拋棄了人聲的post-rock，如果再將歌名拋棄，純粹用編號來標記歌曲，我們從歌曲中獲得的想像力是將被縮小還是將被放大？

12-28

比如竇唯的一系列專輯，沒有人聲，沒有曲名。只是純粹用編號來標記。

好有趣的問題，我覺得可以拓展為「音樂越簡約就越能激發人的想像力嗎？」。

以下只是想把這個問題引申一下 + 自己的暢想/胡思亂想...

關於後搖的命題，不少都是樂手即興而來，參看「後搖的歌曲名字都是怎麼取的？隨便叫還是真的有那個感覺呢？」，所以大可不必把思維和情緒局限在後搖的命題上，我們可以從音樂本身上來看。

想像力是基於固有形象的再造力，能夠產生想像的對象總有一個可模糊的度。一幅畫從清晰到模糊到完全消散，畫的形象將越來越模糊，而人的想像力會先隨畫的模糊而逐漸激發，再隨著畫變得無法被形象化——想像失去了支點——而衰減。這個極值點就因人而異了。

相比之下，聽覺的衝擊力與感染力會弱於視覺。在音樂上，我們暫時不妨把音樂的「密度」做為音樂明晰程度的一種衡量標準，這種密度在展現上體現在器樂的層次與豐富性（縱向）、節奏與段落感（橫向），在內容上主要在詞的抽象與稀疏程度。

既然是後搖，我們就分四種密度，每種密度展示一首器樂，看客們可以看看自己在每一種密度下的可想像程度和接受能力。

1. 密度最高的
Voices - The Shadow Project
標準後搖配備 + 罕見的人聲。

2. 密度二高的
L1 - Mooncake
沒有人聲，丟鼓和Bass。

3. 密度三高的
Empty Station - Midoriyama
更加稀疏。

4. 最...致命的
Op. 1 (For 9 Strings): I - Ryoji Ikeda
這已經超出了後搖範疇... 只是為了做為測試用例...

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如果你還想往下走，其實池田先生還有更加終極的...
Untitled - Ryoji Ikeda

我的個人體驗：隨著密度的遞減，音樂的場景感越來越弱，似乎是從一座燈火通明的城市到稀疏的樹林再到荒原，我可想像出的事物越來越少。我的極值大概在，密度 2 ~ 3 之間，再往下我就有「這他媽什麼東西，我什麼也想不出來了啦」的感覺了。當然會有極值偏右的人會走進池田先生的數學化電波中暢想宇宙什麼的...

很想知道從生理角度來分析人對音樂的辨析和想像，搬磚引玉啦。

怒答！

舉個栗子：
請聽這張專輯：http://www.xiami.com/album/105666

Sigur Ros這張專輯，所有的歌名都是無題，有人聲，但是全專輯的歌詞只有這相同的一句，我們都明白這句人聲是為了音樂服務的，不是主題，更無心去了解那句囈語是什麼。這張專輯，符合題主所說的，拋棄人聲，拋棄歌名。

整張專輯，除了陰冷凄美孤獨，就再沒其他感受了吧？至少我是這樣的。除了歌名，找不到任何產生想像力的切入點，唯一的寒冷冰原的感覺也是樂隊是冰島的這樣其他的信息帶來的。

我覺得，豐富的想像力，需要引子，就像命題作文一樣。沒有歌名就像是少了引子，想到的東西都比較膚淺，沒深度和細節。悶騷的後搖樂手已經很藏著掖著了，去掉了歌名，想到的東西，也會離樂隊的初衷差很遠吧。

為了印證這個觀點，我再舉個栗子：
發光曲線的《死在旋轉公寓》
試聽請去：http://site.douban.com/glow-curve/

曲名非常清晰，音樂十分有畫面感：開始時寫寫畫畫突然的扔筆而去，像是匆匆留下遺書然後死亡；在不停循環不斷加入音樂元素的主旋律中，各種旋轉的感覺隨之而來，讓人不覺得單調，就像是在一個循環的旋轉樓梯里走啊走，一直找不到盡頭的感覺。於是隨著這個畫面和感覺，可以有相當有深度的想像空間。我拿這首曲子問過幾個人，他們都能繞著它講出一段故事，或美麗，或詭異，或絢爛，但是就像命題作文一樣，逃不出《死在旋轉公寓》。在有限的主題中，想像力被無限的放大了。

以上。

放大和縮小都是相對的概念。重要的是你獲得了什麼。

對我來說無差，因為我一般也不會留意歌名。有時候會注意到歌名，比如EF的《Hello, Scotland》，但也沒有特別想到蘇格蘭什麼什麼。至於《Ett》，甚至都不知道是什麼意思。但是音樂會記錄你聽它時的情景。

每每聽到歌名朦朧的曲子（例如數字、序號、符號等），思緒會隨旋律無限拉長，想像會被氛圍無限放大，所有的感受都是來自音樂本身，所真真切切的感受，而非是自己得知歌名後，強迫自己向歌名方向臆想出來的假想聽後感。此類歌名在聆聽前讓耳朵放空，不被歌名所拘囿，打破歌名的桎梏，本人覺得甚好。

The Tumbled Sea 的《?》
Athletics的《Ⅲ》《Ⅳ》
等等等等

空間變大，但是，每個人的想像力有差別！藝術欣賞結果各不相同！能聽出和弦結構和能想像出好多畫面和情感那是不同的！

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