作曲家或編曲家是如何工作的？

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作曲家或編曲家是如何協調各個樂器的音色，演奏效果，節奏和轉換的呢？他們難道是精通所有的這些樂器嗎？作曲/編曲的時候是所有樂器的譜子同時就寫下來了，還是先寫主要樂器的旋律然後再慢慢改動呢？這期間他們是全憑自己腦海中的旋律譜寫的，還是會一個一個樂器都試一試呢（大概不會吧，交響樂這樣會很複雜吧）？我本人沒有任何相關的背景知識，只是經常在聽音樂的時候會感到很好奇，很想了解，請多指教！

「作曲家或編曲家是如何協調各個樂器的音色，演奏效果，節奏和轉換的呢？」
靠「音樂想像力」這個東西。這個東西有一小部分是靠先天的感覺或者說天賦，其他一大部分是後天通過專業訓練提升的。至於能提升多少，也是因人而異。其實所謂的「學作曲必須要學各種音樂創作技法和分析理論」，目的也就是幫助學習者高效地提升「音樂想像力」。

「他們難道是精通所有的這些樂器嗎？」
不需要精通演奏，但是主要的和常見的樂器，作曲家需要了解它們的性能、音色等各個方面的特點。這些內容大致涵蓋在樂器法和配器法兩門專業課中。

「作曲/編曲的時候是所有樂器的譜子同時就寫下來了，還是先寫主要樂器的旋律然後再慢慢改動呢？這期間他們是全憑自己腦海中的旋律譜寫的，還是會一個一個樂器都試一試呢（大概不會吧，交響樂這樣會很複雜吧）？」
這也是一個因人而異的問題。每個作曲家的寫作方式都是不一樣的。有的作曲家會習慣先寫大致結構，再落實細節。有的習慣先寫細節，再構建大結構。有的作曲家喜歡先寫縮譜，然後再做細節的配器，有的作曲家是直接寫出總譜每個聲部。至於是不是「一個一個樂器都試一試」，基本上也不會。因為首先，作曲者需要的大致音色和音效，自己腦中是有一個預估的。然後，根據這個預估，基本上可以馬上判斷出大致需要哪些樂器，如何組合。所以，可能只是對某些樂器的選擇和使用進行一些相對微小的調整。

他們的工作都非常複雜。一個是創作，一個是二度創作，創作的靈感都是源於大腦。然後用學到的技法編寫出來。對樂器了解越多的就越好，比如根據樂器的音色來安排音樂中的角色。其實可能有點像影視編劇…

靠設計。靠作曲技法，靠四大件的掌控。
最重要的是：靠思維的想像堆積出我想表達的。
舉例交響的話：如果一段旋律需要換幾樣樂器去試的話，那也太水了吧，培養內心聽覺絕對是第一要素啊。
在運用不同的樂器寫作之前，並不需要精通樂器本身，因為有門學科叫樂器法。這是作曲的入門課程之一。

編曲的話，現在編曲做流行的都可以很快，一個框架出來，然後往裡填東西，一首歌就編好了，中國地流行音樂來來去去就那幾個和弦進行，當然有複雜的。交響樂那種的話，現在雖然都有很多軟體了，但很多音樂家還是手寫譜子，這樣不會影響內心聽覺，他們都會了解各種樂器的演奏法、音域等，如果不懂樂器的話可能寫出來的東西樂手沒辦法演奏。作曲家們頭腦都會有那些音響效果，比如柔和的地方用木管組，強烈的地方用銅管組，弦樂組在什麼地方，打擊樂組又在什麼地方，他們對這些樂器的聲音都要很熟悉，不然是不會去寫的。作曲家們會在周圍的環境中捕捉到那種細微微妙的東西，轉化為一種內心感覺，再用複雜的音樂知識輔助做出音響

謝謝，我很感興趣，大家交流，我有兩種方式，第一，即是空寫，不利用任何樂器進行主旋律創作，我認為這是每一個作曲家的基本素養。第二，利用樂器走和聲，在此基礎上進行創作

沒學過作曲，聽過一些網易公開課，有一個耶魯大學的牛逼老頭教授Craig Wright講音樂：
耶魯大學公開課：聆聽音樂（值得收藏，值得好好學習）
我大概的理解就是，作曲家先有了一個動機（motive），然後發展成一段旋律，然後呈示，發展，變奏。