如何判斷一首作品是不是爵士樂：凱帕斯汀(Kapustin)、Claude Bolling、Cesar Mariano的音樂是不是爵士？

01-05

1. 凱帕斯汀，《音樂會練習第5首——Railley》
Kapustin - Concert Etude Op.40 - N.5 (Raillery)視頻2. Claude Bolling，Suite for Flute Jazz Trio 5
Claude Bolling - Suite for Flute Jazz Piano Trio5視頻3. Cesar Camargo Mariano，Samambaia
Samambaia (Cesar Camargo Mariano) - Heberth Souza視頻
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把這幾位風格不同的大師並在一起來說，並不是想比較這幾位大師，我個人十分喜歡上述音樂家，而上面貼的幾位的作品（除了Claude Bolling的國內資源太少，沒找到最喜歡那首）都是我最喜歡的作品。
其次，把三位風格迥異的大師並列在一起，是因為他們的一些共同點，比如（1）風格里有十分明顯的爵士的內容，然而他們的大多數作品卻（2）不是以即興為主的。他們的這類作品比如視頻里那幾個，通常是將整首曲子（3）完整地記錄成譜，包括表情、力度、踏板等，甚至（4）包含爵士意義里的即興部分，這看上去頗像古典音樂家的做法。但是按照分類的話，似乎Claude Bolling明顯被劃至古典音樂家裡了，而似乎Cesar Mariano則基本上公認是爵士音樂家，似乎Kapustin的評價則要更加複雜一些。同樣類型的音樂家還有格什溫等等，作品比較有名大家都聽過就不貼了。
所以，想問一下知乎上的各位音樂專業人士，該怎樣評價或分類這一類音樂家呢？同樣是含有爵士的材料的音樂，為何分類會有差異？如果不能被認為古典音樂家的話，是因為技術原因大於風格原因么？如果是作為爵士音樂家的話，把整首曲子順帶著連Solo部分都按古典的記譜法寫死了，這與爵士的精髓似乎有出入，那麼又可以稱為爵士音樂家么？

你的問題很有價值，我認為可以放到「什麼是爵士」那裡一起回答。

首先作一些判斷（個人意見）：

1）即興不是爵士音樂獨有的特徵，而且不能單獨作為定義一首作品是否屬於爵士的要素。

2）要弄清楚爵士元素是怎麼一回事，而不要將一些傳統音樂中存在的元素當成是爵士獨有的。

3）音樂產業中的一些現象不能成為判斷標準，比如說有的爵士名曲被編成譜，供給教學使用或者個人娛樂使用，但它們仍然是爵士風格的音樂，但符不符合爵士的精髓則是另一回事。

4）不要迷信維基或者一些「公認」的說法，甚至是一些音樂學的著作，其作者本身有可能對爵士有錯誤的認識，要多看其他的著作文獻，才能下判斷。

5）真正想深入了解，要去學怎麼玩。

下面給出一些定義和判斷準則，有不正確的地方歡迎指正，最好給出觀點的出處。

這些觀點有助於了解到底爵士/爵士風格是怎麼一回事：

I）和聲

A）在爵士中沒有一個和弦是新的，也就是說不存在所謂「爵士和弦」，只有爵士和聲理論，那是一套爵士音樂家長期的演奏和創作經驗，結合西方經典音樂理論創立的理論體系，和爵士樂本身是緊密相連的。

爵士中更強調和聲的色彩效果，音樂家側重於研究聲效處理方面的運用。

B）爵士中的三大和聲語言：18世紀開始確立的西方傳統的自然大小調（Tonal）、美國黑人獨創的藍調音階（Blues）、爵士中的中古調式（Modal）

布魯斯音階是美國黑人自己的音樂語言，它不能用西方經典音樂的思維去理解，它是「非理性的」，爵士和藍調在歷史發展上的關係？為什麼很多爵士樂的名字中有blues一詞？ - 知乎用戶的回答

爵士中的中古調式和世界上民族音樂的調式（mode）不是一回事，民族調式通常只有一個調式，少數幾個和弦。

它和歐洲中世紀、文藝復興、巴洛克時期的中古調式，以及印象主義的中古調式也不是同一回事，它是從前面幾個的基礎上建立，並且吸收了傳統自然大小調系統，是一种放棄功能追求色彩與聲效的語言。以前的中古調式只會在Authente和Plagal之間作轉換，而爵士則是依靠借用許多關係相當「遠」的其他調式來達到色彩轉換的效果，爵士樂中，和弦替代的原則是什麼？為何可以這樣替代？ - 知乎用戶的回答

II）節奏

A)爵士的節奏是等時的，在同等的時間中，所有的節奏型都是相似或相同的。

比如說最基本的habanera，它可能有一定的變奏，但它的律動和變化總不會超出基本型的框架。

B)爵士的節奏是循環的，一個節奏型構成一個小循環，然後構成一整個大循環（Bebop的32小節，布魯斯的12小節），並且它是不斷地重複N次。

C）節拍速度

偏快，即使是較慢速的作品也比其他風格的作品要快，Cool Jazz里的速度相當的慢，但基本不會出現Adagio這種速度。

D）反拍「Back Beat」

如果沒有反拍律動，恐怕一首作品再怎麼"Jazzy"，都不算是純正的爵士音樂，甚至不能歸進爵士。它的重拍在2、4拍上（從4/4的角度看），源於美國黑人的福音音樂及勞動號子；另外也有一種重要的三拍子「ching-ling」，法國人把它叫「cha-ba-da」，它的重拍不在第一拍上的，從作品整體的角度來看，它好像是整個時間段向後錯開了。

E）複合節奏

一種是西方經典音樂就有的複合節奏，比如左手打二拍子，右手打三拍子，製造一種動力的假象。如蕭邦的C#即興幻想曲就是這其中的代表。

另一種是黑人文化中的複合節奏，比如早期的二拍子Ragtime和後來RB的四拍子複合節奏。

黑人的複合節奏也有一種特點，就是通過重音的轉移來製造假像，比如說underground技巧裡面的「water falling」（不是維基中的那個，別問我怎麼知道的），相當接近古典吉他中的「fingerstyle」技巧，通過力度強調某些音，弱化某些音，給人一種像瀑布打在水面上的效果。

這些從「three over four device」到「clave」

到「habanera」到「Maple Liaf」clave

再到後來「swing」，Funk中的「Groove」，構成了爵士中最精彩的節奏，而且許多人往往忽略了這個重要的元素，而把一些和聲上很像的作品當作是爵士。

構成爵士的三大起源及要素：反拍律動、和聲的色彩聲效處理、黑人的複合節奏

如何比較系統地了解爵士樂，最後成為懂爵士樂的人？ - 知乎用戶的回答

III）聲效處理

A）在非裔美國人音樂中，爵士基本上是器樂的音樂，Vocal人聲只是很小的一部分。因為爵士的複雜性決定了人聲在音域和速度上是有限制的，而人聲能做的事，爵士音樂家傾向於用各種樂器去模仿。所有的樂器被融合為聲音的一部分，它們既模仿人聲，也互相模仿。

B）黑人音樂中經常有一些「不純」的聲音出現，它們不是傳統西方音樂裡面的音符，顯得很怪異。爵士中最明顯的例子就是Bebop中的小號/薩克斯等樂器，還有後來樂器電聲化帶來的各種非自然樂器音效。布魯斯裡面的聲效處理就是指這種怪異性，像藍調音階中的第一、二、三藍音，其實並不是西方人認為Mib之類的那麼明確，而是介於Mib於Mi之間，在其中來回擺動。

C）律動由低音引領

低音樂器既是和聲的一部，同時也是重要的節奏部，而且經常演奏作品的主題。黑人傳統音樂中對節奏的重視，也影響到了低音樂器，雖然難以讓人聽清主題旋律，但對於律動更重要的黑人音樂來說，完全不要緊。所以你會在爵士中聽到Bass Solo。

D）擬聲

在早期的爵士或者黑人音樂中，你經常聽到各種怪異的現象，明明聽到一個女聲，其實是個男人用假聲在唱；明明聽到貝司的聲音，其實是個男低音在哼；明明聽到大象叫，其實是低音大號在作怪。在前面已經說過了，樂器、人聲經常在互相模仿，這是叫「Grafting」的概念（不確定有沒有寫錯，希望知道的人指正）。

E）一人樂隊的多樂器假象

上面是我自己的理解然後翻譯過來，其實就是一樣樂器通過模仿其他樂器的演奏法、通過複雜技巧、複合節奏等等，給人製造一個團隊在合奏的假象。同樣的，可能只有四、五個人的小樂隊，可以模仿成一個15人的大樂團在演奏。

F）非裔先鋒主義

這是利用現代技術對擬聲等等的聲效處理的進一步發展，在60年代Fusion及80年代的新Fusion時代中大量的出現。

IV)即興及團隊合作

一些東西我就合一起解釋。爵士是非常看重合作的音樂，一個人沒辦法玩真正的爵士。因此他的即興其實更多的是一種團隊的分工合作與默契，無論是有head arrangement的準備，還是現場決定的即興，都與團隊內音樂家的互相交流分不開。因此爵士的即興不是在某段chord chart中隨心所欲，完全沒限制的自由，而是在大家的默契中互相引導，有所選擇。用傳統記譜法把所有東西寫下來，然後一音不差地演奏，確實就不符合這個精神。至於傳統的嚴肅音樂和爵士的即興、記譜為什麼是這樣的差別，可以參考貝多芬，莫扎特等這些大師演奏時，靠什麼跟其錄音的？ - 知乎用戶的回答

爵士的創作過程和演奏是同步的，演奏既是表演，也是一種寫作方式。

而且根據每次的選擇不一樣，每次演奏是不會重複的，次次都是新鮮的，這不是口傳音樂的那種不可靠性造成的，而是音樂家自己的選擇。

每次對作品的即場改編，是為了製造意料之外，情理之中的驚喜，這是爵士的一大魅力和音樂邏輯美學。

團隊合作更是少不了音樂家之間、樂器之間的「interplay」，由於非洲黑人音樂和美國黑人音樂的「call and response」傳統，樂器、聲部、旋律、即興solo、和弦與和弦之間的存在一種很有默契的呼應，這在爵士樂團隊的合奏中是很重要的一環：如James Brown團隊裡面，JB和伴唱歌手的叫喊互相呼應；Hard bop裡面帶有福音音樂特徵的「Amen chord」——Modal Jazz里的「So What Chord」；新奧爾良時期的銅管樂器間的呼應，段落間奏的短句等等……

現在我們帶著上面的觀點去看這三首作品

1—它的節奏是等時的、可循環的，聽上去也有一些布魯斯音階的地方，也有一些很複雜的節奏和複合節奏，但可以它既不groove也不swing，它的反拍律動基本上不存在，那個人認為它不是爵士。

2—首先它就不符合IV的大原則，許多地方聽起來不夠令人「驚奇」，它沒有利用聽眾的聽感慣性，去搞怪。而且律動方面，實在不夠「黑」。所以它也不是。

3—基本符合，但我覺得需要聽聽這作品怎麼在一個團隊里演奏的，就是這點，個人認為它暫時不適合歸到爵士樂中去，儘管「公認」他是爵士音樂家。但如果是只完全用記譜的方式演奏，恐怕它不算爵士吧。

最後一點，格什溫嚴格來說屬於嚴肅音樂家，儘管他藍色狂想曲有著許多和爵士相似的元素，但整個作品是嚴肅音樂的範疇。他的歌劇《波吉與貝絲》中出了許多爵士名曲「standard」，但他離爵士音樂家還是有一定的距離的，正如他曾經拜師的拉威爾一樣，還有他的前輩德彪西，都只是在借鑒，而爵士則是吸收了他們的經典音樂傳統，創出了自己的東西。

這題目一看我就知道作者在英國讀書……【笑

我倒是一直有這樣的觀點，因為藝術家往往有挑戰邊界的習慣，即使我們無視4"33"這種典型個例，很多時候還是會出現風格定位尷尬的音樂，比如這三位...

我個人有點期待權威人士商討一下爵士的定義，現在有很多音樂都不是純正的「爵士」，但跟爵士樂、爵士和聲或者爵士風格關係極其密切，如果能增加個廣義的「爵士」定義的話，至少這三位的音樂可以毫無疑問地算進去~

另：真要較真的話，Scott Joplin的Ragtime、格什溫的那堆「爵士」嚴肅樂，以及Ennio Morricone創作的海上鋼琴師的許多配樂都可以說是爵士也可以說不是爵士…覺得這些詞語的定義是該擴展一下了XD

再另：格什溫跟Kapustin屬性很相似呢，而且格什溫去世的那年Kapustin出生，莫非…【笑

我希望能儘可能簡單清晰的回答這個問題：

爵士為什麼是爵士？和聲上：Chord Substitution Reharmonization；節奏上Rhythmic Change；旋律上：Improvisation幾乎缺一不可。

有些音樂沒有太多即興，比如kapustin，聽起來像爵士是因為具備了和聲和節奏上的特點，improvisation部分被寫成了樂譜，介於爵士和古典之間，但是普遍被認為有違爵士精神(不嚴格按照樂譜去機械演奏，發揮個人的創造力與想像之類的自由主張)，並且大多作品曲式古典(其實爵士的東西基本都是從古典來的······)所以將其歸類於當代古典，現代派之類的

有個更簡單的方法，leadsheet和五線譜區別還是蠻大的，你看著leadsheet聽聽對應的Jazz曲目就知道Jazz有多自由了，

「明明一個G7, 我怎麼感覺連G都沒聽到？」

「Bill Evans 喜歡使用rootless voicing，沒加G就，而且Bill彈得是G9add13(FABC)， box voicing style。那個G被Bass承包了，你聽, Eddie Gomez的Bass旋律多優雅自由，而且跟Bill衝突很小，就像是在對話一樣」

再看看Kapustin嚴肅的複雜的樂譜，分析一下發現······好像用了很多Jazz的元素，這邊幾個小結連續的pentatonic scale；這裡的modal interchange，通過移動一個以major triad為主的upper structure去實現和聲的變化，這很聲音現代爵士；還有這首曲子，這sus9和弦的voicing好像Herbie Hancock······鋼琴家正在按照曲譜一符不落的完美演奏（挺難的），看起來就像是個鋼琴水平很棒的Jazz鋼琴家在即興一樣······

大概是這種情形吧~

都不是爵士。

其實這一類音樂家都是在爵士樂和古典都蓬勃發展了很多年之後，對他們本身從事的音樂做出一些延展的音樂家。

我在之前回答的關於爵士的一個問題里曾說，爵士和古典實際上都是生命力很強的音樂，它們對音樂有很強的包容性，能夠與時俱進，不斷吸收和拓展。

其實樓主所列的音樂家都出生於20世紀，這時候爵士已經發展了快半個世紀了，古典音樂經過印象派之後基本上都沒什麼進展了，古典音樂家必然從其他音樂中汲取營養。

可是為什麼我說他們不是爵士呢？當然，吸收了爵士的古典說白了還是古典，他們的作曲邏輯和爵士有根本差異，所以即使有即興部分，也不能說他們本質就是爵士。

爵士樂的作曲是以句為基本單位的，不像古典音樂那樣，有很宏觀的結構。比如題主列舉的第一首雖然使用了低音的walking，但是沒有walking句子，也基本不用反拍和切分，聽起來有點爵士和現代音樂混合的感覺，實際上Kapustin和Krzysztof Penderkecki差不多同時代，那個時候的音樂沒有能形成共識的風格，大家都在做實驗做創新做融合，而他們所有人的基礎都是古典音樂，重奏變奏也都基於古典的思維邏輯。

第二首在試圖近接爵士，特別是配器，很像爵士重奏，Claude Bolling也確實對爵士有很深的研究，這首曲子有了樂句和solo的概念，但是整體還是基於古典音樂，而不是徹底的爵士音樂，在變奏和結尾部分，都可以聽出傳統的古典音樂的做法。

第三首則基本可以說是爵士，但是問題在於它的調，和他寫作的方式還是太宏觀了，不是按照句的滾動在一個循環內逐漸變化，而是按照結構有規律的變化。