人物丨世界最貴女藝術家/喬治亞?歐姬芙

近年來女性藝術被提到了一個話題至高點，並且2018年泰特美術館將重點準備女性藝術展。逐漸風靡世界的女性藝術家及優秀作品層出不窮，她們在找回自我立場的同時，也在發出世界女性藝術家對權益的呼聲。今天，我們就先來認識一下世界上最貴的女藝術家——喬治亞?歐姬芙。

In recent years， women"s art has been raised to the highest point in the topic， and the Tate art museum has focused on the women"s art exhibition in 2018. Women artists and their excellent works are gradually growing popular in the world emerge in endlessly. They are also finding the voice of world women artists for their rights and interests while finding their own positions. Today， lets come to know the most expensive female artist in the world—Georgia O』Keeffe 。

丨最貴的花丨

喬治亞?歐姬芙是20世紀藝術大師之一，1920年代美國藝術家的經典代表。在2014年的蘇富比拍賣會上，她的一幅花朵畫作《曼陀羅/白色花朵一號》，拍出了4440萬美元的成交價格，遠超此前任何女性藝術家作品拍賣紀錄的三倍之多，成為有史以來最昂貴的女性藝術家作品。在拍賣現場，共有七位主要買家參與競拍。最後兩位志在必得的買家競爭達到了白熱化，並將價格持續推高，最終以遠超1500萬美元估價的價格成交。

但你不要以為這位偉大的女藝術家只有這一幅畫拍出了天價。早在1925年，歐姬芙的一幅《海芋》就已經以25000美元的價格賣出，是當時在世藝術家畫作的最高價。在紐約居住時期，歐姬芙創作了最著名的花卉系列，這些畫作在1925年展出時，將歐姬芙推到繪畫生涯中的第一個高峰，也奠定她作為1920年代美國代表性畫家的地位。

喬治亞?歐姬芙的畫作在市場上一直是廣受關注。作品中常充滿著同色調的細微變化，組成具有韻律感的構圖，某些時候歐姬芙畫中的物品外輪廓，讓觀者感到此物品的輕脆感。

在伊麗莎白?雅頓的美容沙龍的牆壁上曾掛著歐姬芙的一幅《曼陀羅》。這幾朵花在1936年就價值一萬美元，但伊麗莎白?雅頓特別喜歡它。她說，「我要這些花大膽熱烈的綻放，最好開滿整個牆面，當女人們化好了妝睜開眼睛，就會覺得自己跟花一樣嬌媚。」

「花卉系列」是喬治亞?歐姬芙最主要的代表作，她大規模的對花進行了研究，筆下的花看上去都是通過放大鏡呈現出來的，使你不得不仔細端詳它們。她本人說：「當你仔細注視緊握在手裡的花時，在那一瞬間，那朵花便成為你的世界。我想把那個世界傳遞給別人。大城市的人多半行色匆匆，沒有時間停下來看一朵花。我要逼他們看，不管他們願不願意。」

丨高價的原因丨

由之前的介紹，我們可以看出喬治亞?歐姬芙的畫作一直處於高價水平。現如今更是只要出現，就會創下高價的記錄。為什麼一幅簡單的花朵作品能拍出如此高價？這還得提及一個對她非常重要的人——她的丈夫，策展師和攝影師阿爾弗雷德?施蒂格利茨。

阿爾弗雷德?施蒂格利茨早期曾是畫意派攝影高手，後又成為純粹主義攝影的倡導者和寫實攝影的先驅者。他與一些藝術家積極向美國藝術界引進包括馬蒂斯、畢加索在內的歐洲前衛藝術家，對美觀現代藝術觀念轉變產生了重大影響，因此被譽為美國「現代藝術之父」。他利用經營畫廊的經驗向外推廣歐姬芙的畫作，極大地影響了她的藝術事業。他操控了歐姬芙作品的價格，散播關於她的故事，並鼓勵媒體把她筆下的花解讀成性的暗示，他常常說：「歐姬芙在自己的子宮裡畫畫。」 30歲時，歐姬芙已經成名了，她是在丈夫的畫廊291里首個舉辦個展的女性藝術家，隨後的20多場個展讓歐姬芙成為20世紀初被男性壟斷的藝術世界裡最成功的女人。如此種種天時地利人和的因素，讓歐姬芙的畫作大放異彩。

歐姬芙和施蒂格利茨相愛的時候，作為攝影師的施蒂格利茨就拍攝了大量的奧基夫的照片，很多乾脆就是裸體照，甚至可以說是具有明顯的色情意味，一些裸體照甚至被公開展出並引起公眾議論紛紛。才華橫溢的歐姬芙在這段時期也一改往昔的抽象畫法，獨樹一幟創作出她最知名的花卉作品，特點是近距離放大的花芯圖案細節，色彩簡單但產生強烈的視覺衝擊感。在一定意義上這種構圖應該是受到了攝影特寫技巧的影響。尤其是1926年創作的標誌性作品《黑色鳶尾花》被認為是用特寫的方式，從形狀到色彩含蓄表現了女性生殖器官，但也不失準確地描繪了鳶尾花芯的自然結構。換句話說就是通過描繪盛開的花卉來隱喻女性器官的本質和活力，把兩者奇妙完美的結合在了一起，儘管歐姬芙從來不承認這種關聯，在社會還是引起了廣泛的關注。

後來歐姬芙努力地想要擺脫這樣的成見，也懷疑那個被媒體和商業塑造的形象是否真的是她自己。她開始描繪新墨西哥的沙漠里動物的骨頭，在野性和抽象里尋找突破。1946年施蒂格利茨去世後，她搬進了新墨西哥，在沙漠里隱居。在那裡她精心修建了花園，南方的風景和氣候也讓她的衣著里出現了更多色彩和自由。繪畫風格雖然經歷了轉變，但她還是一如既往的潛心作畫。神秘的性格更讓人覺得她的畫不可捉摸。

她的作品一經問世，在引起轟動的同時，也引起無數的猜測，尤其在世紀之初的那個傳統勢力仍十分強大而又躁動著現代主義的時代。歐姬芙的藝術是需要解讀的，儘管關於她的評論不計其數，但她從不對自己的作品作出解釋，就像她的生活一樣，彷彿有一股神秘的力量在召喚，總是使她不停地出走，遠離人群，只在孤獨與靜寂中她才能與心靈對話。這樣心境下創作的作品也在市場上越來越受人追捧。

丨傳奇的一生丨

這樣一個神秘而具有魅力的女人自然會引起人們的好奇，人們渴望知道關於她更多的故事。她的這一生到底是怎麼渡過的呢？

1887年11月15日，歐姬芙出生在美國威斯康辛州的太陽草原市。14歲那年，隨家人搬至弗吉尼亞州的威廉斯堡。三年後，她於崔頓主教學院畢業，隨即奔赴芝加哥，在芝加哥藝術學院進行了為期一年的學習。近十年的不得志並沒有讓歐姬芙氣餒，她靠為廣告商進行藝術創作和教學來維持生計，堅持學習和繪畫。歐姬芙早年畫作有一定的臨摹痕迹，然而自從畫技日臻成熟，她便突顯出強烈的個人風格。她既不模仿20世紀初期的風格，也不迎合當下流行的品味，而是專註於自己的想法、大膽創作。

搬至紐約後，歐姬芙主要描繪紐約都市風貌和喬治湖的景色。1929年後，她第一次去到新墨西哥州，從此她發現了一塊新的生活聖地。當地的自然景觀和色彩強烈地吸引著她。此後，她每年都會到那裡去旅居和創作。經她描畫的山丘、石頭與峽谷，有著溫和的陰影與平滑的線條，呈現出一種豐滿的肉體感。即使是沙漠中的動物頭骨，也同樣呈現出優美的人體曲線。歐姬芙在喬治湖畔畫了不少的寫生作品，透過史蒂格利茲經營藝廊的經驗，也陸續以相當好的價錢賣出許多作品，這些作品裡開始是一些水彩或素描，後來大多數都是油畫，而且越畫越大張，主題也越來越豐富。

1915年，歐姬芙嘗試用炭筆繪畫了一個抽象系列，並寄給紐約的朋友欣賞。朋友將作品推薦給291畫廊的阿爾弗雷德?施蒂格利茨，阿爾弗雷德?施蒂格利茨被歐姬芙的才氣打動，當下決定將這系列畫作展出。1916年5月，歐姬芙的10幅炭筆畫在291畫廊的聯展正式展出（當時施蒂格利茨並未通知歐姬芙，展出之後歐姬芙方才得知）。

1917年，歐姬芙由於身體原因，搬到溫暖的德州居住，開始與阿爾弗雷德?施蒂格利茨通信。施蒂格利茨深深愛上了與眾不同的歐姬芙。在之後的一生中，他們一共交換了多達 25000 頁的信。1919年，阿爾弗雷德?施蒂格利茨邀請歐姬芙搬回紐約，並因此與當時的妻子離婚，於1924年和歐姬芙結婚。

這一年，她開始了最著名的花卉系列，大幅的花朵內部微觀圖，以微妙的曲線和漸層色，組成神秘又具有生命力的構圖。這一系列畫作在1925年展出時，將歐姬芙推到繪畫生涯中的第一個高峰，其中一幅「海芋」以兩萬五千美元賣出，是當時在世藝術家畫作的最高價。也奠定她代表1920年代美國畫家的地位。

1946年，阿爾弗雷德?施蒂格利茨過世後，歐姬芙遷居到新墨西哥州的阿比丘鎮，並在那兒定居下來。在整個1950年代，歐姬芙畫了許多泥磚屋等建築景觀主題，還有荒漠夜色，黃昏，與較小型的意像作品等。1958年到1960年間，歐姬芙也開始國外旅行，並將旅行中的風景，融入作畫中。大多數時候，一身黑衣的歐姬芙都是一個怪咖，她從不化妝，很少看書，甚至拒絕與畢加索見面，到了晚年更是與世隔絕。

1986年3月6日，在新墨西哥州聖菲市的聖文森特醫院裡，喬治亞?歐姬芙與世長辭，享年98歲。

歐姬芙她自三十一歲成為職業畫家，一直畫到生命終了，創下了美國藝術史上第一位女性個展的紀錄。她的才氣與毅力，是她成為美國偶像級藝術家的原因，同時也使她在死後多年，仍然受到世人的談論、推崇和景仰。她受到康丁斯基繪畫理論的影響，一生創作都離不開以顏色為主導的創作理念。歐姬芙的構圖極簡，但借著張力十足的色彩和精確的線條，巧妙地平衡了畫面。她的畫作結合了音樂與舞蹈，充滿運轉的旋律及沸騰的效果，讓大自然在樂聲中飛揚起來。

丨女性藝術家地位的提高丨

歐姬芙因為在藝術中表現了強烈的女性意識，被尊奉為女性主義的鬥士，她勇敢地突破了男性社會的壁壘，為女性爭得了藝術上的聲名。她的裸體攝影寫真，她那暗示著性器官的嬌艷的花卉靜物，她那充滿超現實主義幻覺的骨頭與天空，都被打上了女性主義的標記。

在70年代，許多先鋒藝術家把歐姬芙奉為女性肖像大師，但是她自己認為，「男人們稱我為最棒的女畫家，但我想把『女』字去掉。」由此可以看出，女性藝術家的地位還有待提高。

20世紀六七十年代的美國，女權主義運動開始引起社會的廣泛關注。這一運動的影響力幾乎遍及社會的各個領域，而「女性主義藝術」就是受這一思潮的影響應運而生的。因此「女性主義藝術」不但成為藝術史上的問題，也成為一種社會問題。「女性藝術」是女性藝術家對男權社會下一些不平等的社會制度和女性自身問題的一種反思，她們使用各種藝術形式表達出她們的主張與感受。同時由於女性自身具有的敏感性，女性藝術在創作題材、表現手法和風格樣式上都呈現出區別於男性藝術家創作的作品。

隨著時代的發展，越來越多的女性藝術家要求平等的權益，並用自己的努力向世界證明自己。據Artprice上半年公布的2017年全球五百強當代藝術家中，女性藝術家的比重佔到了榜單的14%，當代藝術品市場依然被男性藝術家牢牢佔據。不過，在1980年後出生的藝術家中，這個數字已經達到了31%，說明了未來女性藝術的力量的不可小覷。

在2016特納獎提名名單出爐時，女性藝術家就占多數。2017年特納獎得主更是一位黑人女性藝術家盧貝娜?希米德。她因解決了種族政治和奴隸制遺產，從四位候選人中脫穎而出，成為特納獎歷史上最年長的獲獎者，同時她還是第一位獲得該獎項的黑人女性。

此前入圍特納獎候選名單後，希米德獲獎的呼聲便一直很高，這次特納獎給希米德帶來了應得的認可。評委會表示，「她以一種誇張、充滿活力的繪畫方式，將諷刺和戲劇感結合起來」。同時，他們還「認識到她作為一個有影響力的策展人和教育工作者的角色，並且在今天這個時刻繼續急迫的談論」。這些都無不代表了女性藝術家社會地位的提高。

2017年年底，世界上歷史最悠久的當代藝術雜誌《ArtReview》評選出「2017 年度藝術界最具影響力的人物 TOP 100 榜單」，柏林當代藝術家黑特?史特耶爾（Hito Steyerl）問鼎百人之首。再次激起了女性藝術的話題浪潮。

這些最具影響力的排行榜，實則代表了對權力的一種理解，對女性藝術家的一種認可，一種根植於智慧和正直的意念。我們也期待2018年泰特美術館帶來的女性藝術大展，這會是讓女性藝術真正站在國際舞台上被世人所認知。

結語：

近年來，專題女性藝術家展覽頻出，就是藝術市場分化的善果。市場是聰明的，藝術品鑒賞與收藏家的眼睛是雪亮的。女性藝術發展是一個不可忽視的重要環節。隨著時代社會的發展，女性藝術家的市場價值已在趕超無數同期男性藝術家。