如何提高blues吉他演奏水平及審美?

01-07

呃
聽各式搖滾有四五年了
是jimmy page跟David gilmour的粉
而且現在對一些有根源情節的年輕樂手挺有興趣比如什麼jackwhite johnmayer
於是溯源而上聽一些傳統的blues

覺得srv jimi clapton這些是很牛逼
可是其他一些人
說實話是很有味道阿
可就是覺得沒有什麼區別。。
一方面感覺樂手之間比較像
另一方面同一樂手的作品也感覺差不多
另外，彈電琴也有兩年了
基本的和聲理論大概了解
十二小節三連音 bluesscale什麼也理解
然後就是彈不出東西。。

希望知道進階步驟，不論是演奏還是聆聽，謝過

題主我很理解你。

鑒於您提出的問題質量以及問題描述已經超出知乎布魯斯話題下90%的問題，我就拋磚引玉一下，幫你理理思路。

學了音階但不會彈Blues，是一個很正常（必然出現）的現象。

但大家都是用一樣的音階，厲害的人彈為什麼就很厲害..

那原因必然是跟音階本身關係不大的..

所以說你如果也想要變得厲害，單純爬音階一定是收效甚微的。

那你就要想為什麼別人那麼厲害，我那麼不厲害。

這就要去想有什麼是你不行但別人很行的。

大部分人的思維到此為止，很難獨自繼續下去，因為接下來很多東西都是未知，或者壓根沒有注意過，這也是為什麼樓上陳老師說自己琢磨要走好多彎路。

關於音階看另外一篇答案：彈電吉他無所適從？ - 知乎

所以說要注意什麼，下面幾點應該是你要開始注意的。

Good Inner Ear，Good Phrasing，Good Articulation，Good Dynamic/Tone，Tight Rhythm， Transcribe Music。

1. Good Inner Ear

一雙好耳朵，不光是聽音的能力，也指準確的內心聽覺。拋去手癖，整體上好聽的Solo肯定是以內心聽覺為導向的。這點在即興的時候體現的淋漓盡致，motif的發展，callresponse，絕對是內心聽覺為主導。你可以去問一些布魯斯即興彈得好的人彈琴的時候在想什麼，一般得到的答案就是追尋內心的聲音。

還有，你現在可能遇到的狀況是，彈哪根弦的哪一品，其聲響效果是出乎你意料的，不受控制。這就是在表明你的內心聽覺一方面不夠好，一方面沒有跟指板聯繫在一起，兩者是分割的。

關於此方面的練習，應該是沒太多資料可找的，要我說的話，建議solo時不要急吼吼亂彈，試著在彈之前想像一下聲響效果，循序漸進，慢慢的你起碼就能對彈什麼有什麼樣的感覺什麼樣的聲響有個概念，如此你的內心聽覺才能起到一個導向作用。

同時你猜怎麼著，這也能幫你快速扒譜，別人一彈你大概都能知道是什麼把位哪幾個音了（不同把位相同樂句音色有差別，是能聽得出來的），能不快嘛。

2. Good Phrasing

Vibrato, Bending Vibrato, Trill，etc.

這個不是書面文字能教的，要麼去找老師，要麼上youtube自己去找視頻教學吧。

這方面所有彈布魯斯出名的大師都值得學習，比如BB King的標誌性鬆手vibrato。但不管怎麼樣，good phrasing的標準永遠是under control，不是手隨便抖抖都能抖得像BB king，瞎抖只是在證明你演奏失去控制，或者不懂把握情感而已。

3. Good Articulation

雙手協調，彈清楚每個音。

解釋起來也很麻煩，最好找老師學，但網上應該也有教的，或者相對應的練習，總之保證音頭清晰，自然是速度越快越難。

有人認為協調性啦什麼的不必特意練，不練也挺協調的。

記住咯，這種人一般大段16分音符練習樂句速度都不會超過140bpm的，130或者120可能都夠嗆。

當你遇到需要爆發性速度輸出的時候，必定會糊成一片，快但不清楚，沒用，你猜清楚和快，聽眾更喜歡哪個？

4. Good Dynamic/Tone

更難描述，強烈建議找老師學。總之該輕輕，該重重，與之對應的各種小tips，什麼撥片角度啦，撥弦位置啦，呵呵，有的好學的。像有的人在彈jazz comping的時候會把撥片倒過來用撥片屁股掃弦，撥片與弦接觸面積變大，就是為了得到一種更柔和的聲響效果。

但這都很籠統，而且在我看來不是你現在的首要研究對象。

Dynamic/Tone講究審美，如果你很感興趣，你可以去聽聽dire straits的six blade knife里mark knopfler的solo，收放自如，嘆為觀止。當然人家是用手彈得，但這不妨礙我們學習。

5. Tight Rhythm

要我說...如果你能把節奏把握好，彈什麼不是特別重要，哦這不是我說的，這是Pat Metheny說的。

這是唯一一個可以不用老師就能練的，打開節拍器，自己彈自己錄，如果聽不出來準不準，就用下面這個辦法。

如果你有Daw的話，任何Daw，打開它，導入backing track，打開節拍器，錄音，對著格子看audio齊不齊。比如我用LPX，點擊吉他軌，可以commad+shift+B呼出Beat mapping，用analyze可以分析beat輔助幫你看準不準。

99%的吉他手都在搶拍，專註搶拍一萬年，不知道背後被貝斯和鼓吐槽了多少遍了吧，哦也有可能鼓連貝斯一起吐槽，哦也有肯能鼓自己都沒發現...這樂隊能聽么還。

...

不準就練啊，還能咋整。

還有要提的一點，很多時候樂手solo，特別是像慢速shuffle里突然爆發速度的，你在daw里把樂句放慢可能會發現人家也不是每個音都對的那麼齊，但強拍上必定是齊的。這說明啥呢？思考題，哈哈。

6. 然後最後就是，transcribe，扒譜，唯一一項以上所有技能都能鍛煉到的活動，而且幫你積累一些樂句片段，讓你明白，為什麼一樣的音階，別人彈得那麼好聽，或者原來還能這麼彈，等等。

所有音樂人或多或少都要扒譜.....記住你是站在N多巨人的肩膀上學音樂的，不扒就是傻。

至於怎麼扒。

高效扒譜唯有DAW，可以用Guitar Pro記譜，但我覺得其實你記與不記關係不大，扒lead和rhythm，可以從頭扒到尾也可以節選，隨便。至於其他樂器，除非說你對整個編配感興趣，那也一般只是各個樂器節選扒，比如有意思的organ，bass groove，drum fills etc. 但作為吉他手扒個lead扒個rhythm guitar就差不多了，對其他樂器有個概念就好。

回到Daw扒譜，那反正就是導audio進去開扒唄，對準小節，想怎麼回放怎麼回放，看Daw教程去吧。

要是只有視頻沒音頻，那就tampermonkey之類的插件管理裝個什麼導出youtube視頻音頻的插件，蠻好用的，自己研究吧。

不過始終記住，扒譜是為了扒下來研究分析，扒下來練，是不是真正記到譜子上反而不重要，很多人有這個誤區，扒下來好像獲得了什麼成就一樣，然後丟到一邊。

這單純只是在浪費時間。

還有就是，扒你覺得好聽的，不要在意別人說什麼......

隨時間推移你的審美水平自然會提高，因為上面所說的要點，就是判斷一個布魯斯吉他手好壞的標準，所有細節都能接近完美，就是一個好布魯斯樂手。

但其實布魯斯這個東西.....也不怎麼要求特別高的審美水平。除非說你要彈jazz blues了，那還有的聊，所以總的來說布魯斯還是很親民的，彈著爽，聽著也爽。

再就是不要扒超出你能力太多或者說你完全理解不了的東西，學習總是由淺入深。

比如你要扒BB King，你對這種minor+major混合音階不熟的話，你扒了也白扒，不會用，也不知道什麼時候用，瞎用聽起來就會像train wrack，還不如老老實實用你的小調布魯斯音階。

另：

我看到有人講雙人對練，這個確實蠻好的，雙人可以練換四，所謂換四就是一個人comp四小節，一個人solo四小節，對換，再繼續。

好處是練你對和聲進行的感知能力，好多人聽不到和聲進行，跟這種人合作很糟心，人家歌手要起了，他給一拖再來12小節即興。

不過自己也能練的，就是comp四小節然後馬上solo四小節，然後往複。

以上。

簡單的說，一句話，「多聽，多創作」，光扒曲子還不行，還得仿寫。你的癥結就是「聽的少，創作的少」。

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各種樂手的風格千差萬別，你自己多試著分析音樂。給你一個我曾發在我公眾號上的文章，一篇如何分析布魯斯吉他的文章。

我的公眾號是：huihuangzhihuan3345 或搜索我的公眾號名字：輝煌之歡

一個關於音樂、電影介紹的公眾號，目前音樂都是blues歌詞翻譯，大多數均是國內首翻，如Robert Johnson、skip james等人的歌詞全集，現在正陸續上傳中。

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《怎樣寫Solo》

我有一個固執的觀念，那就是：一切學習、研究、文章都應該以創作為目的，也就是要「產出」，或者說「創造」，否則就意義不大。

舉例而言，扒一段吉他，這不是「產出」，而是學習和積累。而認認真真的寫一段曲子，才是「產出」。這個觀念很重要。

經常看到各種論壇或群里，網友發自己的扒帶作品。發影評或別的什麼文章，雖然也很好，但這都不是產出，只有小說、劇本、原創音樂這才叫產出。我不想寫對「產出」沒有幫助的東西。我早已不扒曲子了，吉他也不怎麼彈了，我只寫曲子。

這完全是一篇個人化的心得，因為我們的愛好和方向可能都有所不同，所以你可能完全不認可，我也祝願你早日寫出優秀的個人作品。

首先，我從一個我非常肯定的結論進行分析開始：Jimi Hendrix是吉他一神、Eric Clapton是吉他二神、他倆比Stevie Ray Vaughan強太多。

1、都很精妙，但誰能不斷的新鮮感十足，還非常持久？

什麼？你說你吉他彈的不錯？那就來首《Born Under A Bad Sign》彈彈吧！

俗話說，是騾子是馬，拉出來遛遛，是高是低，放在一起比比。Cream艾伯特皇家音樂廳演唱會的第十二首歌曲，《Born Under A Bad Sign》（《天生不幸》），如果我要選十大最經典的吉他solo，這首翻唱中Eric Clapton演奏的solo必是其中之一。而「十大」中另一個就是Jimi Hendrix同樣翻唱這首歌曲中演奏的吉他solo。

這首歌曲的原作是著名blues吉他大師Albert King，出版於1967年的同名專輯之中。我聽的是2009年重新發行的CD版本。原作已是經典，而兩神將這經典推向了極致。

Jimi Hendrix和Eric Clapton都被稱作是吉他之神。他倆到底誰強？說句玩笑話，從長度上Jimi Hendrix就贏了。Eric Clapton的這段solo堪稱完美無瑕，但是Eric Clapton的這種完美恐怕沒法持續Jimi Hendrix這麼長。Eric Clapton各種長篇solo也不再少數，但樂思這麼經典連貫的，都沒Jimi Hendrix持久。要達到既精妙、又連貫，從始至終又新鮮十足的，沒人能比得上Jimi Hendrix。

不服的話請你舉出一個Eric Clapton有哪個長篇Solo能夠壓倒群雄，直逼十大的例子。他彈的長solo，必然有很多地方散亂，品質下降。

在兩神和原作的面前，其他一切版本都是浮雲。但有個樂隊的翻唱版本可以強行掙扎一番，居然也是經典，那就是The Allman Brothers Band樂隊的翻唱版本，好則好矣，但是，和兩神的版本放在一起一比，立刻就相形見絀了，就算雙吉他也不行。如果你反覆多聽幾次，就會發現The Allman Brothers Band樂隊的吉他solo雖然也非常的好，但是它的樂思非常散亂，遠不如兩神版本的精妙、連貫。

另外還能入圍的版本是，Booker T The MG"s樂隊的翻唱版本，也非常經典。收錄於《Soul Limbo》這張專輯。

Stevie Ray Vaughan也翻唱過這首歌，Albert King對他影響頗深，SRV曾和自己的偶像Albert King共同演奏，一起為一個電視台節目合作而留下了珍貴的錄像，這就是經典的《Albert King Stevie Ray Vaughan - In Session》，但是這首歌只在錄像里有（第一首），而在後來發行的專輯CD里卻沒有。這個版本雖然SRV彈的非常棒，但是並未有任何的突破，也沒有過多的特色，是幾個經典布魯斯樂段的串奏和變奏，所以雖然已經非常非常好了，但和上面這些版本還是沒法比的。

這個錄像中，兩人還合奏了SRV的看家曲《Pride and Joy》，有趣的是，這個版本里SRV彈的不如Albert King彈的好，哈哈！

錄像里我們可以看到，Albert King是只用手指，而不用撥片來彈電吉他的。並且還專門從兜里掏出個小棍兒（上面可能有粉什麼的）來蹭自己的指甲或手指。

還有Booker T.單獨的翻唱這一版現場也不錯。收錄於《Crossroads Revisited Selections From The Crossroads Guitar Festivals》這張音樂節合集。

2、「分段的」與「延伸的」

再對比Jimi Hendrix和Stevie Ray Vaughan，Stevie Ray Vaughan和其他吉他手一樣，比較擅長就一個樂思進行不斷延伸、擴展、發揮。這時候，整個長長的段落基本上是一種感覺。

這種「延伸」彈法的吉他solo最有代表性的就是Grateful Dead樂隊，比如他們的經典歌曲《Dark Star》，或是《The Other One》

但是Jimi Hendrix則不是，他從不在一段樂思上停留太久，他的吉他你可以清晰分辨出各個不同的段落，段與段之間區別甚大，而每個段落卻都是獨具特色。別說各個段落，Jimi 的吉他常常第一句就抓人，在《Born Under A Bad Sign》這首歌里的第一個吉他音符，別人就從來沒這麼彈過。（注意這歌最先出來的是貝斯，一直不斷重複循環這歌的那個經典Riff做背景）

以翻唱的這首《Born Under A Bad Sign》為例：從11秒的第一個吉他音符開始，到第34秒是第一段，35秒到第44秒是第二段，45秒開始是主題，及擴展。直到1分25秒。是第三段。接著1分26秒開始是一段重複的riff。從1分53秒開始是第五段，又是繼續對主題的擴展，但是不一樣了，開始以短樂句為主。而從2分53秒開始，是第六段，是一段與之前都不同的八度複音旋律，從3分10秒開始是第七段，音色變成了哇音，3分33秒開始是第八段，連續的推一個長音，有如嚎叫，然後繼續長音，表達情緒。直到5分07秒一個長長的顫音結束，開始了下一段。

直到5分08秒開始一段悶音過渡之後，才開始了真正的即興部分，jimi開始玩了一段音響效果實驗。

整個這首歌是即興彈奏（jam）嗎？絕對不是，這都是事先花心思創作出來，然後再精心反覆排練的結果。Jimi所有的歌都是如此，他的所有歌曲的開頭部分絕對是最精緻的部分，而真正的即興一般都是在solo的尾段，比如這首歌就是在5分08秒之後開始的。能夠聽的出來。樂思比較散亂，不如前面精緻了，不止是jimi，任何人的即興都是如此，包括爵士樂手們。也許能即興出一段很牛的solo，但是絕對不可能即興出一段既精緻又很牛，能有「十大」候選品質的solo。

你可以認真聽聽jimi別的曲子，每當別的樂器停止，只有一段鼓聲的時候，這時候jimi的即興就要開始了，這就是給他預留的即興時間段，時間長短他自己控制。

一般來說，演奏吉他即興（jam），也不是真正的隨機即興，而是中間不斷拿出平時練熟的樂段，一段段隨意組合起來，然後在加以調整和變化。這後面有無數個記憶和熟練的過程。

以前在某個音樂群里別人就和我爭論過，他們老是嚷嚷要「玩即興」「玩即興」的，我就和他們說：玩即興固然自己很爽，但是最好的solo都是寫（創作）出來的，例如深紫的《smoke on the water》，老鷹的《加州旅館》等等這種十大之內的solo。所以，玩即興對你的水平提高很有限，平時多下心創作，反覆打磨出更優秀，更精緻的riff和solo幫助才大。尤其是寫riff，非常直觀，創作出來後大家一聽，好就是好，一般就是一般。但是他們對我的觀點嗤之以鼻。好吧，那就沒什麼好交流的了。

這種音樂群或論壇里，還有個很不好的風氣，就是不管誰扒段曲子，別人都必稱「牛逼」，沒有反對意見，完全罔顧事實，我這個人總是說實話得罪人，我要說這個哪裡哪裡不好，將必遭反駁，他們只想聽奉承的意見。老子彈的這麼牛逼你就會說酸話？

再隨意找一首，用同樣的方法分析一下，jimi的現場專輯《Band Of Gypsys》里《Power To Love》這首歌，經典的頭一分鐘。前10秒是一個小段，11秒到18秒是第二個完全不同的小段，19秒到43秒是一段發展，44秒開始到54秒是一段推弦，從55秒開始又是對主題的發展。。。。。。直到1分22秒才開始真正完整的出現這首音樂的主題。

前面一二段都非常經典，單拿出來都是非常經典的riff，但是Jimi在這裡卻只是拿來做過渡用的，極其的奢侈。

另外Eric Clapton的吉他solo和jimi一樣也是「分段」的。而非「延伸」的。

你可以將這種「分段」，理解為一段段各自不同的riff，連在一起形成的solo。

下面是我自己用這種「分段的」方式創作的一段吉他solo。用FL Studio寫的，不過沒改力度，沒修飾。

3、「延伸的」

「延伸的」，就是只從一個主題上進行發展，整個大段的solo的氛圍、情感、表現，全都基於這一個主題，而不是「分段的」那種多段的主題。

現在我們再來聽聽Stevie Ray Vaughan的演奏，來比較一下。首先我要說清楚，Stevie Ray Vaughan的音樂是Eric Clapton和Jimi Hendrix無法取代的，這裡只比較創作手法的不同，和樂句進行的思路。

SRV的名曲《Crossfire》吉他雖然是絕對經典，但就樂句的銜接來說，還是比不上《Born Under A Bad Sign》里Eric Clapton彈的，所以就更別說和jimi比了。

Eric Clapton的這段solo，上下句無可替代，試想你想改一改深紫樂隊的《smoke on the water》的solo，怎麼改？完全沒法下手，這就是最完美的（沒那個水平）。而SRV的這段solo，你隨意替換哪一句也不會有什麼突兀。前後顛倒彈，打亂順序彈，效果都是一樣的。因為你要做的，就是把握住這首樂曲的情緒和感覺。

《Pride and Joy》的歌曲部分來自於Blind Lemon Jefferson的《Black Snake Moan》（黑蛇呻吟），吉他solo的主題來自於Robert Johnson的經典三連音riff，整個solo部分非常新穎，非常有想法，但是比較平一些。《Crossfire》的solo起伏更好，更精緻。

還是那句話，你很可能不同意我的觀點，那麼我還是祝願你用你自己的思路來創作出優秀的獨創作品。

「站著說話不腰疼，你行你上！你創作個出來看看」，請別這麼幼稚，創作我已經創作了很多了，我當然也沒SRV的才華，我也懶的和這種人解釋，因為解釋了這種人也不會聽。

《Texas Flood》亦是經典，也是典型的「延伸的」方法創作，吉他反覆只對主題進行發展，再無別段。基本只圍繞主音演奏，但是Stevie Ray Vaughan把感情挖掘的非常到位。這就是他的演奏方式，大多數曲子也都是如此，不是說這種的只做「延伸的」的方式不好。但肯定是jimi那種寫好多段完全不同各有特色的段落的方式要難的多的多，可以說jimi的一首歌的solo就像是別人七八首歌的solo（還得是經典的）連在一起。

只對一個主題進行「發展」的solo方式肯定是相對要簡單的。並且很容易聽「膩」，但jimi的就極其不容易聽膩，十秒鐘的時間你還沒反應過來，已經開始下一段了，這怎麼膩？想膩都不容易，轉瞬而逝，只有驚艷，你還沒來得及聽的怎麼著，耳朵已經開始跟著下一段跑了，你永遠能聽出新鮮的東西，這十秒就夠你反覆研究的了。

打個比方，SRV的solo就像是一鍋頂級的燉牛肉，太好吃了，你每次吃都那麼香。但jimi的solo就像是滿漢全席，你吃哪個都香。Jimi的樂思和段落實在太豐富了。

4、再次比較

Stevie Ray Vaughan翻唱過很多Jimi Hendrix的歌曲，其中最經典的演繹當屬《Little Wing》，這兩個版本能比較不同，卻是沒法比高低的，都是最高經典。

你如果願意，可以分析一下這個，SRV的《Little Wing》是有一些不同的段落變化的。

Jimi Hendrix的特點是極具想像力，而Stevie Ray Vaughan的特點在於他彈的非常有感情。

再次重申，SRV的音樂特色是誰也取代不了的。Jimi Hendrix和Eric Clapton也不行，兩神雖然比SRV強，但是取代不了他。

Eric Clapton也翻唱過好幾版這首《Little Wing》，也飽含感情，推薦他在Derek the Dominos樂隊時的現場那一版。但都不如Stevie Ray Vaughan這版。

就演奏感情來說，Jimi Hendrix的演奏非常熾烈、外露。而Eric Clapton非常內蓄、醇厚。Stevie Ray Vaughan的演奏則是深情。

5、一個各人看法不同的演奏技巧

Stevie Ray Vaughan更多的使用別的吉他手最常用的時值均勻的音符快速連奏，我們俗稱「爬音階」。

而Jimi Hendrix的吉他solo里卻幾乎沒有「爬音階」，偶爾有也都是過渡性的，是為別的前後音樂而服務的。

其他什麼G3、Steve Vai、Skid Row翻唱這首《Little Wing》都不行。其實Steve Vai那版倒也湊合，當然的少不了各種爬音階。他們都是不爬音階會死星人。

音階彈的快不快，好不好當然很展現技術，但是音階的節奏、音符、走向基本都是一個樣的，所以就很容易沒有特色，形成一堆毫無意義的「垃圾音符」。

所以說，為什麼這些彈吉他的彈的看上去那麼好但人們卻記不住？因為彈的都是音階，既無特色，也無區別。

但是也有反例，古典音樂家們也經常用爬音階來作為發展和豐富音樂的一種手段，比如巴赫。他就能做到既爬音階，又有自己鮮明的特色。這個就是一門深奧的作曲學問了，需要逐個的分析和研究了。但是若要大概總結一下，那就是巴赫總是讓「爬音階」為音樂整體服務，而不是像現在那些吉他手那樣一味的展示速度，以展現所謂的「激情」。

當然，不是說所有搖滾樂手的爬音階都讓人麻木，音階的模進永遠是音樂寫作最主要的填充手法。比如我就喜歡下面這首，alicecooper的《Refrigerator Heaven》（電冰箱天堂）中的solo，就是一段簡單的模進，但是配合著稀奇古怪的科幻般的伴奏，分不清原始或未來的唱腔，這段抽搐的solo放置其中一切都那麼極具特色與眾不同。老天！我就想創作這樣的音樂啊！

6、只有一句的solo

我不喜歡爬音階，但是我喜歡朋克，尤其是對朋克中各種短solo極其著迷，與其大段的無意義的枯燥音符，不如一句讓人一聽難忘，經典不朽的爆發。

The Misfits的朋克經典《Some Kinda Hate》，我愛死中間那句solo了，多麼完美的東西。也許有人會輕蔑的說：「這不就是一句過渡伴奏么」。哈哈，那就讓我們來相互嘲笑吧！

下面是我自己創作的一首歌，《海中獸》，是朋克還是搖滾，這只是稱謂而已，毫無所謂。這首歌我就只用了一句solo，就在開頭出現一次，和結尾重複一次。

能寫出好的短solo，一樣是需要水平的。如果你有創作的慾望，你也可以從這種短solo開始寫起，一下午總能寫好幾條吧，直到寫出滿意的東西。

這首歌我是在自己家裡錄的，音樂用FL Studio 12 寫的，也沒調整力度什麼的，就是隨便加了一點混響。我更樂意享受創作的樂趣，而不是煩人的後期修改。唱的有的地方節奏沒對齊，我也沒有修改，因為除了創作的樂趣之外，真正的樂趣在於排練，然後演出，我懶的悶在家裡反覆錄音，反覆調效果。

有意識的去搜集樂句，從加州旅館的小林克己版尾奏，到各色各樣的blues教材，都有著前人寫的金句。不過後者因為只有單獨一句寫在書上，彈出來感受不到神韻，所以我推薦自己去各色藍調基礎的曲子裡面找，扒。

另外實際彈奏的時候注重節奏和整體的完成度，比如可以先掃一個和弦作為小節裡面的重音，然後再進行單音的即興，後面的小節模仿前者，這個樣子的即興會豐滿很多。

另外律動和在適合的地方放空也是很重要的，藍調的感覺是靠這個提出來的。這個只能自己多彈多練，慢慢就體會到妙處了，不要著急。

最後，找個基友練blues吧!在靈泛之句迸發出來時，有個人能和你會心一笑是件樂事

關於這個問題，最近頗有體會，最近跟隨一位mi畢業的老師學習後大有啟發，他老人家讀書時是robbn ford的學生

1首先你可以找一個教材，或者是找幾個布魯斯的曲子。

2把裡面的句子抽出來，一小節一小節的練，必須開節拍器。

3學習模仿樂句的節奏安排抓氣口（就是空拍，因為彈句子可以理解為說話，要有高低起伏有停頓）製造停頓和呼吸感三連音（布魯斯重點，一定要練習好這個三連音的感覺）切分音練習，通過模仿和學習句子的節奏然後借鑒到自己的節奏運用。這是豐富自己節奏的一個重要過程。然後在自己彈琴的過程中，一定要有小節數和拍子在心裡的存在。舉個簡單的例子。小節出現拍子就要開始做好控制，好比是4/4的我可使用這樣的節奏第一拍空拍，第二拍用一個三連音第三拍先空半拍後半拍出聲第四拍用2個shuffle八分音符。要做到自己心中有數。不斷去抄人家的節奏變為自己的東西，那怕是彈一條音階，我不知道怎麼用，加入節奏後順階彈下去也會很好聽，而不是簡單16分音符或者8分音符跑指型。

4學習模仿樂句的音的安排，每一個樂句都必定是跟一個和弦結合的，每彈一條樂句我們都要對著一個和弦來看，看他用了和弦的什麼音，是用琶音還是用音階，用什麼音階。然後你彈這條樂句，你才知道他為什麼會出現這樣的色彩。同時這個要求我們要有指型思維，就是你要知道你現在這個樂句是出現在這個調的哪條音階的哪個指型上面。這樣你的樂句才能轉換到其他調其他的和弦其他指型上，避免機械的移調。必定要了解才能吸收為自己的。

5開loop機或者使用伴奏軟體。讓你在練習樂句的過程有一個伴奏吉他在後面，可以清晰的了解每一個音對和弦的反映。

6彈琴是一個思考的過程，在彈琴的過程一定要思考，不能是盲目的機械化運動，我們彈大師的曲子不是彈他表面的東西，而是思考他背後運用這個樂句的思維，和弦的運用，理論依據是什麼，運用巧妙在哪裡。這才是真正的學琴。同時也是練習即興的重要方法。

7多聽，如大家知道，他不是中國的東西，他土壤是在歐美。沒有那種環境。你只能通過大量的聽，了解他的律動，節奏，聽覺效果，就如同那句話，熟讀唐詩三百首，不會寫也會淫。就是這樣的道理。

祝你好運

說實話原po還是找個老師指點一下的好。自己琢磨要走好多彎路的。

刷和弦的時候盡量不用Pick，啊看起來樣子會比較隨性，就算你彈錯了大家會以為，你是故意(噠噠啦噠)

多聽多模仿多扒譜，什麼時候能扒出你想到的旋律就是合格了，這之後只需要提升審美能力就可以。想彈一種風格首先你要明白這種風格特點所在，可以跟著大師的伴奏自己即興錄下來聽。

建議你找一個喜歡的樂手死磕下來他的5首你最喜歡的歌。磕的時候最好有意識的記一下裡面有代表性的lick。當然不記也行。等你5首彈的滾瓜爛熟的時候給你放一段backing track你死磕時候的肌肉記憶都會噴薄而出。

你跟著節奏一起swing了嗎 blues的精髓就是節奏 blues 有很多分支有偏rock 有偏fusion的從吉他演奏來說多玩玩即興多分析大師的音階和收放的節奏研究一下過渡音的連接

我跟題主你一樣啊，也是知道音階但是就是不知道怎麼練這玩意。。。

歸根結底我覺得在中國人的內心，挖到最裡面，在哪的是五聲音階。

但是在西方歐美人哪裡，他們的內心最深處就是blues了

所以我建議多聽歌，試著扒一些名曲。B.B king啦什麼的。扒的多了，先讓blues的根扎在心底

我最近就在學check barry的歌，從源頭學起，然後才能到頁老師再到你說的這些現代的blues樂手

一起努力練blues吧就

還是得找個好老師。

曾經迷戀BBking但是一直抓不住那種神韻。

後來一位大哥指點了一下午，好多問題迎刃而解