的極簡設計的致敬。

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無論動畫角色設計發展成什麼樣子，這些最初的設計所帶來的感動與回憶都不會消失。歡迎學術趴的小夥伴們在評論中分享你所鍾愛的經典角色設計吧。

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