#圖鑑002 這些搖滾專輯的封面都出自藝術家之手，你認識幾幅？

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很多一流的樂隊都有著自己對世界的洞見和完整的美學理念。除了音樂本身，他們怎麼選擇唱片封面就是個很好的證明。對於一張專輯而言，唱片封面加上裡面幾十分鐘的音樂（曲序也很重要，所以我是不shuffle黨）才是完整的作品。可惜，這個去實體化的商業時代，專輯概念本身都已被弱化（一首爆紅單曲的影響力大於一張完整專輯），也許已經不再需要以藝術品去「統領」聲音了？

扯遠了，今天會介紹的藝術家是：

Banksy

Hiroshi Sugimoto

Ryan McGinley

Julian Opie

Gerhard Richter

Robert Rauschenberg

Wolfgang Tillmans

Andy Warhol

這並不是一份音樂或者唱片封面的榜單，只是單純想做一個介紹和發現世界各地藝術家的渠道而已。如果有興趣的話，你也不妨在淘碟的時候多注意一下封面，「偶遇」也是發現的樂趣之一呢。

Blur 《Think Tank》

Think Tank專輯_Think TankBlur_在線試聽

藝術家：Banksy

這張頗有反烏托邦意味的塗鴉作品出自英國最著名的塗鴉藝術家班克西之手。他直到現在還依然為了躲避警察而進行著「塗鴉游擊戰」。他的作品多與反戰、反權威等訴求有關，圖案旁配有戲謔的文字，比如他曾在倫敦最著名的美術館門外台階上寫了句「小心垃圾」。可以說是英國街頭最有名的「幽靈」。

U2 《No Line On The Horizon》

No Line On The Horizon專輯_No Line On The HorizonU2_在線試聽

藝術家：Hiroshi Sugimoto

杉本博司的很多作品主題都是「時間」。在這組《海景》系列中，杉本博司將這種時間感推向了遠古，最終呈現出了永恆之美。通過抽離出來的海的模樣，杉本博讓人們感受到人類的祖先在幾十億年前第一次看到大海時的感受，這種將當下與歷史瞬間連接起來的力量令人震撼。

這組作品我之前曾在知乎寫過，有興趣的可以去看看：#作品003 杉本博司的「海景」 - White Room - 知乎專欄

Sigur Rós 《Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust》

Mee Sue í Eyrum Vie Spilum Endalaustpilum Endalaust專輯_Mee Sue í Eyrum Vie Spilum Endalaustpilum EndalaustSigur Rós_在線試聽

藝術家：Ryan McGinley

麥克金利其實不用過多解釋，還是看作品吧。關於那些傻乎乎但是無比自由的青春。

Blur 《Blur: The Best Of》

Blur: The Best Of專輯_Blur: The Best OfBlur_在線試聽

藝術家：Julian Opie

這個封面出自當紅英國藝術家 Julian Opie 之手，由他為樂隊的四位成員繪製了肖像。他的作品總是將圖像不斷地簡化簡化，直到消除所有細節，只留下極簡的線條和平鋪的填色。他的作品雖然極簡，卻有著獨特的生動感和都市感。

Sonic Youth 《Daydream Nation》

Daydream Nation專輯_Daydream NationSonic Youth_在線試聽

藝術家：Gerhard Richter

Sonic Youth 這隻紐約樂隊幾乎每張專輯封面都是藝術品，我最終選擇這張其實是個私心：這是我個人最愛的一張 Sonic Youth 的專輯。

封面的作品來自里希特的蠟燭系列，他是德國最重要的在世藝術家（不需要加「之一」），他總是在不斷地反思，因此他的作品也經歷了多個時期。他在上世紀60年代－80年代的 Photo-paintings 系列就是其中的重要時期之一。這些作品大多基於照片來進行創作，但與其說他是去「畫一張照片」，不如說是用繪畫的方式「重新拍攝」照片。既有攝影的旁觀者視角，又有著繪畫對於光影的獨特表現力。

他的繪畫借鑒的是報道攝影甚至廣告圖冊攝影里那種「不帶感情」的記錄方式中冷靜的氣質。比如他以新聞事件為靈感來源的作品就直接描繪了死亡的檔案照片（對主觀情緒強加克制，不煽情，反而有了新的力量），本質上與超寫實作品是有區別的，反而更容易讓人想起安迪沃霍爾的災難系列。

Talking Heads 《Speaking in Tongues》（限量版）

Speaking in Tongues專輯_Speaking in TonguesTalking Heads_在線試聽

藝術家：Robert Rauschenberg

勞森伯格在上世紀五六十年代的一系列創作打破了畫布的二維空間局限，而他將各種日常工業產品和流行文化圖像等現代生活中常見的事物用於繪畫創作中的手法也影響了包括安迪·沃霍爾在內的很多後輩藝術家。在他創作於1955年的著名作品《床》中，他直接將自己睡過的床單當作畫布在上面揮灑顏料，打破了生活之物和藝術之物之間的界限。

Brett Anderson 《Brett Anderson》

Brett Anderson專輯_Brett AndersonBrett Anderson_在線試聽

藝術家：Wolfgang Tillmans

這張封面本身並不是一個藝術作品，不過這張肖像是由安德森的好朋友，著名的藝術家沃爾夫岡·提爾曼斯拍下的。同為德國攝影師的提爾曼斯從來不會像德國杜塞爾多夫學派的攝影師一樣理性。對他來說，作品根本無所謂具象或是抽象，敘事或是表現，一切都是單純的視覺體驗而已。他拍攝人、拍攝靜物、也拍攝星空、拍攝光線本身，甚至直接在暗房裡製作抽象作品。他的作品是詩意的、自由的，每次反覆拿出來看都會有不同的觸動。

The Velvet Underground & Nico《The Velvet Underground & Nico》

The Velvet Underground & Nico專輯_The Velvet Underground & NicoThe Velvet Underground_在線試聽

藝術家：Andy Warhol

最後一張我一直猶豫要不要放進來，因為它「太有名」。這個專輯這個封面這個樂隊這個藝術家都代表著紐約最迷人的歲月。這張由安迪·沃霍爾設計的封面上寫著行小字「慢慢揭開看看」，而揭開「香蕉皮」貼紙後露出的粉紅色的「香蕉肉」顯然是有著色情意味的。

藝術家的介紹之前在知乎寫過，不長就貼過來了：

沃霍爾的第一件創作是「可口可樂」。在安迪·沃霍爾看來，沒有什麼比「可口可樂」這個形象更能代表這個物慾的消費時代了。那個時候的紐約正是美國戰後消費主義盛行的時期，整個社會被各種商品、充滿物慾的廣告轟炸。敏感的沃霍爾很快地意識到了這一點，並試圖通過藝術來表達。

在「可口可樂」之後他選擇去繪製的坎貝爾湯罐頭——這個工業消費時代批量生產的速食的「美食」，也正是消費時代的符號之一。而作為大眾性感符號的濃妝艷抹的瑪麗蓮夢露——不是作為一個「真實的人」的夢露——也跟可口可樂一樣，是這個物慾時代的象徵。

最終，這些批量複製的絲網版畫的湯罐頭、夢露、美元、可樂……像視覺轟炸一樣襲來——正如那個時代一樣。