怎樣培養鏡頭剪接的感覺？光是對電影拉片嗎？

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題主想表達的是電影畫面（frame）是如何剪輯在一起的吧，讓剪輯起來的一組畫面更流暢自然。想知道畫面如何剪輯，首先得明白畫面是如何拍攝而成的---電影鏡頭如何拍攝組合，既然畫面來自鏡頭，那麼鏡頭如何組合一定有內在的邏輯，畫面剪輯的時候自然依靠鏡頭組合的邏輯進行處理。

流暢的鏡頭不是靠剪輯起來的而是依靠舞台調度。一個場景的連續鏡頭的組合邏輯在開始拍攝之前就預先設計好了。尤其是長鏡頭更依賴舞台調度。
一組胡亂拍攝沒有基本的場面調度邏輯又沒有蒙太奇意義的鏡頭是無法用剪輯把畫面銜接起來的。

拉片式的解構只是重新還原分鏡頭畫面，他不是導演的施工圖而是效果圖，你很難發現真正的剪輯點在哪裡，更無法確切的知道攝影機是如何運動的，演員是如何走位的。如何製造「畫面」，控制攝影機和演員，製作「剪輯點」的巧合讓鏡頭的剪輯的時候可以自然的無縫連接則需要一張頂視圖---舞台調度。有了「施工圖」才能指導現場。剪輯師做的是對畫面frame進行組合，而不是幫導演去找電影的鏡頭感，處理鏡頭的邏輯關係是導演的工作。
剪輯要做的恰恰是要破除鏡頭是被「拼接」起來的感覺。用舞台調度理論處理好拍攝時的鏡頭順序和組合邏輯，對後期的剪輯工作將大有益處。

一個場景單元內的鏡頭銜接組合大部分只需要依靠預先的場面調度即可完成。剪輯所作的是修剪枝葉，調整鏡頭的節奏感。

如圖所示，這是一張導演布置演員走位，鏡頭跟蹤運動的場面調度設計圖，強調一遍：這不是分鏡頭畫面，而是舞台調度設計圖，藍色圓圈代表男性、紅色圓圈代表女性、圈內橫線代表演員的頭部朝向、「〈」符合代表攝影機、「.」代表設置的關鍵幀（就是要切換鏡頭和剪輯的一個節點）鏡頭代表演員走位方向和攝影機運動方向。從中可以看出，所謂的剪輯點即關鍵幀在設計舞台調度的時候就已經預先設計好了。剪輯師拿到樣片之後就按照標記過「關鍵幀」鏡頭開始剪輯。

因此，高超的舞台調度技巧才是真正保證電影鏡頭有流暢感的前提。如果你是獨立電影人，那麼場面調度理論必須精深掌握，只有了解了舞台調度技巧，才能真正了解每個鏡頭連接的意義。這樣在剪輯的時候才能得心應手。
導演拿到劇本就應該開始思考舞台調度，如何協調演員和攝影機的關係，在這個基礎上設計出來分鏡頭才有意義，現在已經有了更先進的預演軟體來幫助導演完成思考。

用poster軟體製作preview預演，設置攝影機運動和演員走位，這樣導演對鏡頭間銜接和關鍵幀的設置點的判斷就更加簡單。

想學屬於剪輯的技巧？看看90年代香港的動作片和功夫片，那些花團錦簇讓人目不暇接的武打鏡頭大多數出自神剪麥子善之手。

關於鏡頭剪輯的鍛鍊，培養感覺只有一個辦法，就是多剪。
之前跟張嘉輝老師合作個，我也問過他這個問題。由於本人不是剪輯，所以不知道可行不可行。
剪輯的感覺就是一瞬間經驗的爆發（絕對不是靈感爆發）。在動作片中，什麼樣子的鏡頭感覺最刺激。愛情片中，什麼樣的節奏最浪漫。這個鏡頭要停頓多久，那個鏡頭要拉到什麼位置卡掉。這些感覺不是天生的。都是在你不停的進行剪輯中緩慢積累的經驗。
因為人的感覺大部分都是一致的，但是在電影中很多人能知道電影剪輯感覺很好，但是說不出原因。最牛的剪輯師也可能說不出來，他只是在不停的剪輯中得到經驗，然後在自己腦中總結。然後由經驗轉換為習慣。
所以剪輯感覺提高，只能多剪，將理論完全變成習慣。
剪輯師就是要穩準狠，剪輯技術穩定，剪輯位置準確，剪輯力度兇狠。
如果你只是想找人告訴你怎麼速成，而不全心投入並花大量時間去練習的話，是不可能成為一名優秀的剪輯師的，哪怕你參與過一些項目，也無法到達這個領域的高端

無論電視新聞，還是電視專題，都是剪輯藝術，畫面是電視節目的基本元素，合理組接才能構成有機的畫面「語言」。創作實踐中常出現這樣的現象：電視記者拍下了一大堆畫面素材，到了編輯手中卻篩選不出「有效」的畫面，難以結構成片，這是因為攝影記者在拍攝時忽略了剪輯原則的要求。簡單地講，比如同一場景、同一景別的一組畫面是根本無法剪輯在一起的；又如「跳樓」的鏡頭因為容易引起運動感的錯亂也不可直接剪接，這就是說如果電視記者在拍攝時不考慮! 甚至根本就不懂" 基本的編輯原則要求，那麼他所拍攝的畫面只能是一堆多而無用的「廢品」。一個好的電視攝影記者所拍攝的東西，應該是對編輯創作構想的拓展和豐富。

我覺得和影片的節奏有很重要的關係，你想要什麼樣的節奏就來怎麼剪輯，你想要帶入感和客觀，就要大量運用長鏡頭，如果你想剪動作戲，那你得掌握動作的節奏，力度，比如預備有多長，攻擊有多迅速，雖然演員的表演是可以作出節奏的，但是鏡頭的大節奏才是將每一個鏡頭串聯的關鍵，景別和構圖比較隨意，只要不越軸，構圖只要達到你想要表達的感覺就是不錯的，我同意上面說的要大量練習積累，學習每種情緒帶來的節奏

一格一格的看，反複看，截圖看