中村亮介的演出風格（二）：站樁嘴炮的解決方案

封面來源：《魍魎之匣》

關於上期中提到漫改動畫時出版社的主導權，這幾天小編想起一個很有名的例子。2006年MADHOUSE製作的TV動畫《NANA》第一集播送前，八卦雜誌《夕刊富士》忽然爆料來自於所謂關係人士的消息：「由於前兩集的內容被製作方大幅改寫，惹怒矢澤愛老師，幾乎要鬧到播送取消的地步」。

官方對這條八卦沒有做出任何回復，而前兩集也按時播送。內容和漫畫的開頭相比，敘事確實進行了前後順序的調整和一些刪節，但劇情本身沒有原則性的變化，根本談不上 「大幅改寫」。這使得當時的觀眾都認定這是八卦雜誌無中生有的炒作。然而一個多月後，奇妙的事情發生了，《NANA》第六集播出時觀眾發現，第六集把第一集的劇情幾乎重演了一遍！只是加了點內容調了些順序，和原作漫畫更加接近，有興趣的讀者可以自己對比一下原作漫畫和第一第六兩集。這動畫界極其罕見的單插一集讀檔重練狀況，讓我們對其中可能發生的爭議浮想聯翩。

而《NANA》第一集的演出，就是本文主角中村亮介和該片監督淺香守生共同進行，分鏡則是淺香監督自己畫。當然無論我們怎麼浮想，在沒有官方信息的情況下，我們對這條八卦消息並沒有求證的方法。然而有趣的是，在當時淺香監督關於《NANA》的訪談中，同樣大談原作改編。其內容也和中村監督上一期中的言論基本一致，先是對原作帶來的束縛大吐苦水，之後還搬出《銀河天使》的監督經歷來感嘆故事和分鏡的自由並表示分鏡負責人就是作品的神（您也不想想能有幾個片比《銀河天使》更自由啊）。這一老一小不約而同的感嘆，讓我們對《NANA》的浮想得到了不少狀況證據的支持。不過無論是考慮到大人的事情，還是小編有限的能力，都不允許本文進一步深挖。

幸好，這類束手束腳的情況在丸山社長的努力下，在MADHOUSE的漫改作品中還是相對少見，而中村監督更是不久後就接到了稀有形式的活兒——京極夏彥原著小說《魍魎之匣》的TV動畫化改編。當時不僅是中村監督自己，整個MADHOUSE實際上都沒有多少小說改編的經驗。不過正如他自己提到的，漫畫的畫面對於分鏡有所束縛，而小說形式反而有助於動畫畫面方面的自由發揮，但是自由度的增加並不意味著難度的降低。他同樣要面對他自己的原則「不對原作忠實而是誠實」。本作又應該對什麼誠實？需要體現怎樣的演出意圖？

下面介紹基本不含劇透，請未看過《魍魎之匣》的讀者放心閱讀。

中村監督實際上並不是一開始便參與《魍魎之匣》動畫化的企劃。他參加項目時，故事劇本已經完成到了最終話，西田亞沙子已經畫好了以CLAMP原案為基礎的人設草圖，以第一話為主的美術設定也已完成。實際上這類監督中途加入的情況相對少見，估計裡面又有什麼大人的事情。不過他讀完腳本看完人設後開讀原作，立刻被京極世界吸引，一氣讀完後，拍板決定接盤。

京極堂人設。原畫紛紛叫苦這個頭身要坐著演戲構圖超難的有沒有。

看到CLAMP的人設原案後，監督的第一感覺就是影像必須往抒情甘美方向走。而他為這片畫面演出上定下的基本視覺概念是「光與影」。全片所有鏡頭的layout都設計為光影並存，原則上不存在任何一個明暗均勻的鏡頭。

但是光影的並存並不是隨便交給原畫去打影子就算，本作中監督引入的重要流程，就是在分鏡階段就會加上光源和陰影。通常的TV製作中，這一流程往往會被留到layout後才進行。這一工程的提前意味著分鏡負責人對於畫面的控制力更強。這也是MADHOUSE出身的演出家共通的特色之一，他們的演出方式受MADHOUSE巨匠川尻善昭的影響極強。川尻習慣於自己負責作品的所有鏡頭，所有的lo和草原都自己親自上（工作量！）。而中村由製作進行身份進入業界，之前並無作畫經驗，卻也會在自己作品中親自原畫。這正是因為在他心目中，川尻的做法才是動畫監督的理想狀態。而包括他在內的MADHOUSE演出家們，儘管受到工作量和畫力限制，不能完全踏襲川尻的親力親為。但畫不了動畫，多說多寫總沒有問題吧。在分鏡階段進行的詳細指定，同樣可以增強分鏡對最終成片畫面的控制能力。

那麼這較強的控制能力究竟要用於解決什麼問題？看過本片或者原作的讀者應該知道，這部作品的大戲都在於嘴皮子——掉書袋搞推理，打嘴炮噴敵人。裡面有四到五集，整集就是幾個人屋裡在那或坐或站地說說說說說不停。所以分鏡的難點在於，這密閉空間里就那麼大點兒地方，角色位置還不動，那麼這站樁戲畫面要怎樣才能不重複不單調？

先看看前文提及的淺香守生監督的解決方案，他所負責的第六集分鏡就是三個人坐書齋里說了一整集。擅長少女漫畫改編的淺香監督，他尤其得意的是對於當前環境和狀況的利用，場面中的背景、物品、人物都為他信手拈來（擴展閱讀可以看看《花牌情緣》的屋內表現）。第六集中，他的運鏡在書齋中上下翻飛，各種小道具層出不窮，角色小動作抓耳撓腮，觀眾完全沒有覺得單調的機會。順便一提，這一話的作監細居美惠子就是中村監督之後的御用原畫拍檔，細膩的演技當時已經初露端倪。

淺香守生第六話分鏡，可見鏡頭的靈活之處和環境刻畫的細緻。另外和前面的光影視覺概念匹配的是，除了已經加了陰影外，第二格眼鏡處的高光和透過光指定。中村表示畫那麼細可以直接放個大拿去當lo了。

第七集依然是這三位窩在書齋里說說說，而負責分鏡的是浜崎博嗣。相比萬物皆為我用的淺香監督，浜崎尤其突出的是他的想像力。而第七集的談話內容多為怪力亂神的掉書袋，需要的正是這種妄想能力，為此中村監督專門找到浜崎請他擔任該集，最後各種畫風不同的傳說神怪，依靠浜崎對於構圖和鏡頭節奏的獨特感性，在這一集的現實和想像空間中來回穿梭，達成了一種充滿個性的奇妙平衡。中村自己也明言，這集分鏡比起成片來要激進太多。

浜崎博嗣第七話分鏡，可見畫風和正片比較起來相當不同，另外同樣在分鏡階段已經做了色彩和影的要求。

中村自己在《魍魎》中的分鏡演出更多受到浜崎的影響，他在本片中的分鏡特色正如前一期談俯瞰鏡頭時所提到的——他的鏡頭是主觀的，這和浜崎的調動想像力有共通之處。具體來說就是他的畫面創作一定會考慮到角色的視點。因為原作本也是重視視點的作品，劇情從關口和木場的視點展開，分別是關口視點中的各角色的心理變化，以及木場視點中的懸疑劇情推進。

而中村監督在視點方面的嘗試體現在他對於角色的代入和沉浸。比如第一話兩位少女的友情刻畫受到百合愛好者們的廣泛好評，但是監督卻明確表示自己對百合併沒有太深刻的理解，甚至因為對於百合和女同和S（以吉屋信子為代表的日本文學種類，來自於Sister的首字母，描寫少女和女學生間的強力羈絆和友好關係）分不清楚遭到此間行家的西田亞沙子大姐怒噴。但是監督表示，雖然我不懂百合，誰喜歡誰的心情我還是懂點兒的，我可以在代入角色的視點後，把感情描寫體現在分鏡之中，下圖是其中一例。

第一話中忽然百花綻放的咖啡廳in賴子視點

第一話的視點大多是女角色賴子視點，這位賴子和她所憧憬對象的同學加菜子正是成為話題的那對百合。其中最有趣的表現莫過於加菜子一旦說話，賴子視點的畫面馬上就開始脫離現實進入夢幻，周邊鮮花盛開，光風霽月。腳本村井貞行看到分鏡表示我根本就沒寫這麼一段啊什麼鬼，監督卻回答按賴子視點就該這麼畫。儘管本作的超自然要素十分有限，但是監督認為本作中應該允許世界觀隨著視點人物的變化而變，哪怕出現幻想式的鏡頭。多個視點的同時存在，使得即使是同一個角色的同一段戲，在不同角色的視點中也會呈現不同的表現方式。這就是中村相比於淺香的無所不用，和浜崎的奇想天外，他自己提出的避免站樁戲流於單調重複的解決方案。

來看他的一個演出例子，中村監督親自分鏡的最終話第十三集。為防劇透和讀者公眾場合出醜，這個視頻沒有聲音，請放心點擊。片段出自十三集14分22秒處，有興趣的讀者可自行尋來帶聲音的版本觀看。

點擊觀看視頻

這個角色被靜音掉的台詞是他在描述自己的理想。而很明顯這個角色的描寫分成了多個視點，而這些視點中的動作是不相容的。接近客觀的普通視點下的得意微笑，另一個視點中則是面露猙獰，再是眼爆血絲，以及最後狂人般雙手高舉。這些不同主觀視點在時間軸上的融合，給這段畫面賦予了極其高的感情密度。而迅速切換的鏡頭更是使得畫面不會無聊。

談了中村監督和其他幾位的不同解決方案後，這裡出現了一個分鏡控制力帶來的問題，各話分鏡都是老司機，資歷高能力強。分鏡既然是體現個性的不同解決方案，那麼監督要怎麼修改這些不同個性的分鏡來達成作品統一的風格？

結論上來說本片中，監督不修分鏡，他只剪。看過動畫和原作的讀者可能知道，全十三集很難容納整本小說巨大的內容，系列構成村井對於原作進行了大量的刪改。但即便如此，每話做完分鏡時一掐表，至少是成片時間的1.2倍，最終話甚至是1.5倍，總得刪點啥，然而手心手背都是肉，哪段都不捨得剁，監督愁得淚流滿面。而上面的監督自己的解決方案——多視點快速切換以糅合在同一時間軸上的做法，其實也是一個增加信息密度，從而節約寶貴片長的方法。

而對於其他人的分鏡，中村監督只根據時間需求進行刪減，而不修分鏡。他允許，甚至說有意追求不同的分鏡風格。而他統一世界觀的手法並不通過鏡頭，而是通過美術、色彩、攝影處理以及音響效果。前面提到的整體視覺概念「光與影」就是其中的重要要素，我們下期接著聊。

看來離談到大腿，還有很遠的距離。

（未完待續）

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