如何演奏巴洛克時期的音樂？需要注意些什麼？

12-26

最近拿到了bach和Marcello的曲子，撓頭不知道如何演奏出巴洛克擁有的感覺

這個問題很好的和我最近談論的關於四個主要時期「巴洛克時期，古典時期，浪漫主義時期，20世紀」有所掛鉤，所以我來回答一下關於你問的演奏巴洛克時期音樂所要注意的。當然自己因為是鋼琴專業，所以只說鋼琴上的。

巴洛克時期作品更加註意的第一點就是觸鍵方式的不同。這個時期的作品大多創造給管風琴，羽管鍵琴，或者合唱，所以要求層次清楚分明，當然也因為同時要聽清楚各個聲部，所以，踏板也很少運用（不要理解成不用，但是用也不能被聽出來），這個時期的音符演奏技巧運用更多的是 non-legato , 也就是我們俗稱的斷連奏，即一個音符到另一個音符之間是稍有空隙的，如果按照手指動作來說，從這個音開始演奏下去到下一個音響起時，這個音的手指必須立刻抬起。音色平均，飽滿，厚實，這對手指的站立性要求非常高，這也是為什麼很多孩子從小學習鋼琴，最最最主要的一套作品要演奏的就是巴赫，從小步舞曲，2部創意曲集，小前奏曲和賦格，3部創意曲集等等，它們都囊括了鋼琴演奏上最基礎也是最重要的課程－－－即手指的運動。也因為時期背景的原因，這類作品的演奏，運動到的肢體範圍很少，不像古典時期作品，運用到了手腕，浪漫派時期作品，運用了更多臂膀，以及指肚子。在演奏巴洛克時期作品的時候，為了保證有通透的音色效果，並且不會讓聲音很乾，除了我剛才說的必須有堅固的手指之外，還要注意手指運動方式。大多從指尖到第三指關節處處於閉合支撐狀態，而真正活動點只在第三指關節處，很多人因為手指站立不夠牢固，所以，演奏一些跑動的樂句時候會不自覺的藉助腕力，使得音質，甚至音值都會發生改變，這是需要避免的。

其次，巴赫很多時候因為是巴洛克時期的代表人物（雖然巴洛克這一詞在當時是一種諷刺的意義，很多音樂家自己不願意承認），很多人都認為巴赫的音樂充滿理性而且規整，所以一定要表情嚴肅，我不這麼認為。看一看他的德國組曲的第六首partita 的 toccata 吧，你聽過後還會覺得是一個嚴肅的理性的音樂嗎？儘管他生在巴洛克時期，而且作了大量的樂曲給宗教，並且本人也非常信仰，但是這首toccata給人更多的感覺是他是一個浪漫細膩的人，雖然說大的節拍不變，但是各種和聲的使用，半音階的下行，都會讓人覺得一段猶如「宣敘調」的敘述。它的音樂中充滿了思考和寧靜，當人們聽到他的音樂時會不自覺的閉嘴，給人很安詳的感覺。

最後如果你正在研究或者演奏巴洛克時期作品，或者巴赫的作品，那麼對於它的裝飾音的演奏是一個很有意思的課題，如果你的樂譜是純凈版，或者騎熊，亨樂等大牌廠商，那麼你應該將它翻到前言處，看一看它對裝飾音演奏的介紹，相信能學到更多具體的內容。

非鋼琴專業，但是作為巴赫死忠粉，這麼多年下來彈奏的鋼琴文獻都以巴赫為主，看到這個問題突然想自己給自己總結一點東西。文中很多觀點是自己在嘗試之後選擇的一個「自己聽起來比較悅耳」的處理方式，若有謬誤之處還請專業人士指正。

某些譜例可能會標有出版者認為的分句和斷連奏方式，不一定代表本人認同的處理方式，請各位閱讀時當作純凈版。

這個時期的演奏我認為應該注重的主要的三點：
每個旋律線條的歌唱性（分句和斷連奏取捨大部分歸於此類），
各聲部的分配選擇（均衡or強調？有一部分斷連奏取捨歸於此類）問題，
以及（主要）通過裝飾音來展現的巴洛克風格的音樂趣味。

這三點的重要性不分先後，而難度，就我個人來說感覺是依次增加的。

先做一段概述：演奏巴洛克作品的觸鍵位置應該在指尖，連奏應快而敏捷，斷奏和non-legato應該力求輕巧。力度要避免走極端，不必做出大的變化和對比。速度也一樣，永遠把穩定二字放在第一位（也有例外，比如平均律上冊c小調前奏曲，這種加了不同速度標記的曲目畢竟少數），除了結尾外盡量少做rubato。裝飾音的彈法無論是時值還是音型甚至是指法都必須以嚴格的態度去對待（這一點必須吐槽，學專業的還好，受到的訓練普遍比較規範。身邊大多業餘彈巴洛克的朋友，裝飾音真是各種不嚴謹，指法亂來的，改音的，節奏不對的，指出來時還說「我彈貝多芬/莫扎特/肖邦/李斯特就是這麼彈的啊」），踏板應該慎用。裝飾音和踏板的問題也會在下面展開。

一，情緒
一首巴洛克樂曲的情緒通常都是單一的，這個情緒由主題建立起來，與一種特定的音型或者節奏型相聯繫，然後一直發展下去。有人說巴洛克作品應該不帶情緒地演奏，這一點我不敢苟同。這一時期的音樂情緒雖然不如古典時期富有衝突性和戲劇性，也不如浪漫主義那麼熱烈直率，但是相對於文藝復興音樂來說，巴洛克已經是「人」的情緒和審美所主導的音樂了。但要注意，無論是快樂，悲傷，激動還是虔誠，在音樂表達上都應含蓄，總體上來說還是應該嚴肅地演奏，臉上平靜也好，微微皺眉也好，淡笑也罷，千萬不要浮現出各種鬼畜的表情╮(╯_╰)╭。

二，力度
巴洛克時期的鋼琴是古鋼琴，即槌子鍵琴或者羽管鍵琴。槌子鍵琴的音量較弱，特別是那種一弦發一音的琴，僅僅只能做出pp~mp的力度。後來貌似又出過多弦發一音的槌子鍵琴，但估計力度也大不了多少。槌子鍵琴的觸鍵主要是依賴於手指壓力的控制，音色的變化很敏感，但是從力度上來說變化的空間是極為微小的。
羽管鍵琴音量比較大，但依靠手指完全沒法作出音量控制（似乎有個制音器一類的東西可以控制音量？），這貨在演奏時只能通過裝飾音，分解和弦，或者速度上的漸快減弱來稍微表示有那麼個強弱的意思。
在現代鋼琴上演奏時，想要準確地把握巴洛克風格的話，那就應該儘可能地還原出那個時期的樂器特點。在樂曲的進行中應該保持一個相對穩定的音量。一般要表現力度對比的話，也得採用具有巴洛克風格的階梯式表現法，即句內力度穩定，但分句時可以一句（稍）強一句（稍）弱，一般做出一個mp-mf的對比就行了吧。
比如平均律下冊f小調賦格，這幾處低音聲部分解和弦模進的地方我就喜歡做一個階梯式力度：

也是同一首：

當然也得發揮現代鋼琴的優勢啊，有些樂句做漸變力度是可以接受的，這個就看個人取捨吧，不過再怎麼說力度也得在p-f之內吧。比如賦格的藝術，第四對位法，下面兩個模進段，我喜歡先做一個漸強，然後通過主題出現前的最後一組模進做緩衝，再過渡到原力度。

要是你做出了pp,ff的力度。。。

三，聲部，旋律處理
a,關於斷連奏與歌唱性：一首巴赫的曲子，從頭到尾，從最高聲部到最低聲部都是旋律。在演奏時，心中一定要牢記「讓每個音符，每個線條都歌唱起來」，即使那些用non-legato甚至是跳音演奏的快速音群也一樣。巴洛克時期的鍵盤作品觸鍵十分講究斷連性，在斷奏和連奏之間有著很多介於兩者之間的奏法。不同的取捨對作品性格和面貌的詮釋是完全不同的。
但也有一些一般的通例，比如：
旋律不要出現大片連綿的連奏，這會造成浪漫主義風格。
連奏時也要有清晰的觸鍵點，不要彈得太綿延。音頭要做清楚，每一個音都要乾乾淨淨。也不知道怎麼說這種感覺，就是聽起來的氣息類似於提琴一弓一音（雖然弦樂一弓一音貌似就不是連奏了？），把每個音符充分的舒展開。
比如我在處理平均律上冊b小調前奏曲的低音時，不管我今日興緻所致是用連奏還是non-legato，我腦子裡都會想像著自己在指揮一個大提琴手，連奏弓長，non-legato弓短。但都是一弓一音的，極盡動力和伸展的聲音。

快速十六分音符或者三連音的音群都要用近乎跳音的斷奏或者non-legato。
平均律上冊c小調賦格，低音我喜歡用non-legato做出一種一步步挪動的感覺，配合上上面兩個聲部的卡農，音樂趣味max。

不過平均律上冊降A大調賦格，這裡的十六分音符模進，自己挨個嘗試一遍後還是感覺連奏好聽些，所以具體還是看情況：

八分音符一般頓奏，且主要是手腕頓奏。音和音分開，延留時值長短根據作品風格決定，但不能短於十六分音符。比如上個賦格的前奏曲：

四分音符可以連奏或者頓奏，時值處理同上，不能短於八分音符。

b,關於主題
對於技巧足夠的人來說，每一個聲部的下鍵分句都要經過充分的思考。要是技巧不是特別好的演奏者（比如我自己），至少也得把主題精雕細琢（當然其他聲部的最低要求是彈清楚）。對於賦格主題來說，哪幾個音連奏，哪些彈成頓音跳音，甚至休止符的考慮，再怎麼深入思考和嘗試都不為過。當然再怎麼斷，頓，也只是彈奏上的，從音樂上來說必須是通順連貫的。比如平均律上冊的C大調賦格：

怎麼選擇呢？還是回到最開始說的，一切以能否表現出歌唱性作為評判標準。在這裡分享一個個人方法，我在思考一段旋律的分句和斷連奏時，會先嘗試用各種方法哼出旋律（歌詞自動配上啊啊啊，啦啦啦，嘀噠嘀噠都行- -），當覺得某種哼唱方式很不錯時，再去用手指下鍵模仿自己哼出的聲音。
對於主題在聲部中的地位，突出主題的重要性不再贅述。在技術允許的情況下，可以將每次主題出現時的前半段做一致性處理，而後半段做變化性處理。這一點尤其適用於一些主題後半段聲部自由化的賦格，平均律上冊的C大調賦格仍然是一個好的例子。在該賦格中的主題開端相同，但很大部分結尾都不同。做好這些後半段自由聲部的處理，會讓賦格音樂形象更豐滿，更多變化，更深層次來說，這種良好的音樂趣味會帶來深刻地哲學涵義。

c,關於聲部間的關係處理：
平衡應該是第一位的，每個聲部的力分配應該要大致均衡，不要片面的強調某個聲部（練習時可以反其道而行之）。即使是想強調主題，在眾多有效的處理方式中，選擇通過膚淺的力度增大來突出主題絕對是最下下策的選擇（把這句話的「主題」換成更一般的「某聲部」也是一樣的）。但「不要片面強調」不等於「不要強調」，應在清晰地連貫地表達每個聲部的基礎上再去根據個人喜好去略微強調某個聲部。

四，裝飾音
巴洛克藝術是「裝飾」的藝術，對於建築是用各種雕紋花卉貝殼，對於服裝是花邊羽毛，對於繪畫是鮮艷的色彩和動力的構圖。對於音樂來說就是各種華麗的裝飾音了。

怎麼評價一個裝飾音演奏的好壞？
C.P.E.Bach：「裝飾音應該讓音樂更愜意，而不是更擁擠。」

裝飾音演奏，對於我這種手指機能不好的人來說真是一個最頭痛的問題，尤其是彈裝飾音的那隻手控制多聲部的時候。所以在這個問題上，本人還處在摸爬滾打的受虐階段，朝著「讓音樂更愜意」的目標努力著。所以在這個問題上我也沒有資格寫下一些「心得」之類的話，只在這裡端正自己的態度，以及羅列一些值得注意的地方。
讓我重複一下概述中的那句話：

裝飾音的彈法無論是時值還是音型甚至是指法都必須以嚴格的態度去對待！

巴洛克裝飾音的彈法不同於之後各種風格的音樂！

巴洛克裝飾音的彈法是不自由的！
巴洛克裝飾音的彈法是不自由的！
巴洛克裝飾音的彈法是不自由的！

（要是你的境界達到了以下兩者之一：
1.可以在演奏巴洛克音樂時，在各個聲部即興加上裝飾音還特別好聽特別有巴洛克風。
2.覺得彈巴赫開心就好，彈巴赫需要那麼嚴謹幹啥？我怎麼瞎彈自己聽起來都好聽都不彆扭。
請無視上面重複三遍的話。）

態度端正完畢，裝飾音的記法和彈奏方法，隨便找一本正規的巴赫樂譜前言都會有講，就不在此贅述，只講一些容易被忽略的地方：
1.倚音的長度是按照記譜的符尾實際長度來演奏的，八分音符就是八分音符，十六分就是十六分，不要見了倚音就是快速的滑到主音。
2.波音彈成3個或者4個音都是可以的，時值是主要音符的四分之一，比如4分音符的波音，裝飾部分是兩個32分音符，2分音符的波音，裝飾部分是兩個16分音符。
3.迴音將主要音符均分，或者裝飾部分佔一半都可以。
4.顫音的情況比較複雜：
a,一般從主要音符的上方二度開始，一般是原調內的音，比如G音，c小調從bA開始，C大調從A開始。
b,應盡量奏得均勻，原則上一個四分音符應該彈成八個32分音符，且結束前的一個音應略微拖長。
c,若是顫音後面還有波音迴音，則把所有音都均等劃分，不需另改變節奏 。
d,一拍半的顫音只演奏一拍，最後一個音按住半拍.
e,若顫音前面還有倚音，需要在顫音前一拍中扣除倚音所標明的時值，但是此規則只在d情況下，顫音時值為一拍半時有效。

五，踏板

請不要問這種寫一本書都很難回答好的問題好么？
真有這心思，請去翻閱一兩本相關書籍，給你推薦一本圖雷克女士的《巴赫演奏指南》，有興趣自己再去搜索下別的書吧！

回答的人需要有誠意，提問者亦然

不造題主是學什麼樂器的，沒法有針對的回答【我也撓頭
展開講題目太大了，所以給一個便利的答案。
去網上找找其他人演奏的，先聽再模仿，學古樂就像學外語一樣，多聽總是有益的。
不要捉急有自己的理解和風格，因為現在的狀態，自己的理解和風格基本都是錯的。我就是那個前車之鑒，自己瞎琢磨，結果現在每周被老師一吐槽，練習大部分時間都是把過去的錯誤推平，洗點再來_(:з」∠)_

多聽巴赫大家的錄音。鋼琴有圖雷克，古爾德，席夫；大提琴有卡薩爾斯之類的。可以對巴洛克時期的作品有個大概認知。

可以參考圖雷克的巴赫演奏指南。

贊成開始時先不用踏板和特別節制的rubato.

譜子一定要用原版。

一般來說巴洛克的作品是在理性的框架下的感性（affection）。

這種問題很多時候其實需要具體情況具體分析。。

表情要嚴肅，帶有一點便秘的感覺，肢體要平穩，不要做過於富有表演力的動作。

下鍵力度要平穩均勻，一個句子內不得出現較大的情緒和力度變化。

嚴格遵循譜面的情緒與強度符號演奏，但不要戲劇性地呈現變化。

謹慎使用踏板，避免造成過多的混響影響了曲目整體的味道。

如果演奏賦格音樂，必要時划出主聲部的位置，並強化它。

多聽多聽多聽！這很重要，因為你如果不知道怎麼彈自己想是想不出來的。不要瞎琢磨，不要帶入感情，順著譜子一直彈就能彈好。巴赫的曲子就像一條波浪線，每個句子的起伏要做出來

鋼琴的話慎用踏板。

面部表情和肢體動作盡量不要郎朗。

多研究那個時期的記譜法，尤其是裝飾音。以凈版樂譜為基準，可以多參考後人編的各種版本的處理和指法。

避免浪漫式的漸強漸弱漸快漸慢。

在某些曲子中自己加裝飾，甚至自己加華彩都是既能鍛煉水平又能顯出B格的做法，巴洛克時期很多音樂都可以自己加東西甚至必須加東西的（比如一首小步舞曲，照譜彈到第一個反覆，反覆的時候基於原曲和聲自己做即興變奏，很有意思）（某些場合慎用，賦格嚴格照譜彈）。

把自己當成貴族王室和教會的奴僕，俯首帖耳，唯命是從，切記突出主體性