電影、電視和舞台戲劇，在表演方面對演員的要求有什麼不同？
源自問題「演技好壞的評判標準是什麼？」下的這個回答 http://www.zhihu.com/question/19870035/answer/13205619
電影和電視已經差別很大了，跟戲劇就更大了吧，但基本功當然都是一樣的，比如台詞、形體等；
具體各種表演理論我知之甚少，但講到三者區別，在我看來主要區別來自於呈現手段，或者說載體：舞台、電視屏幕還是電影院大銀幕。
載體不同，對表演有著截然不同的需求。
戲劇要掌控舞台，而且因為可以跟觀眾現場有互動感，每次表演都有即興的部分，沒法NG的，所以為什麼那麼多人熱愛舞台藝術，就是因為每次表演都是不可被複制的，而且那種臨場感帶來的滿足，是在攝影機前無法獲得的。
單從表演功力而言，無疑舞台表演（戲劇、戲曲、音樂劇、歌劇等所有舞台藝術）相對電影、電視綜合要求更高。
電視的表演主要靠對白支撐，有位前輩說國產電視劇其實是廣播劇混搭評述連播的視頻版（大意），就是說其實你不看畫面，一樣可以聽的。
雖然有點絕對，至少對國產電影大體是這樣。
所以電視表演中，台詞太重要了，工作強度大，經常是工作人員歇，兩組輪換，演員不歇，連軸轉。
電影因為銀幕大，觀看環境封閉，所以電影表演更注重細節，非常細的細節。
比如《色戒》里梁朝偉和湯唯的表演，比如《無間道》里劉德華和梁朝偉的對手戲，你在電視、電腦上看和在銀幕上看，從觀眾角度在表演層面能獲取到的信息量差別巨大。
一個細微的眼神流轉已經在敘事，一個不易察覺的面部肌肉的不自覺抽動已經在傳遞情感，一個後景廣告牌上的字幕已經在揭示謎底。。。
所以電影的表演方法跟前兩者又完全不同，其中最主要的關鍵詞就是「控制」。我們經常看到演員在電影銀幕上「演過了」，但你把它放到電視劇敘事環境下，可能剛剛好，你要把他放到話劇舞台上，沒準你還覺得他感染力不夠呢。
比如吼叫表演派繼承人馬景濤，人稱吼叫教主，基本上都是在用舞台表演的力度（不是方法）在小屏幕上表演，這要讓他演個電影，估計你得揣著大力丸進影院。
搬條小板凳過來，我也說說自己的一些工作感受嘞。
先說電視劇。電視劇交給表演空間更多，因為台詞量非常大。在這方面，我覺得自己經驗還算豐富一些，自己表演上相對輕鬆一些（求輕拍），更多的難度在於挑戰不同的角色。比如在《房前屋後》的時候演執拗的乖閨女，《你是我兄弟》就要執著求愛的英子，在《林師傅在首爾》里又得演小花痴。每個角色的定位不同，台詞量、語態、口氣都會不一樣，所以，每個角色之前的表演準備比較關鍵。
我記得拍《林師傅在首爾》的時候，非常有意思：一開始，導演沒有讓我演朴善美這個韓國角色。後來試鏡後導演們覺得：樂樂你有這個潛力呀！然後居然把這個韓國姑娘的角色交給了我！當時還挺忐忑的：親們！我可是土生土長的北京大妞呀！
後來那段時間裡，我就瘋狂做表演準備，最主要的功課是每天看韓劇，找韓國人說話的那種感覺，慢慢地也就進入角色了，有了韓國人說話的那個味道。韓國人說話什麼味道呢？現在要有屏幕我能跟你們學一段，典型就是比較誇張、語氣比較強烈，最明顯的特色是有很多語氣的助詞，他們說話前經常會加一個「哦」！然後再開始說。那段時間，我就每天「哦哦哦」 不停，逮誰跟誰哦。
經過準備後順利開拍，進展順利。有一天，張瑞希團隊的小夥伴們問我，您是韓國哪裡的？我說，我是中國人呀？他們都驚呆了：天吶，原來你是中國人？我們一直覺得你是韓國人呢！我趕緊解釋：我正經崇文門的！
這部戲演完後，我也有了後遺症，就是入戲太深，受害最深的是身邊的人，他們可能遇到一個假的樂樂。一開始大家都還好，你剛拍完戲嘛！演完皇帝的人有段時間難免說話頤指氣使，演了太監一段時間有點娘，都很正常，後來終於有人忍無可忍懟我：樂樂，你以後說話能不能不要再哦了？哦哦哦，哦你妹呀！
拍《房前屋後》的時候又是另一種狀態：我演的媛媛是個單親家庭的女孩，要做的功課又不一樣了：我記得當時功課也做得比較認真，努力去感受那種內心體驗，她的性格和家庭環境有關係：在一個重組家庭里，角色尷尬，內心敏感；表面順從，內心抵觸；表面溫和，內心澎湃；他尊重父親的決定，但是並不喜歡那些決定，總之，始終是一種壓抑的狀態。
為了更好表現她，在形體上，我也做了很多設計：比如說話的時候表面上很禮貌，實際上是平靜中帶著一些冷漠，保持一種強烈的距離感；甚至走路的姿態也會因為這個心理狀態變得不一樣，不自如、很收斂、很控制，非常不想引起別人的注意，屬於遛邊兒走的那種。這些言行舉止，這就是演員詮釋角色的需要。
演出《你是我兄弟》的時候，用上的是自己青春期的那些人生經驗（捂臉）。青春年少、情竇初開的時候，如果你特別喜歡、特別迷戀一個人，你的目光會隨時緊跟他，只要他出現，目光就會鎖定他，即使在千百人群里，你也能一眼找到他，並一直跟隨他。電視劇里我演的英子對鄧超飾演的老二的感情就是這樣：千萬人群中，只要他一出現，就會感受到他，眼光再也離開不了。有這個目光，感覺自己心甘情願做什麼都樂意。這是當時我對這個人物的理解，之後所有動作設計也就順理成章：性格耿直，敢愛敢做，愛自己所愛，認定了就不會更改。
所以，這三個人物的動作線和人物設計完全不一樣：朴善美是偏卡通化、韓國化的，媛媛一個是壓抑內斂的形象，而英子是一個心直口快、隨性潑辣的。同樣是走路這麼一個簡單的動作，朴善美會蹦蹦跳跳，媛媛會溜邊走，而英子則會大踏步前行、雷厲風行。我覺得，電視劇表演，最緊要的是感知每個角色的日常，進入角色。
下面說說電影表演。
電影的表演則更精一些。我其實從這幾年才開始嘗試大熒幕，從《飯局也瘋狂》里嘗試打戲，到《惡棍天使》的克瑞斯、《情聖》里的沈紅，都是喜劇角色。相比之下，電影的表演更為細膩，拿捏需要更為精準，電影藝術也更為精鍊。如果你完成了多餘的表演，電影要麼承載不下，要麼被剪輯掉，所以對演員的表演要求是——更精準。而表演的過程，也是一個不斷溝通、求突破的過程。
電影表演的過程非常精細，精細到什麼程度呢？我也舉個栗子：
拍《情聖》有一場戲：肖瀚帶著悠悠回家，開門的時候，全家人都在，沈紅舉著蛋糕，冷眼看著他。這是一場室內戲，空間狹窄，調度不會太多，更多的是需要演員用自己表演去完成導演要求：尷尬，看破不說破，化解尷尬，冷眼旁觀，內心翻滾……
如果這是電視劇場景，一般會出現爭執、口角、大喊大叫甚至廝打這樣的環節，並輔助大量提升戲劇衝突的台詞，這是一個非常能帶起故事高潮的情節，這一場戲之後，隨後的收場、誤會、澄清、和好等等，至少有好幾集的表演空間，足夠一個演員去進入「被背叛者沈紅」這樣一個角色，完成表演。
如果這是一個舞台劇場景呢？不一定像電視劇表現得那麼綿細，但是在台詞和表情上會比較誇張。為什麼呢？因為舞台劇的表演，需要保證坐在最後一排的觀眾都能聽見看到，如果表演幅度不夠，舞台效果就出不來。同時，對每一個觀眾來說，視角只有一個，不能像影視劇那樣多機位拍攝，多鏡頭剪輯，還不能NG，所以需要情緒飽滿、情感到位、一氣呵成，在「三一律」的規範下完成這段表演。
而在電影里就不一樣了：劣勢是時間高度壓縮，整場戲只有3分鐘；空間局促，沒有轉場；優勢是，多個機位、可以NG、可以剪輯，用電影特有的蒙太奇語言來表達。
在表演上我是這麼完成的：假設現在進來的不是肖瀚，是自己老公俞白眉（這一招在拍這這部戲的時候屢試不爽233），我會怎麼辦？從女人本能角度，必然會驚訝、質疑甚至憤怒；同時，沈紅這個角色不是那種一哭二鬧三上吊女人，她識大體、顧大局，況且一家人都在場；更重要的是，她對老公肖瀚是有信任的，這信任建立在一起生活長久的了解基礎上。考量完這些再對一下劇本要求，整體的表演應該是：隱忍、看破不說破、讓他自己化解尷尬。
這場戲幾乎沒有台詞，一共不到三分鐘，我努力用表情來演這種情緒（前方自戀多圖，請躲避！！！）：
剛進來時的錯愕、強裝鎮定：
老公戴上生日帽了，帶著微笑看著他，等他自己解釋：
肖瀚說，我介紹一下的時候，冷眼看著悠悠：你說吧，是誰？（景別有點遠，只有我自己才會注意的角度哈哈哈）
介紹家人時被跳過的微怒：心虛了吧？
終於放在最後介紹，斜眼，鄙夷：你還沒有給出應該有的答案。
被介紹完「我媳婦」以後，得到初步答案了，禮貌地對客人悠悠一笑：
但是還沒有說出介紹悠悠是誰呀？這時心率手錶響了！看著肖瀚的手，情緒又變：
陷入僵局時，湯懷突然出現。會怎麼樣？冷眼旁觀：
湯懷說是自己女朋友，救場來的！我反正是信了：
目送 湯懷帶著悠悠走，順便看看死裡逃生的肖瀚（我就看看 ，我不說話）：
到這裡，這一場戲就結束了，整個過程雖然只有短短不到三分鐘，沒有一句台詞，但是在演的時候，有很多功課要做。沈紅要把她的內心感受傳達給觀眾，應該就需要這種精細的表演。
相信大家也都注意到了，不停在說話打哈哈哈化解尷尬的肖央，表演的情緒轉變也非常劇烈，要求也非常高，這也是符合他的性格特點的。在這一靜一動之間，觀眾就覺得這夫妻關係很有趣，甚至陷入思考：如果是我們自己，怎麼辦？
這就是電影表演的特點。這也是電影的一個普通得不能再普通的場景了，放在電影史上，也許不值一提。這樣一幀一幀地分析，但願大家不要嫌我羅嗦自戀（捂臉）。
最後說說舞台劇吧！
這是我偏愛的一種表演形式，也是最具挑戰性的一種，我可能需要用一輩子時間去慢慢的體會，慢慢揣摩。和很多演員一樣，我覺得舞台有一種獨特的魅力，站在舞台上的那種感覺是一種享受，尤其是當你和很多非常優秀的舞台劇演員合作過以後，清楚地知道舞台上的那個「好」的標準在哪。從十年前《翠花》，到後來全國巡演過的《分手大師》，經過長時間舞台訓練，我的感受是：每一場都不一樣，真的不一樣。有的台詞，你因為今天下午看到一則悲傷的新聞，念白情緒都會和昨天不一樣，更奇妙的是，和你對戲的演員能清晰感受到這種變化！
我記得那一年演《諾亞方舟綁架案》，和曹雲金搭檔。戲裡有一句台詞是這樣的：
我家人不同意我們在一起，我要去找我男朋友去了。我男朋友今天來接我了，我要訂婚了，他特別好，是個白領多金的帥哥。不像你。
這句台詞既是戀人之間鬥嘴，也是故意氣他。在一開始演出那幾場的時候，我更傾向於認為這句台詞是調侃，語氣一直是是趾高氣揚。曹雲金也都適應了，我說得越眉飛色舞，他那個角色越無動於衷。
演到第十幾場某一天，我在台上說到這些台詞，突然感覺非常傷感：我情緒一下子變了。是呀，一個姑娘都對你說了這麼嚴重的氣話，而對方不接茬，她的內心會有多難過呀！想到這裡，我眼淚突然下來了，一點防備都沒有，儘管語氣沒變，曹雲金當場嚇了一跳。站在台側的經紀人趕緊問：怎麼了？樂樂是不是被什麼東西撞到了？
這就是舞台劇表演的特殊之處：每一場的表演都是不一樣的，你演得越來越多，對這個人物了解越來越多，越能走進人物的心理，把握和拿捏得越準確。
最後總結一下：其實這三種表演形式是共通的，都屬於表演範疇，只是實現形式不一樣。對於一個幾種形式都嘗試過的演員來說，重要的是努力用一個匠人的精神，去磨礪自己的演技，體會不同的表演模式的區別。我爭取把自己的人生經驗放進表演里，創造更多經得起推敲的角色。
就回答這麼多啦！
這幾年學English Theatre.
它要求你有較深的文學功底，從經典名著如莎士比亞的威尼斯商人/十二夜/哈姆雷特，雨果的巴黎聖母院到海明威的老人與海等。都要有一定的了解，對角色有個人的見解與體悟。
它要求你做嗓音訓練。咬字發音、語調、聲量等。吊嗓子算是基本功了。曾經試過拿著一本笑話書練哭嗓。
它要求你反應敏捷有力，所以也有一定的體能訓練。舉例，每堂課開始時老師會要求你以金字塔狀姿勢四肢著地而屁股翹起，手拿抹布保持姿勢擦地。（基本肯定要是家庭主婦用這姿勢做衛生，不出三個月就瘦了）還有很多靈敏度訓練，就不一一列舉了。
我們時常要做frozen scene. 也就是老師給一個題材或主題，三分鐘內呈現一個靜態畫面以表達該題材，以小組呈現為主。
偶爾還得寫詩，替歌詞配劇情等等。還得自己負責服裝、道具等。
此外，舉個栗子。
偶像劇要求主角好看是最基本的，有演技則更好。而舞台劇則是不太關注外表的，因為實際上表演者離觀眾有點距離。他們的肢體語言必須豐富且有感染力，還得適度誇張。沒人看見表演者的眼淚，則以哭嗓，身體的姿態為主來呈現。
這跟這三種藝術形式的載體有關。
電影有剪輯、在大熒幕上放、特寫較多等特點，所以要求演員表演要能有瞬間的爆發力、短時間進入情緒的能力等，且表演要非常的細膩，富有詩意，且必須「走心」，因為那麼大一塊熒幕，那麼大一特寫，你走不走心一眼就看出來了==另外，電影的構圖是導演決定的，拍哪不拍哪也是導演定，所以演員一定要學會用局部去表演，比如眼睛、手，等等。
電視也是剪輯完成，但是是大眾傳媒，在電視上播，拍的時候也以多機位連貫排一場的形式較多，所以演員要求在表演上更鬆弛，更貼近生活中的狀態，也需要更多的連貫性。
話劇是舞台藝術，觀眾離演員比較遠，且是在一段時間內不停歇的完成演出的，因此演員動作表情一定要誇張，全身都要進入表演狀態，且要非常注意構圖和其他演員之間的關係、刺激反應的等，一氣呵成。個人覺得這個最難也最過癮。
業餘時間演過兩部話劇，沒演過電視劇，就從表演的角度說說吧。我感覺舞台劇和影視劇最大的一個區別是，影視劇可以通過鏡頭組合（長焦、近景、特寫、長鏡頭等等）來表現情節，而話劇則只能通過演員的表演。為了能讓台下的觀眾看明白情節，話劇演員在表演時與影視劇演員有一些區別。
第一，表演誇張。話劇（其他舞台劇也類似）相比較電影、電視劇表演是比較誇張的，肢體幅度很大，表情變化豐富。話劇觀眾距離演員遠，即使是小劇場，最後一排的觀眾離舞台也要5、6米。如果演員動作幅度不夠大，表演不夠誇張，觀眾很可能看不清演員在做什麼。
比如要表現一個人哭泣，影視劇演員可以只做出悲傷的表情，讓眼淚靜靜的划過臉龐，導演也會給演員一個特寫鏡頭，畫面里只有這個演員的一張臉，觀眾自然就明白了。但是在話劇舞台上沒有特寫鏡頭，觀眾看到的是整個舞台和這個舞台上的所有演員。如果一個演員只是默默流淚的話，觀眾可能根本察覺不到這個演員在表演哭戲。所以演員必須有大幅度的肢體動作，比如走到舞台上離觀眾比較近的位置（稱為台口），臉上做出誇張的表情保持4、5秒，然後突然坐到地上哭天喊地、兩腿亂踹，大聲喊道：「弟弟，你死的好慘啊，我沒能救活你啊」等等，就是為了讓觀眾看明白，我現在是在表演哭。
第二，當演對手戲的時候，影視劇演員一般是對著對手演員表演，而舞台劇演員通常是對著觀眾表演。比如說同樣是兩人對話情節，影視劇里通常是兩個演員面對面表演，導演先給一個全景鏡頭，然後哪個演員說話就給哪個演員一個面部特寫；但是話劇舞台上，兩個演員都是對著觀眾表演，誰念台詞誰就向觀眾方向走幾步，說完台詞後再後退幾步把表演空間讓給下一個說台詞的演員（稱為舞台調度）。
話劇中之所以這樣做也是為了能讓觀眾看明白，如果演員背對著觀眾表演（稱為背台），觀眾就看不清演員在演什麼，甚至聽不清演員的台詞。
現在感覺到影視劇中有時也會借鑒舞台劇的這種表現手法，兩個演員對話時不是面對面，而是都面向鏡頭的方向，誰說台詞就把鏡頭焦點切換到誰身上。這樣的好處可能是希望觀眾同時看到兩個人的面部表情，避免鏡頭切的太碎。
第三，話劇更重視對台詞的處理。由於影視劇一個鏡頭可以不停重拍直到導演滿意，還能夠後期配音，還可以配上字幕，所以影視劇演員對台詞的要求沒有那麼高。據說有些演員在片場根本不說台詞，就不停的從一數到十，台詞完全靠後期配音。
但是話劇對台詞要求就高很多。一方面話劇不能配音，一般也不提倡帶麥克風，所以演員必須字正腔圓每一個字都要送到最後一排觀眾耳朵里；另一方面台詞有時候是演員之間約定的暗號，比如台上的演員說道哪句台詞的時候，台下的演員就要上場；或者說道哪句台詞的時候另一個演員就要開始念自己的台詞。這種關鍵的台詞（稱為氣口）是絕對不能說錯的，如果說錯了，該上的演員沒上場，該接的台詞沒接上，就會出舞台事故。
我之前演過的一部話劇就出現了這種舞台事故：有個演員有兩段獨白。本來設計的是，他念完第一段獨白最後一句，演員A上場表演；他念完第二段獨白最後一句，演員B上場表演。結果這位演員把第一段獨白的最後一句念錯了，念成了第二段獨白最後一句。導致演員A以為改戲了就沒敢上場，演員B直接就上場了，中間漏掉了一大段戲。
舞台上的表演更注重能量的控制，熒幕里則更需要細節的表現
Q：當時覺得演電視劇和演話劇有什麼區別嗎？
A：我覺得沒什麼區別，能演舞台劇，演電視劇就是手到擒來；但演影視的未必能演舞台劇。我不贊同把演員分
成舞台演員、影視演員。在表演領域，演員應該是無所不能的。不能說你面對機器你就發怵，在舞台上面對觀眾就撒歡；或者反過來，對著機器你無所畏懼，對著觀眾就犯難，這都不是好演員。我挺佩服前蘇聯的那些表演藝術家，比如《辦公室的故事》那兩個演員都是舞台演員，在鏡頭面前表演得非常自如，給他們配音都覺得
他們的演技始終壓著你。
以上來自馮憲珍的一段訪談。我覺得說得簡單又在理。
電 影——靜若處子、動若脫兔；
電視劇——相貌耐看、適當賣萌；
舞台劇——手舞足蹈、歇斯底里。
演戲劇的可以演電影~~演電影的可以演連續劇~~重點：這個關係不可逆，逆向行駛就會發現力不從心~~
覺得舞台劇最需要功底，十年磨一劍都是正常的，短短几個小時的爆發力和渲染力，不容出一點錯，當然最近也喜歡看演員笑場，我的惡趣味。電影燒錢，大銀幕，缺點都會被放大，渾身上下都要有戲，電視劇。。。可以經典可以腦殘。
可是我也不明白為什麼泰國都派新人去演電影，有知名度了才能去演電視劇，匪夷所思。
用拍電影的方式拍電視劇 是包餃子喂狗---前輩曰
前幾天在計程車上 正好聽到個節目 說《茶館》的 比較話劇版本和電影版本
舞台劇 都得靠語言和肢體 尤其是語言 你得讓全劇場的人聽的見 音量和語調都可能會誇張一些
而電影 那麼個屏幕 就算是屏幕後的空間是無限的（電影空間上的） 但是觀眾還是喜歡真實性強的
你的語言語調都是和常人一樣的 那表情和眼神可能就成了關鍵
簡單點說。舞台需要誇張，肢體，言語都需要。
電視需要生活，越貼近生活，越真實
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