攝影藝考| 安德里亞·古斯基新作評析

作者：林路

這兩年，人們也許對德國攝影家安德烈斯·古斯基（Andreas Gursky）不再陌生，他所拍攝的紛繁複雜、令人稱奇的彩色圖片，刻畫了當代世界的本質特徵：從高科技產業、國際市場、一流的體育運動以及人類對自然的掠奪等等。從他的祖國德國，到遙遠的地方如香港、巴西利亞、開羅、紐約、斯德哥爾摩、東京、巴黎、新加坡、洛杉磯，他不斷拓展和延伸他的視野。2008年2月14日，索斯比拍賣行在紐約舉辦的紅色情人節專場慈善拍賣會上，古斯基攝影作品《平壤四號（Pyongyang IV）》以137.5萬美元的價格售出，作品尺寸高約3米，寬約2米。下圖為另兩幅表現平壤的畫面，異曲同工。

這次慈善拍賣活動旨在為「抗擊艾滋病、肺結核和瘧疾全球基金」籌集善款。為了與情人節的主題搭配，拍賣會上的大部分藝術品均為紅色主題。其中來自英國的當代現代藝術大師達米·赫斯特（Damien Hurst）為此次拍賣捐獻了七件作品，U2樂隊主唱Bono在拍賣會的開場酒會上演唱了披頭士的名曲All You Need Is Love。這次拍賣會總共籌集到善款約四千萬美元。

古斯基的作品《99美分（99cent）》曾在2007年2月倫敦索斯比一個當代藝術品拍賣會上以334萬美元的價格成交，從而保持攝影作品的最高拍賣紀錄長達一年之久。當時曾經有一篇有趣的評論如此說到：「一幅作品能夠賣出什麼價格，關鍵還是要看怎麼賣的（That might suggest that how an artwork is sold plays an important role in defining how much it can sell for）」。無獨有偶，今年1月以340萬美元打破古斯基保持的記錄的理查德·普林斯（Richard Prince）的作品同樣是在一場當代藝術品拍賣會上創下的，這成為這句評論最好的註解。

然而對於古斯基來說，攝影並非是一種表達的工具；相反，和我們習慣看到的不同的是，它成為一種構造現實的工具。攝影家聚焦於密集的人群和擁擠的空間，以便營造一個全球化的星球，一個生產和交易的場所，同時又是一個資源耗盡卻又充滿閑暇的社會。我們在他最新的一系列作品中（大部分拍攝於2007年）依舊感受到這樣一種風格的存在。新的主題的延伸包括科威特的股票市場，或者是法蘭克福俱樂部的內部設計。

我們看到，和原先主要專註於單幅作品不同的是，古斯基越來越喜歡拍攝成組的畫面。這些主題也從風景和哥特式教堂的窗口延伸到F1賽場和朝鮮規模宏大的集會。我們看到：在風景的類型中，「杜拜的世界」是從高處俯瞰的一群島嶼，如此的高度，如同上帝的視點，具有神性的創世紀的感受。那些如同器官的曲線，使島嶼如同未曾觸摸般的純凈，好像是地球上不可能存在的天堂。當然，這的確是一些人工的島嶼，是由泄洪和泥沙堆成。如果將鏡頭拉近，可以看到沙土上分布的挖泥船。數千年來，自然已經被人類的雙手所改造，改造成農耕地，公園以及花園，於是真實的自然已經蕩然無存。古斯基的畫面暗示說：儘管人們已經有足夠的財富購買這些人工的島嶼，然而這些人工構建的地球上的圖案，只不過是一種「想像中的美麗」而已。

還有，教堂的窗口傳統上是由透光的彩色玻璃構成，是神聖的殿堂和外面的世界之間的一層膜，介於繪畫和建築之間。然而在攝影家的哥特式建築的窗戶中，我們驚訝地發現建築的圓柱居然沒有隔絕窗戶的視野——輕而易舉地被數碼技術修掉了，讓哥特式建築的內景顯得更為神聖。在法蘭克福以及F1的賽車場，古斯基選擇了黑色的背景，從而營造出一種舞台的光線和特殊的氛圍。他越來越多地選擇了數碼處理技術，通過計算機將單幅的畫面拼貼成一個整體。在法蘭克福古典時尚的拼貼過程中，具有了現代化的意味，同時也因此呈現出時間和空間的連續性，就像是電影一樣。

古斯基常常將他的工作方式和畫家進行對照，其中的一個原因，也是和他所使用的大畫幅照相機相關。同時合成的方式也強化了這樣一種畫意的效果。於是他的作品和貝歇夫妻所構成的多幅作品獨立組合的方式形成了差異——儘管他們同樣使用大畫幅相機。同樣是德國日耳曼的血統，貝歇夫妻堅持他們紀實的攝影文本，只是更為強調他們的主觀的視點而已——他們始終在純攝影和主觀的個性之間進退維谷。而作為這一流派的後來者，包括托馬斯·魯夫和古斯基，更是將這樣一種進退兩難的困境推向了極限。

總而言之，古斯基擅長於捕捉20世紀後期經濟和社會的本質，濃縮在諸如「99美分」這樣的作品中。同時他也將獨特的視點，注入了社會學的因素，比如近來完成的朝鮮系列。作品能拍賣出高價，也就並非偶然。同時也讓我想到這樣一句流行的話語：細節決定成敗——大畫幅相機和紛繁的細節，構成了他成功的堅實基礎。然而最終導致成敗的，還是大腦後的思維方式。

上圖為麥當娜的演唱會，找找看，麥當娜在哪裡？