抄襲大師、精神病人、社交恐懼，當下活著的藝術家誰最值錢？

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前陣子，梵高的《星空》、《向日葵》被搬到了大熒幕上，上上世紀創作的油畫讓一百多年後的人們依舊心生感動。

藝術的魅力就在於此。相較於身前鬱郁不得志、死後畫作值上億的梵高式悲慘人生，今天Major要安利幾位當代藝術家要幸運得多。

儘管藝術之路免不了一些坎坷，他們卻成功做到活著的同時還很賺錢，用自身的影響力讓藝術商業化。

「我的作品既俗又貴」

傑夫·昆斯@美國

/ 傑夫·昆斯（Jeff Koons）

美國當代著名的波普藝術家。不鏽鋼雕塑作品《懸掛的心》曾在紐約拍出2600多萬美元的高價，創下了在世藝術家的成交價新紀錄，成為拍賣場上作品最值錢的在世藝術家。在蓬皮杜藝術中心的個展被譽為史上最成功的展覽，吸引了65萬人。

你一定見過傑夫·昆斯的這隻氣球狗，蘇富比拍賣行對它的估價達1億多，儘管看著有些艷俗，卻足夠讓他榮登當下最貴藝術家的寶座。

和安迪·沃霍爾一樣，傑夫·昆斯常常語出驚人：

「

在這個資本泛濫的社會裡，藝術品不可避免地要成為商品……我們不要再兜圈子了，還是一上來就當藝術品是商品一樣生產吧。

」

這並不妨礙他成為活著的最有錢的當代藝術家之一，成名於上世紀80年代的昆斯，也被認為是繼安迪·沃霍爾之後最重要的波普藝術家。

曾經，在新表現主義藝術盛行的1970年代，昆斯是個完全不被接受的異類，作品的市場反應非常冷淡。為了繼續藝術創作生涯，他去華爾街當起了證券經紀人，同時一邊進行創作。

這大概是一段背後很有故事的商海經歷，從此，傑夫·昆斯保持了商業人士的精明頭腦，從骨子裡散發出對金錢的敏感。

△ 凝視球系列為35張手繪的翻版名畫安上藍色玻璃球，觀看時自己的投影也是畫面的一部分。

在與村上隆、草間彌生、James Turrell等藝術家合作過之後，LV也將目光停在了這位掉進錢眼裡的藝術家身上，推出俏皮的合作款系列。

這次傑夫昆斯乾脆直接抄起了名畫，Speedy、Never Full等LV經典型號被重新改編，印上了傑夫·昆斯精心挑選的梵高和達芬奇。這些包包的設計看起來跟美術館旅遊紀念品沒什麼不一樣，每個售價卻高達3200美元。

《蒙娜麗莎》達芬奇

《獵虎》魯本斯

《麥田與柏樹》梵高

《少女與狗》法拉格納爾

《瑪斯·維納斯·丘比特》提香

好奇心永存的老頑童

大衛·霍克尼@英國

/ 大衛·霍克尼（David Hockney）

被稱為「最出名的英國在世畫家」。他常有大膽出位的言論，對自己的同性性取向絲毫不遮掩。作品充滿象徵主義，從拼貼攝影到歌劇舞台技術，通常色彩明麗大膽，空間感很強。

年過八旬的藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）因許多事而被世人所熟知，比如作為畫家的高超技藝，也是一名攝影師、繪圖員，又比如他對波普藝術所做的貢獻。許多人認識霍克尼，都是始於一幕游泳池的場景。

△《Pool with Two Figures》（1972）

△《Jerry Diving Sunday》（1982）

△《Paint Trolley L.A》（1985）

早在1961年，霍克尼就在作品中對LGBT進行探索創作，包括那幅名為《我倆男孩相依系》的畫作。

△《We Two Boys Together Clinging》（1961）

後來幾年，厭倦了英國教條主義的霍克尼跑去了洛杉磯，因為那兒有令他著迷的」陽光、海水和性」。崇尚個性、自由的美國給了他更多的色彩靈感，構圖簡潔、人物關係暗藏微妙的霍克尼式典型風景畫，正是他1960至70年代的作品。

△《Peter Getting Out of Nicks Pool》（1966）

△《A Bigger Splash》（1967）

△《Christopher Isherwood and Don Bachardy》（1968）

從一開始並不情願研究自己，到各種不同時期的自畫像，霍克尼對不同媒介總是懷著孩子般的好奇心。他對所有能做出圖像的東西都感興趣：畫筆、照相機、傳真機、激光影印機、iPad……儘管年齡漸長，但他從來不拒絕探索新鮮事物。

《Self Portrait, Karlsbad》（1970）

《Self Portrait Gerardmer France》（1975）

《Self Portrait Oct. 24th》（1983）

《Self Portrait with Red Braces》（2003）

《Self Portrait》（2012）

霍克尼在1980年代開始拍照片創作拼貼作品，他將大量不同視角、方法的影像組成一個大尺幅的影像總和。《梨花盛開的公路》就是他的拼貼名作，它打破了對於世界的單點透視，變成幾十個不同視角，來觀察加利福尼亞州羚羊谷的一條沙漠公路。

△《Pearblossom Highway》（1986）

作為高產且受歡迎的藝術家，大衛·霍克尼身上最吸引我們的，大概就是永無止境的好奇心和創造力了吧。直到進入他的晚年創作生涯，他的作品仍然看上去新鮮、年輕。

密集恐懼症的剋星

草間彌生 @日本

/ 草間彌生（Yayoi Kusama）

日本最有影響力的前衛藝術家之一，其標誌性的波點是一種生命的象徵。她從小患有精神病，被大量幻覺困擾，因此她眼中的世界也帶上了獨特的顏色。

草間彌生的名氣是絕大多數在世藝術家無法匹敵的，她的展覽分分鐘叫人大排長隊，也是多次來中國刷存在感的老朋友了。去年迎來88歲的她如今擁有了自己的第一家美術館，在去年10月1日於東京新宿開放。

暖黃色燈光與白色建築裡面，隱藏許許多多絢麗的波點，構成草間奶奶真正表達的東西。美術館主要展出作品《我們永遠的靈魂》，一開幕官網票就被搶完了，足以說明草間奶奶的人氣和魅力。

《我們永遠的靈魂》系列是草間彌生70年藝術人生的集大成者，也是她從2009年起創作的500幅作品。推算一下她的創作速度，實在驚人——除去雙休日，她平均每2~3天就得完成一幅。

人的側臉、眼睛、顯微鏡下的小生物，在草間彌生的獨特視角下極具衝擊力，好像有一種要溢出的生命力。

2016年《時代》雜誌評選「世界最有影響力的100 人」中，草間彌生作為唯一一位日本人赫然在列。

△草間彌生放在日本直島的大南瓜，她說「南瓜總是讓我笑，它們是蔬菜里最幽默的」

除了「波點」、「南瓜」這些草間式的標籤，她的創作更是涉獵廣泛，橫跨了繪畫、軟雕塑、裝置藝術、行為藝術、寫書、電影、歌劇、時尚等多個領域，而真正讓她開始聞名於世的，還屬那些無窮無盡的鏡面房間。

無限鏡屋：陽具原野（1965）

無限鏡屋：永恆消失的結果（2009）

無限鏡屋：愛在召喚（2013）

無限鏡屋：百萬光年之外的靈魂（2013）

無限鏡屋：我對南瓜永恆的愛（2016）

心裡住了個小女孩

奈良美智 @日本

/ 奈良美智（Yoshitomo Nara）

上世紀90年代日本波普藝術的重要人物。因無心念書被武藏野美術大學退學後，跑去歐洲當了三個月背包客，轉進愛知縣立藝術大學讀美術讀到研究所畢業。當了幾年高中美術老師，1988年又跑去德國杜塞道夫藝術學院流浪，展開當代藝術風格的創作。

說起奈良美智，腦海立刻跳出那個屬於他的小女孩小森，總是一副嘟囔不滿的斜視表情，偶爾會帶著一隻小狗。

△《萌芽使者》（2001）

這個形象是如此讓人過目不忘，也被奈良美智復刻到了與品牌的跨界合作上。

日本表參道MoMA Design Store慶祝10周年的時候，推出了限定合作款紀念商品——以「Welcome Girl」和「Solid First」再創作的四輪滑板。貼上奈良美智的名字之後，滑板一經發布就被搶購一空。

△《Skateboard Nara Girl on top of skull》紅色款

△《Skateboard Nara Girl on top of skull》白色款

看得出來，奈良美智對大眼睛的大頭娃娃相當著迷，並擅長為她塑造各種帶有情感的眼神。創作的靈感來源於他在1980年代訪港的時候，看見一位大眼、額高、可愛而邪惡的小女孩，受到啟發才畫出了這個角色。

△《午夜的真相》（2017）

很多人說，那是奈良美智憤世嫉俗的象徵，不如說是保持純粹、未社會化的自我。奈良美智討厭紐約、東京這樣的繁華大都市，討厭長大後的正襟危坐、西裝筆挺，認為農村生活才是一個人探索世界的天堂。

△《不眠之夜（坐）》（1997）

日本愛知縣的豐田美術館去年辦過一場《for better or worse》的展覽，讓奈良美智從1987年至2017年三十年間的100件代表作齊聚一堂。來自國內外美術館和個人的藏品之齊全，讓人覺得，大概是最後一次如此規模的展了。

△《BLANKEY》（2012）、《不能等到晚上》（2012）、《夜之死》（2016）

會場展出了奈良美智的早期畫作、草稿、一整面牆的唱片和許許多多的大頭娃娃畫。

△《隨著火的心臟》（2001）

被藝術耽誤了的動畫師

村上隆 @日本

/ 村上隆（Takashi Murakami）

超扁平（Superflat）運動創始人（一種受日本動漫影響而專註於御宅族文化和生活方式的後現代藝術風格）。他曾於多個世界著名的展覽場辦展，包括2001年在東京當代藝術館、2002年在倫敦蛇型藝廊、2007年洛杉磯當代藝術館和2008年紐約布魯克林博物館等。

說起村上隆的代表作，肯定是一簇簇色彩鮮艷的太陽花了。「超扁平」、「幼稚力」這兩個詞，足以概括他的作品風格。

村上隆從小對動畫感興趣，高中畢業後本想把動畫師當做畢生追求，無奈畫工實在不及格，入行時被現實狠狠教育了一頓。於是他把心一橫繼續進修，在考了兩次大學入學試均落敗後，終於被東京藝術大學收了學日本畫。

學完傳統日本畫，村上隆依舊對動漫懷有深深的執念，他很誠實地把日本御宅族熱愛的漫畫、電玩和日本特有的情色文化進行放大與販賣。這體現了村上隆的創作特色，他不止一次提到，日本整個社會就是「超扁平」。

△在去年的哆啦A夢東京展上，村上隆負責主視覺，招牌微笑小花的大背景下，藤子·F·不二雄老師老師與他的主人公們，一同搭乘時光機穿越將來。

「動漫的審美體驗是獨特的，它會打動你未泯的童心，激起你對童年的美好回憶。」他的作品形象扁平，集合可愛、性幻想與極端暴力於一身，帶有濃厚的卡通漫畫色彩，卻同時在影射日本文化內涵，因此也頗具爭議性。

1996年，村上隆以作品《Mr DOB》發表《超扁平宣言》：「將來的社會、風俗、藝術、文化，都會像日本一樣，都變得極度平面（two-dimensional），今天日本電玩和卡通動畫風靡世界就是證明。」

△村上隆酷愛收集陶藝，去年在日本青森縣的十和田市現代美術館辦過展

2003年，村上隆把「熊貓」、「櫻花」圖案印到路易?威登的皮包上，從此開啟了藝術商品化的道路，個人藝術事業也迎來了高峰。

那些笑容燦爛的太陽花、牙齒尖銳的米老鼠 Mr. DOB、五顏六色的大眼水母，既可以陳列在美術館裡，被視為日本流行文化的提純和諷刺，也可以印在 T 恤、背包、球鞋、手錶上，成為潮流商品的標識。

△村上隆牌巧克力餅乾

至於他的藝術商業到底有多成功？來看一組數據，他的公司在2011年營業額高達三億美元，他的作品《727》以超過一億日元的高價賣出，是當下日本作品拍賣價格最高的現代藝術家。

說說你偏愛的當代藝術家？

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