設計形態「承載」藝術理念，「裝置化」服裝設計如何深得名校考官青睞？

服裝設計與裝置藝術是兩個獨立的藝術形態，同學們很少會將這兩個概念聯繫在一起。

然而，如果將裝置藝術貫穿於服裝設計之中，在服裝設計發散思維、實驗研究、成品展示等各個環節都融入裝置藝術，使它們充分聯繫在一起，將會有意想不到的效果。

下面，本期周二portfolio+專欄，康石石將按照服裝設計的不同階段，為同學們闡釋如何將裝置藝術與服裝設計雜糅交錯，從而使自己的設計作品更具藝術性。

一、什麼是裝置藝術

裝置藝術，即為「形態+材料+情感」的組合形式。按照解構主義藝術來說，世界即是「文本」，而裝置藝術完美地宣示了這種觀念。但裝置的意象，就連創作它的藝術家也無法完全把握，「讀者」可以自由地按照自己的理解進行解讀。

裝置藝術不受藝術門類的限制，它擁有很多其他藝術門類不具備的特點，比如介入和參與，較強的互動性。另外，由於裝置藝術是使用生活中已消費或未消費材料進行創造與製作，所以基本上沒有收藏價值。

二、裝置藝術與服裝設計的結合

1. 項目靈感階段

裝置藝術，可以作為整個設計項目的靈感而存在。大多數裝置藝術源於生活，或者來源於生活中一些有趣的元素。而設計，往往也源於生活，因此二者就像找到了興趣相投且品味極佳的友人。

同學們在設計前期可以多參觀一些藝術展，它一方面能夠對於尋找話題或者社會認同點有所幫助，另一方面能夠幫助同學們了解到當代藝術的追求趨勢。同學們可以將這些裝置藝術作品展示在自己的sketchbook中，便於記錄自己的調研過程。

2. 設計實驗階段

裝置的構成，能夠推動服裝設計實驗的發展。服裝設計草圖大多是以2D平面的形態存在，而服裝畢竟是3D立體形態的。運用裝置藝術的方法，先將服裝外形結構製作出來，可以有效避免服裝設計在從2D向3D轉換時的落差感。

3. 服裝實現階段

在服裝設計領域，很多大師級作品，其實就是一件件「移動的裝置」。

1）川久保玲

川久保玲早在1980年代前期就已經聲名遠播，其服裝設計以不對稱、曲面狀而受到關注，並在業界引起巨大震撼。自那時起，川久保玲就一直在為設計實驗而奮鬥，永遠創造著遠超時裝界流行的原型與概念服裝。

她的意識遠在服裝之外，她能夠將服裝變為實現自己意識的載體。因此她設計風格是不受人體限制，經常呈現誇張的、曲線型的建築輪廓。

2）麥昆

麥昆早期的服裝作品充滿爭議性，有英倫壞男孩稱號的他一直把面料與廓形當作裝置藝術作品來重構，甚至在服裝設計中直接使用綜合材料，可以說是裝置藝術與服裝設計結合的鼻祖。在他前衛的概念背後，有著驚世駭俗的想像力與高超的技藝。

3）Iris van Herpen

Iris van Herpen的設計，經常會產生一種令人窒息的未來藝術感。她尤其擅長改變服裝本身的材質，運用當今最流行的科技技術進行創作，並且輔以誇張的造型。

在Iris van Herpen的很多設計中，她將傳統縫紉手工藝與快速原型3D設計相結合，同時加入建築結構。比如，她將塑料材料切割成條狀，使用機械加工中的「3D激光燒結」工藝形成三維立體效果，再使用服裝人工縫紉手法進行縫合。

4）安特衛普

安特衛普皇家藝術學院，其學生設計作品，將裝置藝術發揮得淋漓盡致。

5）中央聖馬丁

三、裝置藝術與服裝領域的融合

1. 品牌文化

對於一個服裝品牌來說，裝置藝術能給予它生命力。在很多奢侈品牌的官網上會有art這個選項，包含品牌文化、設計理念、跨界合作等內容，其中大部分以當代藝術與裝置藝術的形式呈現。這一方式通過講述故事的形式，使消費者與該品牌產生共鳴，有利於品牌形象的優化。

2. 品牌店面

裝置藝術，還可以運用於品牌店面的設計，很多服裝買手店和年輕品牌的店面都開始融入藝術風格與個性化設計，比如川久保玲旗下的dover street market，其店面類似一個藝術展館，在各個品牌陳列中間以一些大型裝置作為裝飾，從而將零售變得有趣。

川久保玲：「我希望創造一個讓各領域眾多藝術家在魅力而又混沌的氣氛中進行創作的集市——富有強烈個性的同時，讓同一族類的靈魂們集聚一堂。」

Final：藝術與設計是沒有邊界的，裝置藝術也越來越多地被運用於服裝設計之中，受到中央聖馬丁、安特衛普等很多服裝設計頂級院校的關注與認可。同學們在創作服裝設計作品集的過程中，不必局限於拼貼、繪畫等形式，可以通過在人台上直接加入靈感元素的方式，便於設計實驗的快速進行，得到直觀的效果反饋，從而更加快速地做出調整和修改。

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