梵高用怎樣的手法去表現色彩？

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盡量結合作品來說吧，不要用咻咻咻的擬聲詞了，畢竟我不是美術專業的，謝謝

1882年梵高來到阿爾，被這裡強烈的光線熱烈的太陽吸引。
熱烈的太陽炙烤著一切，包括他不冷靜的大腦。

星月夜

向日葵

麥田裡的烏鴉

這些畫都熟悉吧，就是在阿爾的時候畫的。
簡單來說就是
「別人畫畫，他日畫。」

「看莫子看，再看連你一起日哦。」

謝謝邀請。

對於大多數人來說，Van Gogh給我們留下的印象較深的作品應該是一些比較晚期的作品，諸如向日葵、麥田上的烏鴉、星空等等，這些都是在他人生後幾年的創作。實際上，梵高的一生都在四處遊走，他的作品風格、創作手法也都在不斷的變化，從一開始的暗淡、陰沉的荷蘭畫派，到1886年之後，形成的一種獨特的表現色彩的方式，這之間的變化有他自己對色彩的理解，對內心世界的表達，和精神上的躍動。

在1880年之前，梵高並沒有正式走上創作道路，更多的是遇到生活上的困難、感情不的順，後來他爸爸還是誰送他去學校他反而搞宗教和神秘主義去了。當然與其他知名的畫家一樣，梵高從小就展露出一定的繪畫能力和天賦，只是開始的晚了點。

1880－1882年

The Beach of Scheveningen 1882

Landscape with dune 1882

Women Mending Nets in the Dunes 1882

手上找不到80－82年間的作品了。這段時間梵高在艾頓生活過一年，隨後輾轉去了海牙。這段時間的梵高可以說開始正式展露出繪畫天賦，基本上梵高都是自學成才，通過臨摹米勒、倫勃朗等人的作品不斷提升自己的實力。基本上在前往紐南之前，梵高的作品還沒有形成自己的風格，但此時可以看出他在作畫中色彩相對於後期作品比較黯淡，並且是濃厚的荷蘭現實主義風格。也就是實打實的刻畫自己所看到的一切。用筆上多用塗、抹這樣的簡單筆觸來表現。此時的作品雖然沒有後期奔放，但依稀能夠感受到畫面中傳遞出來的厚重、沉穩的鄉土氣息，或者說就是接地氣。

1883－1886

The Potato Eaters 1885

這段時間梵高已經來到紐南，身為待業青年可想而知這時候的梵高是怎樣的心情。人孤獨無聊的時候會找事情做，梵高就是畫畫了。
這張吃土豆的人可說是梵高打響第一炮的作品，或者說第一幅著名作品了。他寄居在一個礦工家裡，每天都是畫周圍的人：農民，農民的妻子，農民的家人，農民朋友；礦工，礦工的妻子，礦工的家人，礦工朋友等等。從畫面上也可以看出這時候梵高的用色已經相對穩定成熟，依舊是受到荷蘭現實主義風格的影響，在整體色調上更加深沉，內斂，人物刻畫非常生動，那種質樸的氣息迎面而來，而梵高本人似乎也有種要紮根在農村的感覺。

Still Life with Yellow Straw Hat 1885

Peasant woman digging or A woman with a spade, seen from behind 1885

這段時間技法上沒有太大變化，塗、抹，短且平的筆觸，用色穩重。

1886－1888
OK，這段時間的梵高開始步入到自己事業的上升期。哦對，在1885年之後梵高去了安特衛普，並在那裡第一次接觸到日本浮世繪，而此時的梵高作品整體上更加明亮了，但是依舊延續之前的寫實風格。
1886年之後梵高來到了藝術之都－巴黎。這時候梵高受到更多色彩上的刺激，尤其是印象派。在這裡必須要提到梵高的弟弟提奧。他的弟弟是一個畫商，在巴黎小有名氣，在他的幫助下梵高看到更多的印象派作品，也學習了很多印象派中的藝術創作手法，比如點彩。

The Courtesan 1887

Portrait of Père Tanguy circa 1888

In the café: Agostina Segatori in Le tambourin 1888

Self-Portrait 1887

這段時間梵高的自畫像作品開始多了起來，開始審視自己的內心世界。

我們可以明顯看到，梵高的作品已經在出現印象派的各種明顯特徵：明快的色彩，短小的筆觸，甚至使用點彩，畫面中的人物瞬時更加生動。不過梵高並不止於此。對於印象派畫家來說，他們更多的還是描繪客觀事物，但是梵高不會止於描繪客觀事物，而是「表達藝術家的主觀見解和情感，使作品具有個性和獨特的風格」。在巴黎短暫停留之後，他去了阿爾。在那裡梵高迎來自己創作的黃金期。

1888－1889

The Red Vineyard 1888

Bedroom in Arles 1888（阿爾的寢室）

The Old Mill1888

Langlois Bridge at Arles 1888
基本上這些作品就是我們現在最常見的一些作品，幾乎都是在這一時期創作。金黃的麥田，藍藍的天空，筆觸更加細長，來描繪一種光在流淌的感覺，可以感受到此時的梵高那種強烈的創作熱情，與巴黎時期不同的是，梵高領會了印象派的一些色彩運用上的精髓，並開始融合自己的創作理念。他近乎瘋狂的創作，在這時他打算組建藝術家之家，而他的一生之敵——高更便出現了。

The Night Cafe 1888（夜間咖啡館）

Cafe Terrace at Night 1888（夜晚的Terrace咖啡館）

Paul Gauguin"s arm chair 1888（高更的椅子－梵高作）

Van Gogh"s Chair 1888（梵高的椅子——高更作）
這些作品創作於高更與梵高在一起的時候。梵高開始逐漸忽略物體的造型而去表現色彩。與此同時，梵高的精神狀況每況愈下，也與高更不斷爭吵，自己耳朵也沒了，生活窘迫賣不出一幅作品，便在阿爾居民的抗議下離開了阿爾，前往聖雷米。

1889－1890
梵高到了聖雷米，其精神狀況依舊令人擔憂，雖然每隔一陣子都會發作，但是發作之後都很清醒，每次清醒後都拿著畫板繼續創作。此時的梵高更加大膽，無論是顏色的運用還是繪畫技法，都達到一個全新的高度。

The Starry Night 1889（星空）
星空。最為人所熟知的作品之一。旋轉的筆法，流動的光芒。梵高在作畫的時候相比已經不再拘泥於形體、造型、規則，更多的是抒發自己的內心感受，相比之下所有的技法都不再重要，或者說沒有什麼比畫自己的內心更重要的了。

Two digging peasant-women digging on a snow-covered field 1889（挖被雪覆蓋的麥田的婦女）

Wheat Field with Cypresses 1889（有柏樹的麥田）

Cypresses 1889（柏樹）
上面這幅作品你甚至能感受到柏樹的生命里，不斷向上生長、攀升的生命力。依舊是旋轉的筆法。

Road with Cypress and Star 1890（路旁的柏樹和星空）
也有這樣轉著圈來畫，那是星星的光芒。

1889－1890
梵高的生命最後階段，來到奧維爾。這時相對穩定的梵高和自己的弟弟在一起，一邊治療一邊繼續創作。

The church in Auvers-sur-Oise, view from the Chevet 1890（奧維爾的教堂）

Portrait of Dr.Gachet 1890（加歇醫生）

生命的最後階段，梵高的創作熱情不減，畫風上也更加穩定、純粹了。在濃濃的色彩之下能感受到梵高內心的孤獨。

其實越到後期，梵高作品呈現出來的感覺好像是在用生命創作，燃燒自己的生命，不浪費一分一秒。大膽的顏色表現，靈活誇張的筆法都對後世形成很大的影響。

最後上兩張我最喜歡的作品。

盛開的杏花（盛開的巴旦杏）

Self-Portrait 自畫像啥都不說了，都在畫里。

謝邀，
他吸收了印象派的外光理論。
但表現色彩不是他的最終目的。
色彩只是他表達對外部世界的感受的手段。

謝邀最簡單的說我從來沒有見過有人敢像他那樣用顏色的

謝邀。

臨摹了不少梵高的畫。
其實說實話，你要是想學得在外行人眼裡看起來很像的話也不難，主要是色彩的堆砌，運用，和大體形象的把握。

但是梵高畫法精奧之處在於他的思想，他的傳奇性，他的歷史地位，以及他在藝術史上的名號。

當然天時地利人和造就了梵高在後人眼裡的高度，雖然他本人並不這樣覺得吧。

運用畫筆在布面上塗抹的時候，注入情感，甚至在調色的時候也帶著種能夠打動你的情緒去吧。

人們都說不要帶著情緒做事，那會降低你的智商，影響你的發揮。

但是梵高這邊卻是相反。
情感情緒的單獨不定和動蕩不安才是梵高最為經典的東西。

有情緒是一回事，會畫畫是一回事，兩者融合又是另外一回事，而因此造就一番傳奇則又是另一番景象了。

巔峰獨舞，王者梵高。
他從未稱自己為王者，但是這不妨礙他在後人眼裡的地位猶如王者一般。

你七大姑八大姨有可能不認識莫奈，有可能不認識拉斐爾，也有可能還不認識安格爾和維米爾。

但是他肯定知道梵高這個名字。
或許還知道他割耳的傳聞，知道他精神的不安，知道他在世時的不成功。

這恰恰是梵高。

他的生平就是他的畫，他的畫就是生平。

他生平的就是畫作的色彩

我是從小學了國畫水粉的人，運用過的顏色也是千奇百怪，但是從來沒想過用它們真正去描寫。但在梵高的信件中，大量的顏色詞穿梭飛翔在字裡行間，甚至很多是很少見的。紅灰，鈷藍，群青，藤黃，胭脂，金棕，灰藍，珞黃……他還會給這些顏色賦予性格，活潑橙，雅緻粉，苦綠，猩紫……彷彿他是顏色的使者，他自己調和，為我們造出前所未有的顏色，他信中寫過「古金色」，其實是由淺橄欖綠和黃褐色調和後深色調的暗黃色。還有普魯士藍，路易十五綠，我看信的時候我就在想這些都是什麼顏色阿？找到相應的畫作一對比，嗯好像是該起這個名字。他從來不掩飾他對顏色的熱愛，甚至形容空氣都用顏色。他渴望「在畫里畫出溫暖的男男女女，通過人物自己的光，通過顏色的震顫去表達。」

我看過梵高太多線稿草稿，哪怕是最著名的星空，線稿中對空氣的流動都畫上了，那個時期的信件中他激動地說道他找到了每一筆的畫法。流動的哪裡僅僅是星河，也是他的藝術生命。他在畫《杜比尼的花園》（他最深思熟慮的畫）時，他已經在追求綠色的細微差異，只為讓人想起麥子在微風中輕輕搖擺的感覺。

最喜歡的一幅：

Irises 1889大概就是，當你看到他的色彩在畫布上纏繞、燃燒，會有一種熱淚盈眶的衝動吧。

以下是我個人觀點。
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藝術中任何手法，都是為了更好的：

把個體的精神情感世界，
這個看不見摸不著聽不到的存在，
轉化為可以更能實際感受到的東西而服務的。

題外話.
如果您哪天在欣賞某個藝術作品時，
產生了一股強烈的、不可言說的情感共鳴。

那恭喜你完成了一次超脫肉體的，
與作者之間的靈魂交流:P

梵高的筆觸變化著實代表了他不同階段的心裡表達

非常喜歡在他離開巴黎後的畫作

像是蛻變成另外一個人一般

筆觸更加大膽，色彩也更加明亮

藝術的真實在於不拘束

也正是這份揮灑自如才能成就藝術的本真

感覺其實梵高就是無意中發現了用顏料（油畫）表達紋理和質感的特長，一個一個像刻出來的線條成螺旋式順序構成他的畫基本表現元素，就好像草間彌生的圓點一樣，我們用色塊表達，印象派用點表達，梵高用小短線，他們都創造了屬於自己眼裡世界的世界，為世界賦予了他們自己的色彩和形式。然後他用低純度明度的冷暖色彩強烈對比。然後作為一個專業的畫家，他此後在形和色兩個方面將這種特點放大和完善，用以表達自己的感情。可以說這些的個人特點，的確是很明顯，感情激烈強烈。

手法並不局限。一開始看不懂，當突然有一次看懂後，內心會淚流滿腔，我也不清楚和色彩有沒有關係。

一坨一坨的手法