有哪些優秀的不使用正反打拍攝對話的電影段落？

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或者有哪些電影全片不使用正反打進行拍攝？這種方式究竟是好還是不好？

大師侯麥，所有的電影都是人物在不停的「嘮叨說話」，但是他的片子自始至終，沒有一個正反打組合。
維斯康締，經歷義大利電影不同時代的大師，始終信守著最傳統的歐洲電影表現手法，靠全景場面調度和人物的全場運動來創造氛圍。
一鏡到底的影片，希區柯克的《奪魂索》，還有《鳥人》，不過兩部都是偽一鏡到底。真一鏡到底就是《俄羅斯方舟》了。
阿方索卡隆《人類之子》的經典長鏡頭，《第十放映室》分析過。
姜文的《讓子彈飛》里的「鴻門宴」。
侯孝賢《悲情城市》，全片在醫院的幾段都是鏡頭固定的遠景拍對話。
小津安二郎的《東京物語》，冷靜的把鏡頭放在一邊拍對話。

還有伍迪艾倫，大衛芬奇，科恩兄弟，王家衛，《鳥人》導演岡薩雷斯都經常用非正反打拍攝對話。沒有專門找過鏡頭，望補充。

分析一下非正反打的運用。
正反打是電影對話的標準拍法，最不容易犯錯，所以最常採用。以上提到的經典非正反打對話，一是導演有很好的導演功底和藝術才華，能夠用自己喜歡的方式拍出不落俗套的效果。正反打的對話容易拍攝，容易理解，非正反打的拍攝就看導演意圖了，比如《公民凱恩》里，凱恩和妻子吃飯的鏡頭，兩人開始面對面吃飯對話的時候桌子小，距離近，表現了兩人新婚後的親密關係，後來隨著時間推移兩人距離擴大，對話逐漸冷淡，表現兩人的關係逐漸疏遠。非正反打就表現出了這種關係。
所以用非正反打對話是高技術活兒，用好了就是經典，看起來也很爽，比枯燥無味的正反打不知好到哪裡去了。

以下出自時光網《正反打，連續拍攝及延伸
思考》
我可能得解釋一下為什麼我會這麼注意「正反打」組合，貌似這就是一種拍攝對話的方式而已，能有什麼大不了的？我原先也這麼想，但是每當我看到一個充斥著正反打組合的片子的時候，就會發現不單單是這幾個鏡頭，有百分之九十的可能，這個片子本身必然洋溢者一種絮絮叨叨讓人糟心的氣質。我意識到這個手段它其實不只是手段這麼簡單，它實際上改變了一個場景，一場對話，兩個人物之間的表演，甚至是一個電影的重心。
最簡單的，在沒有「正反打」的年代，電影是個組合拳，30、40年代的好萊塢是個充分展現電影獨特氣質的年代，場景，氣氛，明星融入一爐，綜合體現和調動整體才是目標。而當你盯住一個正反打組合鏡頭看的時候，你得到了什麼？你看到的其實是兩張演員的大照片在張嘴說話，你很難看到場景（百分之九十的正反打鏡頭是短景深），看不到人物的動作，看不到說話的兩個人之間的關係。時不時插進來的那個小全景其實更多的是為了剪輯方便，把兩個分別拍攝但在對話內容上相關的鏡頭無法銜接的地方抹平。而最重要的是，在這樣一個組合下，你唯一關注的就是他們在說什麼，對了，正反打的秘密就在這兒，它是一個最簡便的，最偷懶的，最不需要花力氣就能把影像作品的故事交代清楚的手段，它是百分之百圍繞著文學敘事展開的一種視覺手段。現在明白為什麼這麼多的電視劇，包括美劇在內，從頭到尾都是正反打了吧，因為他們要講一個在規定時間內很可能講不完講不清楚的故事。為了快速讓觀眾明白，他們只能這樣拍。
「正反打」得以流行的根本原因並不是它優秀它有充分的表現力，而是因為它省事兒方便，更是因為使用它的人根本不在乎電影本身的特性和優勢，他們不尊重和懶的發掘電影自身的優勢特點，他們要表達的是自我的獨立於電影手段之外的文本觀念。電影還是不是電影，他們並不在乎。
但其實，所有的正反打鏡頭要表現的內容，即便是在低成本的情況下，只要動腦子，也是完全可以用其他方法替代的。
正反打組合割裂的也是一個場景本身的連續性，一切本可以是連續流淌的東西，在鏡頭為了敘事而無謂的頻繁切換之間斷裂成碎塊，在這個過程里，甚至演員的表演本身也被打斷了。為什麼在正反打開始頻繁使用後，經典好萊塢時代行雲流水般的場面調度和視覺風格一去不復返，這是重要的原因之一。
【討論】
張小北 (不想當導演的編劇不是好影評人！)　　
我的個人觀點，對正反打技巧的取捨，實際上體現了導演的空間感。但凡頻繁使用正反打技巧來表現對話的影片，導演要麼是不懂得電影空間感的營造，要麼是真的不在乎。
我特別同意你的一個觀點，「一個電影正反打組合太多了以後，必然是一部在視覺節奏上極其無聊無趣的片子。」我經常在學生作業里看到大量的正反打鏡頭，這就是導演對敘事節奏和空間感的把握上出現問題了。
正反打鏡頭的格式，基本就是兩人在對話，鏡頭切來切去，最大的變化無非就是景別。對於國產電影來說，依靠對話推進情節和展示人物，肯定是最省事的辦法。而最省事的辦法，往往也是最省錢的辦法。所以，低成本電影就偏好這種技巧——國產電視劇連正反打都會覺得太貴，它們往往用移動長鏡頭來表現對話，這樣更便宜

侵刪

這完全是個區間的問題嘛。三鏡頭法（正反打）其實是格里菲斯發明的，是由於當時打背景光的打燈噪音太大，打了燈就沒法受音了，所以只能放棄背景的布光，用拍攝對話的兩個人來作為整個段落的內容，但是呆板得拍兩個人觀眾很快就看膩了啊，於是格里菲斯想出了一個辦法，用雙人鏡頭，單人鏡頭，和過肩鏡頭三種互相切，來做一做變化，讓觀眾不會膩，後來發現這玩意兒很實用啊，所以好萊塢就用到了現在。但是現在的三鏡頭法還加入了很多別的花樣，鏡頭運動也更豐富了，不再是定機位。比如諾蘭大神的《黑暗騎士》里這一段

這一段就算比較高階的三鏡頭法了

跟越軸一樣，三鏡頭法也算是好萊塢的陳規舊矩了，沒必要去遵守

最後：只要不是好萊塢電影，以及刻意模仿好萊塢的電影（比如中國那一大堆），其餘的電影基本都不存在三鏡頭法的。

例子嘛，我想想

《阿飛正傳》里阿飛約完妹子，妹子洗漱完要走，這段對話從始至終是一鏡到底，而且是全部對著阿飛的。劇情中阿飛頭都懶得抬一下去看妹子，所以整個鏡頭也非常精準得定在一個位置，觀眾聽到妹子說話，看電影多的觀眾本能得覺得該切臉了，可是不，就是不切。妹子轉頭看了，還不切？妹子說了好幾次『我回去了啊』阿飛也完全不搭理，鏡頭也完全不切，最後得妹子自己跑過來問。就這麼一個鏡頭就營造出了『喵星人跟鏟屎官』的即視感，這是靠把握觀眾心裡預期才能做出來的，杜可風就是杜可風啊

我當然不清楚
不過Wes Anderson的電影里
會出現鏡頭180度搖動表現兩人對話
當時覺得太神奇了

還有姜文的
《讓子彈飛》在碉堡哪吃飯的場景
雖然仍舊有場景切換

一鏡到底的影片
比如《俄羅斯方舟》
《鳥人》
也不會使用正反打

我自己認為，有熟悉穩妥的方式來表現的對話
無所謂用什麼方法來
正反打只是不會出錯
應該是不錯，但讓人提不起興趣吧

香港70年代電影里有一些應用變焦的手法
不太記得片名了

before sunrise的三部曲其中一部分對話

落水狗裡面開頭幾人圍在飯桌的對話，誰說話反而使用誰的背面

彗星來的那一夜
開頭和結尾的電話對話回味無窮