業餘音樂人如何平衡作曲編曲混音等方面？

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完成一首作品需要融合多種能力，涉及到的細節也非常多。你肯定意識到了，作為一個音樂製作人，在這個信息爆炸的時代，知識已經多到學不完，除了音樂以外，生活中還有那麼多美好的事物等著我去體驗。

但是身邊也有一些大牛，一邊忙的別的事兒，每個月還能在網易雲音樂上發布一兩首高水平原創原創。同樣是24小時，為什麼差距那麼大？

同樣的時間投入，會有完全不同的回報，這就是認知效率的不同。認知效率低的人，都在做低水平的勤奮。牛人真正的秘訣是在最精華的資源上，以高很多倍的認知資源來學習，所以認知效率是你的很多倍。

了解音樂製作全流程是必須的，但並不是每一塊都值得深入研究，更沒必要在一些並不是那麼迫切的技能上花費太多時間。

對於業餘音樂人而言，應多關注創作而不是製作，混音和母帶很容易交給其他人來來完成，創作能力才是一個音樂人的生命。

認知心理學認為，成人學習有三個前提要求的時候效率最高，有目標導向、有即時反饋的最近發展區。簡單的說—— 能解決當下的問題，學了有地方用的，難度適中的知識最有效。

我認為學習音樂製作最好的方法是：概覽一下音樂製作這門學科的全貌，先學習一些通用技能，掌握一些分析音樂作品的方法，之後以完成具體作品為目標進行學習。

假如你現在聽音還比較薄弱，那麼花一段時間著重訓練視唱練耳，我認為是值得的，耳朵是做音樂的基礎，在你聽音樂，演奏樂器時都應用。但此時花很多時間去研究混音中一個音色處理手法我認為就沒必要了，這不是完成作品的關鍵因素。

所以你反過來也能理解——為什麼刷那些《音樂人必看的XX人聲處理小技巧》的微信文，對你意義不大，這些認知資源的目的性弱、缺乏實踐環境、難度不一。

那些標題黨的在線講座，比如《一節課教你做出XXX》，更是憑空創造出一個「需要解決的問題」。你回頭思考下——這是你當前的問題嗎？這是你當前的水平嗎？這是你學了就能用的東西嗎？

少即是多，把資源集中在真正迫切的地方。

隨著科技的發展，編錄混的界限已經越來越模糊，許多聲音採樣合成技術，也廣泛被應用在創作中，音樂製作這個學科，只研究兩樣東西——音樂和聲音。

音樂製作人得保證自己有一樣得心應手，能夠流暢演奏並且能夠長期堅持練習的樂器，有的同學同時學習多門樂器，那更應該分清主次，練琴是比較花時間的，一個階段只能關注一樣。

一首歌曲拋開歌詞和演唱，可以從作曲，和聲，配器的角度去分析運用了哪些音樂技術，其實，有許多優秀作品在音樂技術上的應用並不是很複雜。

當你入門音樂製作後，你會發現學習的難點又回到了音樂本身，一些基礎薄弱迫切需要解決問題，例如視唱練耳，節奏，和聲，還得查缺補漏。

和聲其實只是音樂的一個基礎架構，不一定非要用很高深的和聲才能寫出好歌，學了三和弦就先用三和弦，學了幾個和聲進行，就去找用過這幾個和聲進行的經典曲目來分析。

學習的目的就是解決問題，找到迫切需要解決的問題，學一些學完就能馬上用，立見成效的東西。永遠不存在完美的作品，每個階段結合自己所學所想，把作品做出來才是目的。

隨著音樂能力的提升，能夠比較輕鬆的有所學知識去分析音樂，能編出一些較成熟DEMO時，就可以在製作技術方面多投入一些資源了。

製作技術，分為通用能力和聲音採樣合成技術。通用能力是一些些比較實用，較容易學習的，通過一兩個歌曲案例的製作就能上手。

通用能是每個音樂製作人必須掌握的，例如：搭建自己創作聆聽環境，音樂軟體操作，錄音配唱，小編製作品的混音等，這其中同時涉及到項目能力和一些具體的執行細節，例如怎樣去規劃一個製作項目，怎麼用有較低的承恩把作品DEMO做出來，怎樣與歌手樂手溝通等。

電子音樂製作，一些特殊音效的製作，都會要運用聲音採樣與合成技術，這裡涉及到許多音頻信號原理，效果器原理，合成器編程方面的知識，但我認為，對於業餘音樂人而言，這方面的學習反倒是可深可淺。

聲音合成技術就像電影裡面特效，像科幻大片對於特效的依賴程度比較高，往往需要大製作，沒有技術積累的小團隊玩不了。而一些小成本的電影，比如像《驢得水》，核心在於故事講得好不好，演員的表演是否到位，特效只是錦上添花的，打磨劇本和斟酌表演上的細節更重要。

八九十年代還在用開盤磁帶錄音，沒有現在這麼便捷豐富製作手法，一樣誕生了那麼多經典專輯。排練好了再進碰錄音，整個樂隊一氣呵成，混音更多是做一些潤色的工作。樂隊化音樂，其實不需要太多聲音合成技術，重點在於創作和演繹。

你聽過的音樂，彈過的曲子，都是積累。你現在有多少能力，就找比你現有能力稍微難一點點的作品臨摹模仿學習，把每個階段的學習成果轉化成作品。

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