《蒙娜麗莎》受讚譽的原因是什麼？

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畫得好。

謝邀。
寒蟬似我的鏈接已經說明很多了，知乎上有很多類似問題，建議先搜索再提問。如果看不懂一幅畫，建議去找收藏這幅畫的博物館，那裡有最專業最權威（一般來說是比較權威的，不排除存在爭議的可能性）的說明，所以我貼一個盧浮宮官網對這幅畫的說明吧：Mona Lisa – Portrait of Lisa Gherardini, wife of Francesco del Giocondo

謝邀
受讚譽的原因不多談， @寒蟬似我的答案給的鏈接已經談了很多。
但如果你問的是收到如此廣泛關注的原因，我可以給你另一個思路。

以前曾經看過一系列紀錄片，在研究《蒙娜麗莎》受歡迎的成因，其中談及如下內容：
①其「神秘的微笑」是達芬奇多年研究出的最適宜的嘴角弧度，已非首次在作品中應用→所以，《蒙娜麗莎》受歡迎顯然不僅僅因為微笑。
②作為國王的達芬奇藏品中的一件，她直到18世紀（此處存疑）仍不為大眾所關注→那麼什麼時候開始她受到了世界矚目呢？
③19世紀初（此處存疑），該畫作從當時收藏其原作的博物館中被盜走，館方多方廣告搜尋，動用大量人力物力，經歷很長的時間，最後竟然在異國的一個壁爐旁邊的厚木板裡面找到了（此處存疑），差一點改作就被不識貨的黑市買主燒掉了。由於此事實在離奇，加上熙攘甚久，民眾的八卦心理得到了極大的滿足，逐漸口耳相傳，該畫作也開始變得受到矚目。

以上是我腦內仍殘留記得的一些內容，未必準確，待我查實再行更正，亦歡迎諸君提點修改，感激不盡。

瀉藥，然而非我專業領域，不強答。

不過我好像見過類似問題，請移步觀看。
http://www.zhihu.com/question/19667267

《蒙娜麗莎》：從此，你們再畫啥，都是老子們玩過的了。

我從其中一個角度來說吧。

技術的革新與完善：

在這張畫中，達芬奇較成熟的運用了一個開創性的表現手法：虛實。

發現+歸納+運用

在此之前的畫作，虛實關係是沒有的，即使有，也充滿著偶然與隨意。

而《蒙娜麗莎》，在那個神秘的微笑（嘴角），就開創性的運用了虛實法。

你說：我看了也不覺得多神秘啊。那是，後來玩這招的人就多了，自然也就不新鮮了。

這樣比喻吧：假設前面有三個人，分別發明了地、水、火。現在世界是由三大元素組成。噹噹，有人出現了，推演出了第四元素：風，從此這個體系完整了，也終結了（不會再有突破了）。

虛實，正是西方古典寫實繪畫，最後的一對基本關係。

完善了古典寫實主義的同時，也宣告了這個流派的終結：從此，你們再畫啥，都是老子們玩過的了。

之後都是題材的改良和革新了，再後來倫勃朗運用了筆觸，這已經逐漸開始超越寫實了。再後來，光學進展催生了映像派，都是後話了。

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補充：背景是更典型的虛實法的運用，另外其他答主給出的鏈接我去看了一下，基本上我這個屬於他所說的內容的白話版。

謝邀，
大家都好正經的回答了題主，我來搗個亂吧(●ˇ?ˇ●)

歪題了，哈哈哈哈哈哈……

邀請我回答這麼屌的問題？太抬舉我了…………

關於這幅畫，要談的話還真是一篇論文的事，我也沒那麼大本事，在這裡只能說說自己的看點，比較簡略，不要嫌棄。

簡單說起來，這幅畫之所以成為最令人矚目的作品，在於其技術的經典以及其神秘。
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先說技術經典性
這隻一張從技術角度集大成的一張肖像。
無論從哪方面而言，這張畫都可謂是典範。
這裡僅談幾個主要方面。

一、構圖的經典性。
最經典的三角形構圖。這個不多說。
另外可以注意人物的衣紋走向、地平線的位置、背景形態，都指向了人物的頭部，也即畫面中心。

粗糙，勿怪。

從構圖技巧而言，這張畫幾乎涵蓋了當時所有的技巧。
而之後幾百年里，這些構圖技巧仍然被大家不斷運用。

二、色調的經典。
這幅畫體現了達芬奇的色調美學：灰調的美。
達芬奇曾在其《論繪畫》里談到調子問題，說：『模特站在下午的白牆邊，這種光線最美』。
這句話怎麼理解？
我的理解是：主光源不強烈，反光微弱。整體為灰調。
這幅畫就是達芬奇所謂「最美」的調子的體現。
從色調安排而言，最亮為頭部、胸部，次亮為手，其他減弱。這種安排也成為經典。

三、畫法的經典。
這幅畫是一張古典技法的經典作品。罩染次數非常多，時間間隔也很長。
這幅畫從開始到最後完成長達15年。之所以這麼長時間，與達芬奇的強迫症當然有關係，但和其畫法也有關係。
因為用油的問題，罩染畫法需要等上一次完全乾透再畫下一次，這裡所謂的「完全乾透」，其實很難具體量化，所以，其實也就是兩次罩染的間隔長點比較好，甚至於越長越好。

四、其他的典範
比如解剖、透視等……
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我這麼簡單的說幾句，似乎看起來也沒那麼屌。
但要知道，達芬奇是在這幾方面建立了一種樣式，換而言之，之後的人是因此而建立了這樣的審美。
凡是建立審美樣式的人，身後的人看起來似乎平常，但對之後的審美影響是巨大的。
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再說神秘性

這幅畫為什麼被達芬奇如此重視？
這是個懸而未決的問題，到目前幾乎還沒有什麼確定的答案，呃，至少我沒看到確定答案。
一個體態微胖的中年女子，連眉毛都幾乎沒有。為什麼要畫這麼一個模特？
而這樣一張畫，為什麼會被達芬奇如此重視？

關於這個問題，我有幾方面的思考：

一、從達芬奇的性向來思考最傳統的說法。
最傳統的說法是：蒙娜麗莎是達芬奇鄰居商人的妻子，而此女是達芬奇的情人。所以達芬奇對此畫很重視。
結合達芬奇終身未娶的事實，而如果達芬奇是個異性戀但卻沒有留下私生子——考慮到古時候的避孕措施之差——我本人傾向於認為：達芬奇不是個異性戀者，所以，蒙娜麗莎並非達芬奇的情人。
那麼，達芬奇是同性戀嗎？
達芬奇因為雞jian罪名吃了一場官司（後因證據不足取消指控），另外，達芬奇收學生時對學生的外貌有要求。所以他的學生基本都是長相俊美的少年。
因為這些原因，很多人認為達芬奇是個同性戀。
但我們要注意到：我們幾乎沒有任何關於達芬奇情侶的具體資料。換句話說，達芬奇很可能沒有固定的性伴。甚至，達芬奇根本不是個同性戀。
那麼問題來了：達芬奇的性向到底是什麼？或者，達芬奇有沒有性向？
我的觀點：達芬奇是個自戀狂。他只愛自己。
弗洛伊德在其著作（書名忘記了，很薄的一本）里曾經分析達芬奇有可能是自戀型人格，同時還有戀母傾向。
另據記載，達芬奇外貌出眾，身形高大而健美，性格活潑幽默，並且智力超群。他涉足的領域幾乎覆蓋了當時所有最頂尖的領域，並且他在幾乎所有領域裡都取得了令人矚目的成績。
換句話說，達芬奇集合了一個人幾乎所有的優點於一身。他為自己設計的衣服只要一上身，就會成為眾人模仿的對象。
這樣一個人————我們想像一下他看周圍人的心態————是不是覺得所有人都是醜陋的傻冒？
所以我大膽猜想：達芬奇本身不愛任何人，除了他自己。但因為荷爾蒙的原因，他可能與不同的同性有過性關係，所以給世人帶來他是同性戀的印象。
（當然，以上是個人猜測，並沒有具體證據。而雞jian罪是當時的重罪，同性戀的性行為也是當時的忌諱，沒留下資料也可以理解。）

所以從性向的角度而言，「蒙娜麗莎是達芬奇的情人所以此畫被重視」的說法似乎不是很能站住腳。

二、之所以談論達芬奇的性向問題，是要再談另一種觀點：《蒙娜麗莎》是達芬奇的自畫像。
這種說法來自貝爾實驗室的莉蓮·施瓦茨，此人有一天忽發奇想，把兩張畫重疊在一起，發現重合度非常高。

呵呵，說實話，還真的有點高呢。臉型比例及局部的大體特徵居然非常接近。
所以，這種觀點有其可信之處。
達芬奇在之前畫過自畫像嗎？我們來看兩張畫：

這是流傳很廣的兩個版本，上為老年，下為中年。上面這張毫無疑問為真跡。
比對一下，兩張畫真的是一個人嗎？？？
臉型相差很大，更明顯的是：鼻子不像。
一個人成年後，其鼻子形態是很難發生重大變化的。我很難想像中年還是鼻骨突出鼻尖肉少的人到了老年長成了一個成龍一樣的肉鼻子。
那麼問題來了：如果中年那張自畫像為假，達芬奇有沒有留下一張油畫自畫像呢？？？
會不會就是《蒙娜麗莎》？
有人可能會問：達芬奇為什麼要這麼干？
那麼就要談到達芬奇的性格和性向了。
前面提到，達芬奇很可能戀母且自戀。
另外，達芬奇性格很活潑，甚至有點促狹。比如他在蜥蜴的背上安裝了一對水銀的翅膀，帶在身邊嚇唬別人，另外，他為了了解養的腸子到底有多大的彈性，在一間房子里用鼓風機像吹氣球一樣地吹羊腸子……
還有，對於達芬奇這麼一個精研解剖和人物面貌特徵的畫家來說，他有沒有一種好奇：我長成女人會是什麼樣子？
這些原因都可能導致達芬奇畫出一張女版的自畫像。
而他干這件事的目的有可能僅僅是因為好玩、好奇，或者，滿足自己並未察覺的潛意識裡的自戀及戀母情結。
由此也可以解釋他為何對這張畫如此重視以致為這張畫耗費15年的時間。
而蒙娜麗莎嘴角的那抹微笑，是不是一種調侃式的微笑呢？
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當然，以上皆為猜想。說這麼多只是為大家提供一種思考。
《蒙娜麗莎》從技術而言已足以成為經典。
而達芬奇為何如此重視這張畫，除了技術理解以外，有沒有其他可能性？以及到底是哪些可能性呢？
恐怕這才是後人對這張畫更大的迷思吧。

《蒙娜麗莎》延續了一部荒誕營銷史

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《蒙娜麗莎》的肖像幾乎是縱貫古今最為人熟知的面龐。

據盧浮宮官方估計，每年600多萬的訪客中約有八成是為了一睹此畫。一些淺薄的遊客初次見到這幅全世界最著名的作品時可能還會有一點點失望。

為什麼呢？

首先它被封在防彈罩中，又被很多遊客包圍著，很難看清這幅佳作，難免讓人不爽。其次當你真的離它很近的時候，其實還是很遠。

你原本多麼期望它真的是與眾不同的作品，可是真的看過之後也許並不會帶來多麼強烈的感覺。

現代人的眼光每天都被大量圖片和視頻狂轟濫炸，去看一個幾百年前的東西難免不會帶有看古董的心態，大家可能更多的是為了親眼看到。

就算你真的看了很激動，也不知道自己多大程度上是因為它所引發的藝術效果，多大程度上是因為深知它所擁有的多年的名望。很難有想像力把自己置於文藝復興的文化氛圍中去感受它當年是多麼的與眾不同，多麼的具有開拓意義。

藝術史從其學術角度給了很多證據以證明此作品擁有現在的地位當之無愧。

《聖安娜與聖母子》達芬奇

但其實盧浮宮的展廳里還有好幾幅達芬奇的作品，跟《蒙娜麗莎》獲得的關注比起來它們就像沒人疼的孩子一樣，幾乎沒人對它們投以哪怕是最為輕淺的關注。

都是達芬奇畫的，待遇咋就那麼大呢？

你肯定不能用《蒙娜麗莎》比其它幾幅作品要畫的好很多為由就把這個問題給搪塞過去，它們都是同一個人用的同樣的手法，技巧，心態去完成的。

那我們往前追溯看看，發現《蒙娜麗莎》在幾個世紀中都是一幅相對不知名的畫作，它依然是個好作品，但也只是眾多好作品中的其中一個而已。

《母與子》拉斐爾

在十九世紀五十年代以前，達芬奇並未被認為是真正偉大的繪畫巨匠。在當時像提香和拉斐爾的某些作品價值是十倍於《蒙娜麗莎》的。

直到二十世紀《蒙娜麗莎》才以幾何倍的增速獲得世界級的聲望。

即便如此它的聲明遠播也不是因為藝術評論家們突然開始欣賞這件天才之作。

而是它被動地成為了社會熱點。導致它的傳播方式發生了根本性的改變，突破了圈子文化的小眾範疇，進入大眾傳播領域。

一句話——眾人拾柴火焰高。

1911年有一個義大利人，就暫且管它叫小明吧。小明把這張作品從法國盧浮宮給偷出來了。

立馬就有了聚光燈效應。

所有主流報紙上都有關於這件事的討論和報道，立刻就進入了公眾視野，當時就成了全球曝光度最高的藝術品。

小明把這張作品藏了兩年準備出手賣掉的時候被抓了。

這一抓，抓出了更高的知名度。

義大利人把小明視為民族英雄，為自己國民的愛國主義所振奮。

因為達芬奇是義大利人，但這張作品在法國人手裡。

法國人困惑於小明的愚勇的同時也激動於畫作的不期而歸。

所以在《蒙娜麗莎》重回法國之前，在義大利全境展出。

從此以後《蒙娜麗莎》的地位今非昔比。不斷地有人願意跟它發生點關係。

八年之後的一九一九年杜尚在《蒙娜麗莎》複製品上添了小鬍子和山羊須。

把它變成了雌雄同體。

隨後達利也根據自己的容貌畫了《蒙娜麗莎》。

也是雌雄同體。

安迪沃霍爾也給出了自己對於此畫的版本。

不僅是藝術家啦，各個行業不同的人都在利用《蒙娜麗莎》去達成自己的企圖。你們去網上查，各種關於《蒙娜麗莎》的不同的用法，音樂，醫學，電影，公司，任何行業，最近連QQ都用它做了一次營銷。不同領域的科學家們試圖用物理的、化學的、心理學的理論來解釋和探索它的奧秘。

每當他們利用《蒙娜麗莎》的時候，他們又反被它利用，悄無聲息地把自己融到西方文化的結構中。

現在已不可想像沒有《蒙娜麗莎》的西方藝術史。當年那個小偷被抓後很快就出獄了，100年後當地演的話劇管他叫「愛國者」。

假設他有幸跨過整個歷史看到這一切，回去來一句:這整個活動就是我的一次營銷策劃，目的是要成就一件天才之作。你們說他是否會是史上最牛逼的營銷策劃大師呢？

我們說藝術家的價值體現於三個方面：學術價值，社會價值，市場價值。

此作品最終抱得大名乃是無意中從社會價值方面入了局，最終形成了一個被廣泛認可的價值共同體。

藉此營銷策劃活動，通過社會效應的各種疊加，豐富了它原有的學術價值，提升了它的市場價值，三種價值互相滋潤。

還有這個小偷不叫小明，本名溫琴佐·佩魯賈。

他雖用的是小偷身份，但無意中成就了一部藝術史和延續其後一直到今天的一部營銷史。讓一件本來只在藝術史界有價值的作品從多個思考維度，多個歷史跨度，多個傳播方式，不斷地影響著後來的藝術文化發展走向。

正因其偶然性，多少帶點荒誕色彩。

荒誕性在於應了一個嚴肅的規律—在一個緊密結合的社會網路中不同專長的人的高效協作可以把一件事做的更好。能在不知不覺中把一件作品從盧浮宮偷走本身就是本事（雖然社會道德不喜歡這樣的人），而達芬奇在歷史的檢驗過程中也確實顯現出其過人的優秀，再加上被成百次的複製，被數以千計的廣告徵引，以及所有需要它的各種方方面面一起成就了它的獨一無二。

侵刪。

Have you ever fallen for a novel and been amazed not to find it on lists of great books? Or walked around a sculpture renowned as a classic, struggling to see what the fuss is about? If so, you』ve probably pondered the question Cutting asked himself that day: how does a work of art come to be considered great?
The intuitive answer is that some works of art are just great: of intrinsically superior quality. The paintings that win prime spots in galleries, get taught in classes and reproduced in books are the ones that have proved their artistic value over time. If you can』t see they』re superior, that』s your problem. It』s an intimidatingly neat explanation. But some social scientists have been asking awkward questions of it, raising the possibility that artistic canons are little more than fossilised historical accidents.
Cutting, a professor at Cornell University, wondered if a psychological mechanism known as the 「mere-exposure effect」 played a role in deciding which paintings rise to the top of the cultural league. Cutting designed an experiment to test his hunch . Over a lecture course he regularly showed undergraduates works of impressionism for two seconds at a time. Some of the paintings were canonical, included in art-history books. Others were lesser known but of comparable quality. These were exposed four times as often. Afterwards, the students preferred them to the canonical works, while a control group of students liked the canonical ones best. Cutting』s students had grown to like those paintings more simply because they had seen them more.
Cutting believes his experiment offers a clue as to how canons are formed. He points out that the most reproduced works of impressionism today tend to have been bought by five or six wealthy and influential collectors in the late 19th century. The preferences of these men bestowed prestige on certain works, which made the works more likely to be hung in galleries and printed in collections. The fame passed down the years, gaining momentum from mere exposure as it did so. The more people were exposed to, the more they liked it, and the more they liked it, the more it appeared in books, on posters and in big exhibitions. Meanwhile, academics and critics created sophisticated justifications for its preeminence. After all, it』s not just the masses who tend to rate what they see more often more highly. As contemporary artists like Warhol and Damien Hirst have grasped, critical acclaim is deeply entwined with publicity. 「Scholars」, Cutting argues, 「are no different from the public in the effects of mere exposure.」
The process described by Cutting evokes a principle that the sociologist Duncan Watts calls 「cumulative advantage」: once a thing becomes popular, it will tend to become more popular still. A few years ago, Watts, who is employed by Microsoft to study the dynamics of social networks, had a similar experience to Cutting in another Paris museum. After queuing to see the 「Mona Lisa」 in its climate-controlled bulletproof box at the Louvre, he came away puzzled: why was it considered so superior to the three other Leonardos in the previous chamber, to which nobody seemed to be paying the slightest attention?
When Watts looked into the history of 「the greatest painting of all time」, he discovered that, for most of its life, the 「Mona Lisa」 languished in relative obscurity. In the 1850s, Leonardo da Vinci was considered no match for giants of Renaissance art like Titian and Raphael, whose works were worth almost ten times as much as the 「Mona Lisa」. It was only in the 20th century that Leonardo』s portrait of his patron』s wife rocketed to the number-one spot. What propelled it there wasn』t a scholarly re-evaluation, but a burglary.
In 1911 a maintenance worker at the Louvre walked out of the museum with the 「Mona Lisa」 hidden under his smock . When the museum reopened, people queued to see the gap where the 「Mona Lisa」 had once hung in a way they had never done for the painting itself. From then on, the 「Mona Lisa」 came to represent Western culture itself.
Although many have tried, it does seem improbable that the painting』s unique status can be attributed entirely to the quality of its brushstrokes. It has been said that the subject』s eyes follow the viewer around the room. But as the painting』s biographer, Donald Sassoon, drily notes, 「In reality the effect can be obtained from any portrait.」 Duncan Watts proposes that the 「Mona Lisa」 is merely an extreme example of a general rule. Paintings, poems and pop songs are buoyed or sunk by random events or preferences that turn into waves of influence, rippling down the generations.
「Saying that cultural objects have value,」 Brian Eno once wrote, 「is like saying that telephones have conversations.」 Nearly all the cultural objects we consume arrive wrapped in inherited opinion; our preferences are always, to some extent, someone else』s. Visitors to the 「Mona Lisa」 know they are about to visit the greatest work of art ever and come away appropriately awed—or let down. An audience at a performance of 「Hamlet」 know it is regarded as a work of genius, so that is what they mostly see. Watts even calls the pre-eminence of Shakespeare a 「historical accident」.
Although the rigid high-low distinction crumbled in the 1960s, we still use culture as a badge of identity, albeit in subtler ways. Today』s fashion for eclecticism -「I love Bach, Abba and Jay Z」—is, Khan argues, a new way for the bohemian middle class to demarcate themselves from what they perceive to be the narrow tastes of those beneath them in the social hierarchy.
The intrinsic quality of a work of art is starting to seem like its least important attribute. But perhaps it』s more significant than our social scientists allow. First of all, a work needs a certain quality to be eligible to be swept to the top of the pile. The 「Mona Lisa」 may not be a worthy world champion, but it was in the Louvre in the first place, and not by accident. Secondly, some stuff is simply better than other stuff. Read 「Hamlet」 after reading even the greatest of Shakespeare』s contemporaries, and the difference may strike you as unarguable.
A study in the British Journal of Aesthetics suggests that the exposure effect doesn』t work the same way on everything, and points to a different conclusion about how canons are formed. The social scientists are right to say that we should be a little sceptical of greatness, and that we should always look in the next room. Great art and mediocrity can get confused, even by experts. But that』s why we need to see, and read, as much as we can. The more we』re exposed to the good and the bad, the better we are at telling the difference. The eclecticists have it.

——大清早做的2015年6月CET6卷子

我覺得現在的人再看已經沒什麼感覺了如果在那個時代的確是開創性的，就是說把繪畫的地位提升到跟希臘雕塑同等的地位，甚至在一些地方有超越的可能性

我也來搗個亂吧。

因為是達芬奇畫的。