什麼是「復古」？「復古」是如何產生美感的？
很多知友從時尚、穿搭方面進行了回答。
Fotor想從設計方面，對「復古」做出解釋。
維多利亞時代，設計中飽含精心雕刻的字體和鋪滿的對稱的複雜紋理，我們覺得這很「復古」；
達達主義時期，設計中多為怪誕的畫面和無序的排版，我們覺得這也是「復古」；
中世紀時期，設計多用明亮的顏色、富有表現力的插圖圖像，這也很「復古」。
「復古」在不同的時代，具有不同的特點。以下是Fotor總結的從1850年-2000年這150年間不同時期的復古設計特點。
（多圖預警）
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1.維多利亞時代（1850-1900年）
維多利亞時代的平面設計以強大的排版和「多即是多」為特點，這在如今看來是已是司空見慣了。以當時的統治者維多利亞女王的名字命名的維多利亞時代（在工業革命之後）見證了在製造、生產、社會以及經濟發展等領域的徹底改變。
新技術的發明使得印刷和紙張更加實惠，為了獲取商業利益，企業開始利用起平面設計。字體的創始人發明出新的觀賞性的字體和文字類型，因其豐富的圖案，精心的設計以及對稱性的美學特點，所以在海報，廣告，雜誌以及其他印刷材料上傳播。
維多利亞時代的圖形設計是很適用於咖啡館的設計，除了「Victoria」這個名字以外，維多利亞時代的設計還有很多獨特的室內設計和發明的細節。The Brand Bean的品牌標誌布局對稱、排版獨特、形式華麗，還有在其標誌頂部一個剛好的皇冠。
這個Mr Cup凸版印刷的日曆是從現代的角度詮釋維多利亞時代的平面設計。這個日曆的特徵就是幾何線條對稱輻射中心。與全黑色的相比，凹面圖形模式填充頁面從視覺上給人感覺更輕快。
維多利亞時代設計給我們帶來的靈感：
- 填滿整頁但同時要保持對稱的設計
- 嘗試用手工刻字和精心製作的字體
- 給文字添加陰影，輪廓和裝飾
- 文本和圖像集成為一體的藝術作品
2.工藝美術運動(19世紀70年代- 20世紀10年代)
如果你認為維多利亞時代的平面設計是由圖案組成的，那麼你已經看出了一些端倪。工藝美術運動反對大規模生產和工業革命時期粗製濫造的商品。
William Morris提倡恢復用手工藝生產，倡導實用性，享受生產過程。他們用傳統的生產工藝, 提出向自然學習、追求自然以及從過去的設計中尋找靈感的口號。
http://naggingdoubt.com/thepull.php (二維碼自動識別)
Dana Tanamachi是一名刻字藝術家和設計師。她在紐約的酒吧、咖啡館和餐館都留下了她的設計。這堵牆被那些像花朵和植物外形的圖案填滿，它們不僅填補了字母之間的差距,也改變了字母本身。
Ahamed的工作室是一個有機藥用蔬菜園，通過自然界里富有表現力的一種顏色使得這些食物看起來更加有食慾。
工藝美術運動時期的設計給我們帶來的靈感：
- 使用來自大自然世界裡的顏色
- 創建密集的、連環的、彎曲的圖案
- 正如你所見的，圖案的樣子就像花和植物的外形一樣
- 使用粗體和受中世紀時代啟發創造出的字體
3.新藝術運動（19世紀80年代-20世紀10年代）
新藝術運動通常被認為是來源於自然形態「曲線風格」。事實上，新藝術運動表現了在二十世紀人們的心理的變化及焦慮，許多流動彎曲的設計體現了這種不斷變化的狀態。
那時候有一些新的發現和技術，人們對世界有了更好的認識。此外，隨著現代女性的日益解放，她們開始學習、工作、騎自行車，男人們越來越感受到來自女性的威脅。下面這些圖片反映出當時的女性魅力。
Juan Hernaz的這本書《日本古代傳說》的封面設計就是受到了新藝術時期當時流行的日本風格的設計的影響。標題里的字母「C」和「J」以一種自然形式呈現出來，花兒就像是從封面底部長出來似的。一隻蜻蜓（一種廣受歡迎的新藝術風格的符號）從封面的右上角飛過來。
這個Violette 巧克力的品牌標誌里突出線條的輪廓，將一張扭曲的女人臉鑲嵌在品牌上面。設計師Martin Sitta 說，這部作品是受到Alphonse Mucha的作品啟發所得。Alphonse Mucha是一位新藝術風格的藝術家，她的作品因其在海報和廣告中突出美麗的女人的臉龐和旋轉的線條而顯得與眾不同。
新藝術運動時期的設計給我們帶來的靈感：
- 強調線條，抽象形式和創建平面設計，這深受日本傳統文化的影響
- 使用彎曲流暢的線條和形式來表現出改變，移動和融合
- 設計應該要表現出主題的內涵
- 女性主題以及女性藝術家起到了重要作用
4.達達主義（20世紀10年代-20世紀20年代）
達達主義運動是一場無政府主義的反藝術反戰爭的藝術運動。
對於達達藝術家來說，戰爭沒有意義。達達主義思想對社會提出了質疑，並因此質疑社會上的藝術。達達主義藝術家試圖摧毀原有的傳統藝術價值觀念和並用新的觀念取代舊的觀念，他們顛覆性和實驗性地展開了一場以反對「舊時尚書里愚蠢的噁心的概念」的印刷革命。因此，頁面通過無意識的文字和圖像，使得設計的表現力變得更強。
達達主義藝術家到底做了什麼呢？Lauren Golembiewski的包裝設計者說，盒子上的包裝設計就體現出了達達主義藝術家的品味。這個盒子的包裝由留白，實驗刻字，合成照片組成，並且每個調香瓶上都寫著一個怪誕的名字。
這個海報的主題就是「在聖保羅附近的人們」。這張宣傳附近各種各樣的文化和藝術活動的海報恰如其分地受到了達達主義藝術家的影響。
達達主義時期的設計給我們帶來的靈感：
- 設計時嘗試利用排版，布局和空白
- 打破規則，遵從無序
- 剪輯圖片、票證、報紙和其他印刷材料的圖片來做成圖片集錦
- 通過一系列圖像與文字的結合，質疑與顛覆它的含義
5.先鋒派（20世紀20年代-30年代）
在兩次世界大戰之間是一個發明和創新的時代，先鋒派這一術語經常被用來指代這個時代的人與他們的作品。事實上，這些實驗性的和突破性的藝術家在設計領域上是非常有突破的。
在荷蘭，風格派藝術家用抽象和還原形式和色彩，來表達一個精神上和諧的、秩序統一的、全新的烏托邦世界。
在俄羅斯，建構主義設計師將藝術與新技術和政治思想相融合，以此幫助建立一個革命性的新狀態。
在德國，Bauhaus的支持者將藝術、工藝和工業相融合以此設計出為人民群眾服務的更好的產品。
Rcket and Wink就是通過一種濃烈、簡單的色彩為豪斯酒店做了一個公司設計。另外，除了受Bauhaus的啟發，這份僅僅由幾何體形狀組成，正方形、矩形、三角形、圓形 ，所有元素的使用都是為了視覺效果。
Yannuck Buch的(非官方的)這張CD的封面設計明確引用俄羅斯建構主義者的作品特點，由紅、黑、白這幾種顏色，強烈的方片格式的幾何線條，還有黑白色的照片構成。
Krzysztof Iwanski的作品集是一張顯眼的和抽象的海報，這些海報中許多都參考了先鋒派的思想。這張海報是一個黑白照片的拼圖,濃重的顏色,具體的內容，還同時在頁面里保留一些留白。
先鋒派時期設計給我們帶來的設計靈感：
- 使用強烈的幾何線條和形式
- 使用一個基本的飽和顏色
- 與蒙太奇照片相結合
- 通過加粗的大字體來傳遞信息
6.裝飾派藝術 （20世紀20年代-30年代 ）
從20年代嚴重的大蕭條時期以來，裝飾藝術的目的是促進生產和消費。裝飾藝術起源於法國，對於短期經濟復甦來說，奢侈品被認為是關鍵的。
法國的工匠使用特殊的材料，復興傳統工藝，並引用古典和殖民世界的做法創造出獨一無二的物品。
當裝飾派藝術傳播到美國，設計師接受了以機器，城市和商業的形式來創造出一種適合現代生活和消費方式新的美學方式。
裝飾藝術在20世紀20年代和30年代在世界各地傳播起來，包括上海，特別是東湖路。Thread Design為位於東湖路的上海啤酒廠創造出了這種藝術風格，它以豐富的色彩背景和和金色的外形成為了著名的裝飾流派的建築物。
Murmure 為N?rdik Impakt電子音樂節做的這個設計的概念在於創造一個突破從前的美學觀點的圖像，比如裝飾藝術的概念。現代而優雅的視覺形象閃耀著金光，並設有與消散下來的頁面幾何圖案呈現的現代摩天大樓。
現代和優雅的圖形身份閃光的金子和特徵與幾何圖案，呈現現代摩天大樓消散的畫面。
我們可以由裝飾派藝術得到的藝術靈感：
- 整合了強大的輻射和幾何線條
- 風格化和抽象的形狀來創建平面二維形式，彷彿凍結了一般
- 從摩天大樓、機器、運輸和爵士樂時代汲取靈感
- 創建出光輝的、若隱若現的、光滑的表面
7.國際主義風格（20世紀50年代 - 60年代）
你有沒有想過著名的Helvetica字體是在何時何地被發明出來的？在經歷了二戰的動蕩不安以後，國際主義風格（也被稱為瑞士風格）崇尚精簡，簡約和細緻。20世紀50年代和60年代，瑞士設計師推動了先鋒派關於現代主義思想的發展並且嘗試進行了排版和集錦照片的實驗。他們認為設計師是傳播者，並且認為設計是不需要進行個人表達的。
事實上，高舉著「形式追隨功能」口號的這種設計風格的設計師創造出了一種普遍的、匿名的、客觀的圖形語言。
在這些點裡，簡單和清晰是關鍵。以「少即是多」這個概念為例，The Negra設計了微小的現代化的視覺形象，以此反映出建築工作室每平方厘米極小的和現代的環境格局。利用黑白兩種顏色，這個設計作品十分強調排版和布局結構。
Abbas Mushtaq通過粗體字、容易閱讀的字體、足夠的留白空間、攝影照片，和一個非常簡單的顏色就為溫布爾登網球錦標賽做出這樣一個概念性的設計。
我們可以由國際主義設計風格得到的啟發：
- 使用無飾線字體，比如Helvetica字體
- 由照片填充而不是由插圖或者圖片填充
- 通過一些留白來給您的設計留下呼吸空間
- 使用結構化和非對稱布局的網格布局
8.中世紀風格(20世紀50年代-60年代)
此時，在上世紀中期的美國，第二次世界大戰以後世界樂觀和繁榮，美國人在慶祝著美好的生活。設計師們借鑒了歐洲現代主義的理念,並將它們與當時的樂觀與繁榮相融合，創造出明亮的、,色彩斑斕、充滿活力的設計作品以此吸引消費者並鼓勵他們花錢花錢花錢。
這些木製玩具小汽車出現在塑料玩具時代之前。Ivan Aguair 的這個包裝設計，喚起了這個時代。這個設計豐富多彩的顏色和抽象插圖都帶有著中世紀風格設計的特點。
Vicki Turner的插畫風格也讓我們想起了中世紀風格設計。尤其是Alexander Girard.的插畫作品。她的風格是緊密細緻地將強烈的幾何感、吸引人的顏色組合，和民俗藝術引用聯繫在一起。
我們可以從中世紀風格的設計作品中得到的靈感：
- 使用明亮、鮮艷的顏色
- 充分利用留白,讓你的設計有足夠的呼吸空間
- 合併有趣和富有表現力的插圖圖像
- 創建充滿活力和異想天開的設計
9.迷幻音樂風格（20世紀60年代-70年代）
由於在20世紀60年代和70年代幻覺藥物的風靡一時，迷幻風尚受到了它的影響。事實上，所有這些在戰後20世紀60年代和70年代出生的人，他們質疑美國人的唯物主義觀念和保守的價值觀，由此導致了一場預示著叛逆與實驗的革命性的青年運動。
隨著音樂節和音樂會的盛行，服用興奮性藥物成為了社會的一個突出特點，平面設計在視覺上通過強烈的色彩，旋轉的線條及形式（類似於新藝術運動）和公開地可讀表達出了這種「跳脫」的感覺。
一款迷幻風格的迷幻塔克菜單設計。它有明亮的霓虹燈般的色彩和大量的向四周擴散的線，你會不得不質疑自己視覺的完整性。
這張海報是由One Horse Town設計的一個具有迷幻設計風格的夢幻般的藝術作品，這是一張適用於黑鍵樂隊音樂會宣傳的海報。這張海報被線條完全地填充滿，給人以一種移動與變化的視覺體驗。
迷幻風尚給我們帶來的設計靈感：
- 使用明亮與鮮明對比的顏色
- 設計整個空間
- 多面化
- 利用強旋渦線表現出移動和變化的效果
10.後現代主義（20世紀70 年代- 80年代）
後現代設計是什麼？除了秩序井然和理性的現代主義設計以外，後現代主義設計視圖拋棄形式和嚴謹的設計方法，而是採用大膽、華麗和時尚的設計。後現代主義在20世紀80年代後誕生。他們忽略了傳統的慣例，創造了結合流行文化和高雅文化特點，極具表現力的有趣的圖形設計。
你是後現代主義者嗎？Eric Yankhe舉例說明道，Kanyer為Printed Pages雜誌畫的肖像是同時結合了達達主義和先鋒時代的理念，這肯定會打破慣例。
後現代設計主義早已不僅僅只在義大利，Milano辦公室的辦公文具品牌Write Sketch (WS)也是後現代主義的設計代表。明亮、柔和的色彩，沒有過多的線條和形式，給人一種純審美的快感。
我們從後現代主義設計得到的啟發:
- 儘可能地將許多明亮的顏色組合在一起
- 設計應該是有趣的，而不是嚴肅的，要注重它的樣子，而不是它的功能
- 使用照片來獲得樂趣和美感，而不是為了表現寓意
- 設計應受到大眾的歡迎
11.油漬搖滾風格（20世紀90年代）
Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots他們都是油漬搖滾時代20世紀90年代優秀的樂隊。一些設計作品因此受到了油漬搖滾的影響。正如怪誕的後現代主義是受到功能主義的影響，一些柔和的垃圾搖滾作品受到了後現代主義的影響。
油漬搖滾是通過骯髒的污點、模糊的圖像、破碎的圖標以及凌亂的紋理來對現實生活積極性一個更加準確逼真的描繪。David Carson是油漬搖滾風格設計者中的大師。他嘗試用富有表現力的字體,背景圖像和紋理來體現油漬搖滾風格。
美國西雅圖是油漬搖滾風格的起源地，一支來自此地獨特的樂隊Mudhoney，他們的音樂作品在西雅圖樂壇極富影響力。這張混合了暗淡的顏色、參差不齊的排版和怪誕的形象幾種元素於一體的海報十分適合他們。
我們可以從油漬搖滾風格設計里得到的靈感：
- 使用柔和、沉悶和陰暗的顏色
- 嘗試使用模糊和扭曲的圖像
- 應用凌亂的紋理和其他元素,比如污漬和淚水
- 將手寫內容和不規則排版結合在一起
在平面設計領域，潮流與風尚總是在周期往複地循環著。在回顧了過去的那些優秀的作品以後，我們應該有所啟發，成為一名創新者，而不是一名模仿者。你只需要記住這麼一點就好，在平面設計領域，歷史的趨勢就是根據當時所處的環境與背景，對其相關含義做出重新的詮釋。
設計愉快~
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「復古」應該是一個西方語境下的概念。
舉例國外幾個玩vintage風比較出名的藝人。
Dita von Teese
再舉一個例子: 殯儀館天后Lana Del Rey
看這個問題的分類，題主定義的復古應該是審美服飾類的復古。
在這個層面上說，
復古是對過去曾經流行的某種元素或現象的一種致敬，是一種形式主義的時尚。在歐洲可以表現為巴洛克風格，洛可可風格，維多利亞風格的復刻。
在亞洲，狹義點說，在中國，復古風主要是指代八十年代的一些元素和一些旗袍元素
八十年代風格色彩：薑黃色、銹紅色、墨綠色、黑白灰
式樣：及膝長裙，高領，小馬甲，連體褲等等
圖片來自yoka，為80-90年代的林青霞女士
可以看出來，當時的風格在現在穿著並不違和。不僅如此，還是相當時尚的。
已故的《紐約時報》編輯Amy M. Spindler曾經寫道的：「無論誰在時裝界超過5年，都會感覺時尚的輪迴重複，就像溺水的人回憶一幕幕生活片斷一樣。」
至於復古是怎麼產生美感的？
美在任何一個時代都有共同性，也有差異性。但是能被設計師挑出來致敬的復古元素，自然是經得起歷史審美考驗的，有共性的美。這些元素被歷史過了篩子，剩餘下來大家能夠接受的，是謂經典。這些經典都是歷史遺留下來的，經歷過多代人的審美改良篩選的精華，自然是美中之美。這種美感經過了沉澱，並不是現在流行的快消文化可以媲美的。顯得很沉靜有內涵，別有一番誘惑。最後，愛復古元素的人內心或許都有對那個時代喜愛的映射，復古是一種情懷，是一種個人性格特質的展現。我復古，我就跟膚淺的你不一樣。因此我充滿自信，走路都帶風。
復古是如何產生過美的？可能是因為復古中創造的經典目前還沒有被超越。
最近讀了奧蒂莉·戈弗雷 的《復古時裳》，才知道當今社會每一個弄潮的時尚，都踩在復古時尚的肩膀上。你以為新潮的闊腿褲、BOB頭，都是90多年前的潮人玩剩下的...看著過去的精緻和每一個創意的細節都堪稱經典，過去的復古的時尚大門壯觀到你無法想像。
人丑就該多讀書，尤其是是時尚相關的書籍...
一、20年代的Bling Bling，直身低腰連衣裙
1920年代是一個逐漸走向開放的年代，隨著戰後生活的影響和婦女自我意識的解放，整個社會沉浸在追求"放蕩生活"的理念。女士頭上大大的鴕鳥毛頭飾，流蘇的裙子，和盤在手腕上的珍珠首飾、寶石，代表了摩登女郎的不羈和輕佻。那個時候的摩登女郎們可以在身上堆砌這麼多華麗的元素，堪稱有史以來最華麗的潮人了...一眼看去，有種震懾心魄的美麗...
而在《了不起的蓋茨比》中，整個劇組服裝的打造完美地還原了過去的華麗感，光是珠寶就是Tiffany Co為這個劇專門定製的The Great Gatsby系列。在那個年代的珠寶就是這麼bling bling，給我們留下的是一個珠寶和黃金盛行的瑰麗年代。這些頭上的髮飾都好看地要死了...現在的潮人們一般不敢這麼打扮...
釘珠、珠寶、重工奢華風，大紅唇、紅指甲，還有氣質逼人的BOB頭，20年代的名伶就已經如此blingbling成為了時尚的經典範本...
party queen們的金光閃閃想想就夠high的...現在的女生穿個bling bling的亮片裙就有人說你是夜店咖，也真是不公平...
當時流行的是BOB頭，上面微微地燙一些卷，以增加華麗感...
這張VOGUE的圖片非常傳神地表達了來自20年代的奢華和精緻...
頭飾也繁複美麗，有羽毛、流蘇、寶石等多種元素...
華麗的漂亮帽子我每一頂都想要...
二、30年代的貝雷帽和A字長裙
三、40年代的厚墊肩、闊腳長褲以及赫本式小襯衫、鉛筆褲
40年代人們很喜歡用厚墊肩來修飾自己的肩膀形狀，這種對於女性來說會顯得有點壯，但是當時的人們樂此不疲。你想啊，裝上兩個大肩墊，霸氣側漏的感覺。
赫本穿得是鉛筆褲配的是現在特別流行的芭蕾舞鞋吧？潮得不要不要的...鉛筆褲早在40年就被赫本試過了...
還有這個海軍領，廣泛被做到校服中...清純的代名詞...
還有現在你正糾結著要不要去嘗試的闊腿褲，早在40年代就風行，上面搭配小襯衫，滿滿的現代OL既視感。
那時候的帽子也區域變得簡單，經過了第二次世界大戰的陰影，服裝開始去掉複雜繁冗的裝飾，但是卻更增加了一種女性的韻味。
四、70年代的彩色高筒襪
還有色彩鮮艷的襪子，彩色撞色、鏤空透視、色彩拼接，那些你現在以為大膽的創意，都是被複古時尚玩剩下的...
70s是非常張揚和凸顯個性的一個時尚時代，濃濃的DIsco風情，男性應該都想把自己打扮成貓王，而女性都想把自己打扮成中性的幹練OL...
五、80年代的朋克風
1980年代，時尚開始反骨新生，搖滾風格、鉚釘、大面積的色彩拼接開始出現，這個時代的時尚風格色彩張揚大膽。這個時候的偶像有邁克爾傑克遜、麥當娜，這些偶像們朋克風的裝扮影響了一代的時尚觀。
機車服，鉚釘裝飾，炫麗的色彩和張揚的個性，80年代是個性爆棚的一年，至今朋克風仍是一個自成一系的時尚派系穿搭。
當時的邁克兒有著深膚色和機車服，加上迷人的捲髮，帥氣逼人...
這是綁帶裝嗎...酷...
還有亮閃閃的機車服和金屬手臂...未來的科技感...
驀然回首
在復古的經典中
潮人們已經譜寫了永恆的時尚
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美就是美。
跟復古不復古沒關係。有的迎合審美，提煉元素，賦予新風格，重新流行。
有的在創造審美，就這麼屌。63年的保時捷911。81年的蕾絲。老貨新用就是復古，復古跟文化的進步有關係
「我們經過客廳，走進被外叔祖父稱為「工作室」的那個房間。只見牆上掛了幾幅版畫，大凡是黑色襯底上有一位豐滿、肉感、皮色粉紅的女神，或駕一輛戰車，或踩一隻圓球，或在額前綴有一顆五角星；第二帝國時期這類畫很受歡迎，因為一般認為畫里有一種龐貝的情調。後來人們很討厭這類畫，有人之所以又開始喜歡起來，雖然說法不一，其實只有一個原因：這類畫具有第二帝國的情調。」——《追憶似水年華》
當一個時代過去後，人的記憶會將它美化，並將最美好的部份牢牢記在心裡，等有一天自己的創意不夠用時，再將它拿出來，跟大家說這是復古風。
復古只是個時間概念。其實跟「美」是沒任何直接關係的。
美之所以一直在「進化」，一定程度上是受技術，效率的影響，然後做一定的取捨，本質上其實還是那些東西。
美的本質從來沒變過，只是表現方式是階段性的，循環的。
不夠專業，可能看起來有點難懂。:)人一旦覺得復古好看就很難喜歡當下的潮流
現代化的進程，使得過去許多美好的東西隨著它們背後老舊的觀念，一同被遺忘了。繁體字美則美矣，「磨洋工」的態度缺乏效率；程門立雪善則善矣，繁文縟節有悖平權平等。而復古，恰是在拋諸故紙堆之際，想起它們的好。
社會進步，恰似個人成長。我們被人類童年時期虔誠而蠻野的祭祀巫術所震撼，恰似被自己童年時期純潔而魯莽的無忌言行所打動。那個饕餮吃人的時代一去不返，而青銅藝術仍被頂禮膜拜。我們欣賞曾象徵殘酷兇狠的青銅面具時，忘卻了被威懼恐嚇、屠殺奴役的痛感。而痛感確是個人乃至民族最容易忘記的。
他還太年輕，尚不知道回憶總是會抹去壞的，誇大好的，也正是由於這種玄妙，我們才得以承擔過去的重負。
——加西亞·馬爾克斯 《霍亂時期的愛情》
我想，這就是崇尚復古的心理原因。美之所以「作古」，是因它業已被歷史淘汰。而美之為美，就註定了不會被愛美的人們所忽視。當歷史的瘡疤漸漸平復，那些美的、舊的事物被蒙上了一層面紗，影影綽綽——像大樹在漣漪里投下印象化了的樹影，最終成為博物館裡藝術化了的標本。
我舉一個旗袍的例子。在這個心理學發達的，提倡個人男女特質共同發展的現代，人們普遍走向中性化。在久遠的過去，女人不穿褲子，不拋頭露面。在這種病態的壓迫下，女人只能變得更加女人，三從四德迫使她們個個都溫婉含蓄。
再舉一個例子。為什麼人們總是提起從前沒有網路的生活，並對之流露想往之情？大訊息時代來臨之前，人們無知、貧窮、疾病叢生。但脫離這些壞的記憶，生活確實顯得更緩慢而富有韻味。
記得早先少年時
大家誠誠懇懇 說一句 是一句 清早上 火車站 長街黑暗無行人 賣豆漿的小店冒著熱氣 從前的日色變得慢 車，馬，郵件都慢 一生只夠愛一個人 從前的鎖也好看鑰匙精美有樣子 你鎖了 人家就懂了——《從前慢》 木心
木心筆下的這代人，正被信息時代所拋棄。他們對於這樣的生活才有歸屬感。而我們，正被信息時代所煩擾。我們對於過去的生活，始終保持著歷史距離，由此而生出朦朧的美感。
——————————分割線———————————不一定寫完了，有時間可能會接著寫。 前面不想破壞文章美感，所以沒有直接點題。我認為復古，就是發現了過去的、被主流遺忘(未被遺忘屬於流行)了的美；而美感產生的原因，是因為線條、色彩、音律、意味……同亘古所有美好的事物一樣，本來就美。
復古的美來自於，時尚的東西看多了看得視覺疲勞，然後換個口味來平衡下所謂的復古，只是一種解構，是對曾經的潮流元素的分解然後再造，整個科技的發展趨勢下，明顯不符合現代主流思想的復古趨勢也不會被留用，比如衣服吧，的確良那種面料當主料做衣服，買的人數還是呵呵噠，換句話說，復古只可能在保證現有的舒適度的情況下，採用現代的科技模仿曾經有的款式和造型等，看起來可能差不多，但是打板可能就不那麼一定相同了，細節的話，總體來說現代的會更豐富然後，最重要要說五十遍，美不美主要搭配的是否合適，順便吐槽一下那種本質上湊合算洛可可裝飾風格延續但是被稱為韓式田園風的家裝風格以及所謂維多利亞時期歐洲宮廷的家裝風格，那兩種風格不是出不來好效果，而是在房屋面積有限的情況下，搭配起來相當考驗設計師水平，然後各種容易出現讓人狂躁的畫風本來想貼圖的，但是怕傷害到別人的感情，就不舉例了，就舉個正確的打開方式吧，比如下圖，背後的那些吊燈啊裝飾啊用在這個場合很好，因為房子足夠大，用在只有60平的兩室一廳裡面，不敢想……
喜歡復古風，現在的頭髮就是復古油頭
范爺說「我很喜歡，我一直認為Vintage是神秘又值得探索的事情，這種有故事的東西都是我心頭好，滿街都能找到的或是當下最流行的東西不會激起我的慾望。」
歡迎關注微信號：wss2401其中具體講述怎麼穿出後摩登的復古風
這種感覺就像是你現在突然想吃甜點，然後一下子買了很多出來，結果吃著吃著就膩了，可能很長一段時間你不會去想吃甜點的事，可是久而久之，你又會有想吃甜點的想法，如此循環～
我是覺得人的審美是循環的/螺旋上升的。隨閱歷與經歷的不斷增加，會不斷的接受新事物，驀然回首間發現以前的某種東西很有重新拾起來改變的價值，於是開始第二輪一一一一一
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