西方攝影史上，有哪些攝影構圖帶有濃厚個人色彩的攝影家？

12-14

——Alex Webb——

在拍照時，很多時候，會不能避免地聽到一個很基本的構圖方法——「三分法」

我們常見的三分法通常都是這樣的：

這些網上隨便找的沒有什麼特色的很常見的圖片，很多時候都是把地麵線放到下三分之一處，而且最重要的是，雖然他們都按照了三分法去拍攝，但是畫面裡面的元素很少，沒有什麼特點，看起來就特別地平常。

但馬格南攝影師，Alex Webb的是這樣的：

他有意地把地平線放到畫面的上三分之一處，神秘而壓抑的感覺就出來了，而且他還有意地在畫面裡面增加很多的元素，使畫面的層次感大大增加了，一張平面的圖片看起來有了空間感。

這還影響了《邊境殺手》的攝影師Roger Deakins，有一個他的採訪，他說他拍《邊境殺手》的時候受了Alex Webb的影響，所以很多外景的構圖是這樣的

就連紅外攝影的構圖也是這樣：

這種構圖營造的氣氛，就是一種比較壓抑的，神秘的感覺，所以很符合《邊境殺手》的影片基調，我猜測這也是Roger Deakins 為什麼選擇這樣的構圖。

其實我覺得Alex Webb最具個人特色的構圖除了不與常人相同的三分法之外，還有兩點是很具他個人特色的：

——視點——
他的人文攝影里，人物的視點總是異常豐富

再看看我在百度上搜的「人文攝影」

上面兩張圖的人物的視點給人的感覺好像只在一個平面的畫面裡面，並沒有Alex Webb的那種呼之欲出的感覺，原因是Alex Webb里的人物雖然看著鏡頭，很多時候這是攝影的大忌，但是這更給人一種臨場感和窺視感。

——開放式構圖——

開放式構圖也是Alex Webb攝影作品的個人特色
在正常的拍攝時，很多人都會說不能卡頭，不能卡關節，但是Alex Webb的卻無視這一個規則，大膽地去卡人的各個部位，但是仔細看的時候，他不是單純地亂」卡「，當畫面里有了主體的時候，」卡「非主體部分，會使畫面有一種神秘感，而且他的畫面元素特別豐富，這平衡了「卡」的不適感。

所以形容Alex Webb的作品的形容詞特別多—亂中有序、神秘，深邃、遊離……

Magnum Photos Photographer Blog

這是他的官網，有興趣的可以看一下。

-9月28號更新-
不知道為什麼會有這樣意思的言論：攝影師出名了，怎麼拍都有理。我只想問一個微小的問題，這個攝影師是怎麼出名的？

謝邀，題主問的西方攝影史，然後看到還有說杉本博司的.....

進入正題，所陳述僅代表個人觀點。提到構圖具有濃烈的個人色彩，第一個想到的是亞歷山大羅欽可。Alexander Rodchenko

相比於保羅斯特蘭德（Paul Strand）以及安德烈科特茲（Andre Kertesz），亞歷山大羅欽可是一個比較離經叛道的攝影師，受帝俄和蘇俄轉變時代的藝術思潮影響，羅欽可的藝術觀在當時算的上十分激進。怎麼說呢，當時俄國攝影內容基本上全是什麼閱兵大典，工程建設，農民工人有力量這種的，此君一邊喊著藝術為人民，一邊又堅持作品中的個人觀點，搞了個構成主義，然後叫喊著繪畫已死，怎麼看都像個邪魔外道的教主。等到今天我們看他的作品，怕是覺得再正常不過，其實切換回當時的環境，很多構圖，拍攝手法在當時都是前無古人，石破天驚的。

這就是為什麼在羅欽可之前，我要提到上述兩個攝影師來做對比。我們提到桑德的時候，會說1000個人眼裡有1000個哈姆雷特，1000張桑德的作品裡1000個形形色色的人都在表現同一個時代的面孔。四平八穩的構圖和中焦段（50mm或者80mm）的人物特寫，鼓勵對象表現卻不干涉捏造對象，這是桑德的特色。而羅欽可的作品風格，有一個特性是很明顯的，他的照片基本上很多都是「仰視」和「俯瞰」，同樣拍攝人物，在《藝術家的母親》，羅欽可以極近的距離拍攝，母親的臉佔了畫面的5分之4，其中頭巾佔去一半。母親右手拿著老花鏡湊在眼前，像是審視過往的滄桑歲月。我們看到這張照片的時候不會有任何違和感，但是如果你拿著手機湊到離女朋友很近的地方拍一張大臉照，再傳個朋友圈，我想跪搓衣板恐怕都是輕的。縱觀攝影史這麼多經典母親的形象，羅欽可的母親作品的魅力在於，他足夠近，近到不會讓你錯愕，近到人們會想，我可曾真正捧起母親的臉龐，細數歲月打磨過的一道道痕迹，曾經她也是青春靚麗風采動人。這是一個既能讓知識分子藝術同僚心服口服的作品（其藝術手段的開創性），也能讓不識字的農民感到親近。對這張照片最好的評價就是：這個臉孔是那一代蘇俄母性的象徵。

《藝術家的母親》

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「於是我超越了地平線」，這是我第一次看到羅欽可的作品，在章節處做的小標註，每每好友提及此人，內心總有一種燃燃的情感，彷彿我就在那個時代，彷彿我是一個卓爾不群前衛藝術家，在今天打開蘇俄的攝影選集，不必看名字，那些上歪下斜，左斜右倒的照片，八成是羅欽可，要不就是受他影響的幾位晚輩。

簡而言之，在街拍或者街頭攝影這個領域，我們習慣了布列松的決定性瞬間的完美，習慣了克萊因不是廣角就是長焦的極端，習慣了科特茲的大象無形萬流歸宗，乃至看到布拉塞就想起同性戀。但是他們都跳不出來一個共同點，那就是老老實實把相機端正了拍的！羅欽可說：如果我們在拍照片時，只注意到剎那的掌握，那麼我們抓到的影像，只是使照片充滿記錄性而不是藝術性！我們必須尋找一種新的視覺表達手法。

一九二八年之後他開始以萊卡相機拍攝藝術家人像、建築物、街頭的事件與遊行閱兵儀式。一九二八年他於「當代攝影之路」（Wege der zeitgenoessischen Photographie）中曾寫道「為了形塑人類的新視覺，必須以極不尋常的角度拍攝日常生活中最為熟悉的事物」，於是他摒棄傳統攝影「齊腰高度」的取景角度，而以極端的近距離特寫鏡頭、或是從特殊俯仰角與對角線位置拍攝主體。他的作品「Suchareweski大道」（Suchareweski Boulevard，1928）與「遊行前的準備」（Sammeln zur Demonstration，1928）即是其中的代表作。而「吹小喇叭的先鋒」（Pionier-Trompter，1930）與「跳水」（Der Salto，又名Sprung ins Wasser，1936），則是從不尋常的角度將運動或行進過程中的特定瞬間「定格」於畫面，有時還形成有趣的抽象幾何圖形。在此他利用攝影技術將人類運動狀態中的特定時刻固定於平面圖像，使人類的視覺可以精確的看到這一瞬間，這是人類視覺經驗從未經歷過的。羅欽科的「新視覺」攝影作品不單在當時的蘇俄是前所未有的，在西歐大陸也是空前的創舉，因而引起當時攝影壇極大的震撼，並引發兩極化的的爭論，擁抱傳統攝影的評論家曾這樣說「我們看膩了羅欽科的攝影作品，那簡直是亂成一團。原本應該在上面的都到下面去了，該擺在下面的卻又都到上面！」儘管如此，羅欽科的「新視覺」仍為當時代的攝影創造了另一種典範，而攝影史中極為重要的德國「包浩斯攝影」正是與「新視覺」思潮的交互衝擊與影響的產物。

《遊行前的準備》

《紅場》

《莫斯科一角》

《囚犯》

《階梯》

《拿萊卡的女孩》

可以看出來，風格就是斜斜斜，保證形式的同時兼具內容。

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應該沒有人看到這裡了，哎感覺寫的好嚴肅來吐個槽，現在知乎攝影門類下答題就是堆圖堆圖堆圖了么。覺得比起高贊，分享知識才是重點吧，貝歇爾杉本博司都很好，北影入學考試都出過題，然而這並沒有什麼卵用，因為小白們一個講解也沒看到。貝歇爾和「人類最後攝影家」為什麼這麼拍？我就不幫人填坑了

好繼續羅欽可，我還沒說完，前兩年人人還算有點人氣的時候，經常看到一些男性網紅攝影師，喜歡帶著個馬臉頭套自拍啊啥的，什麼斑馬先生的。看著是挺藝術b的，看著是挺文藝流的，看著是挺「看起來好厲害的樣子」。說真的，連欺負小白都算不上，這麼拍的人自己都不知道為什麼，哪來的。就是看起來很厲害。

我說的就是這個，大家可能要問了，這個和羅欽可有什麼關係呢。羅欽可教主可是這麼玩的第一個人，雖然他沒有帶這個蠢比的玩意，但是人家確實給人換了個狗頭，開一代攝影藝術先河，美其名曰「攝影蒙太奇」，記住了這個是考點哦

關於攝影蒙太奇這點，可以說是羅欽可的個性之處，也因此而長期飽受歐洲主流攝影圈的爭議，以至於最後大家都只關注他的蒙太奇，而忽略了他在街頭攝影上的真正成就，羅欽可作品表現的形式和內容的時而矛盾時而共存的特點，產生了新的視覺感受，就此點而言，這是一個打破了固有攝影窠臼的貢獻。如果霍爾斯曼能得到一代視覺宗師的名諱，羅欽可是沒有理由屈居其下的，真心還想再寫寫霍爾斯曼和曼雷等人，可惜好久沒翻書啦知識也不太系統了~~

2015.11.25更新，關於阿諾德·紐曼的作品在我的專欄已更新，想看正經回答可進入傳送門阿諾德·紐曼（圖片欣賞篇）淺談 - 「吾道禪心「攝影淺談 - 知乎專欄
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瀉藥。真·多圖警報！
先說一個西方的。一看到這問題第一個想到他。
阿諾德·紐曼，想看的可以通過傳送門去我專欄看，這裡寫的東西太多了，再補充要炸了。。。。

但是今天不講他。

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正文開始好吧，首先道個歉，我是來跑（gǎo）題（xìao）的。
我就要答中國的～
因為最近在圖書館看了一本書，瘋狂的愛上一個人。是他～是他～就是他！

郎靜山（1892-1995），浙江蘭溪人，出生在江蘇淮陰。生平不多說了，可百度。

他算是20世紀30年代出名的人吧，而我要說的也便是他最有名的「集錦攝影」如圖

這是他嶄露頭角的第一幅集錦作品《春樹奇峰》

還有這樣的

這樣的。

很有個人色彩吧，也可以說很有東方色彩。

請允許我小做分析～謝謝～
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先聲明本文所引用圖片來自中國美術館出版的《國家美術捐贈與收藏系列，影像中國 20世紀中國著名攝影家郎靜山》以及一些對比上的形式，和一些說法均來源於此書，我也希望通過配圖讓自己感受一下這種對比，也希望和大家分享。

1.首先要說郎靜山與古斯塔夫·雷蘭德（1813-1875）。雷蘭德被稱為藝術攝影之父。他的時代是畫意攝影興盛的時代，攝影發明之初對繪畫的模仿。他著名的作品《兩種人生》便是通過底片的剪貼二次曝光等手段完成，是對西方油畫的模仿。而郎老也是用這種手法，但是是對傳統中國山水畫的模仿。

如圖通過多張素材的運用完成畫意創作。
其中書中提到他很關注傳統方式表達，特別是對謝赫六法（　　「六法」包括氣韻生動、骨法用筆、應物象形、隨類賦彩、經營位置、傳移摸寫）靈活運用於攝影。而可以說在「經營位置」上，在攝影的屬性（攝影較為寫實具體的描繪客觀世界）上很難體現，但是通過他的暗房技藝和從小深受傳統中華文化影響，並保有傳統傲骨，最終他還是做到了！

2.郎靜山與尤斯曼。上一段可以說是是郎老創作的世界觀（怎麼想的），而這裡看的就是他的方法論了（怎麼做的）。先說下傑利·尤斯曼，他是運用膠片暗房進行合成的集大成者。

如此之類的照片。
再看看郎老做的

我直觀感覺郎老的集錦攝影的作品成像的質量的確不是很高，從後面的作品也可以看出，可能受限於當時物質的缺乏科技未達到，但是這種技術的確是太厲害了！而且這種意境也的確符合中國山水畫。

3.郎靜山於曼雷。說實話我一開始沒想到郎老和曼雷也有交集，因為郎老的作品可以說很有東方的氣質，而曼雷則是充滿先鋒實驗的西方精神。先看曼雷（1890-1976），涉及多領域的藝術家，其中對物影攝影有較大影響，他在暗房中發現了「中途曝光」技法。

然後當我驚了個呆，郎老也玩過物影！

其中第一張的「象」我感覺甚至還有畢加索簡筆畫的感覺。

4.郎靜山與亞當斯。（又來了，我發現我每次答問題必上亞當斯，自我吐槽…）
當然，同樣拍風景，一個是西方的大寫實，一個是東方的大寫意。難道不想看看這種碰撞？

上一張亞當斯
下一張開始郎老

感覺不用多說了。

5.郎靜山與斯蒂格里茲。阿爾弗雷德·斯蒂格里茲，「現代攝影之父」，他算是把攝影從繪畫抽離出來的先驅領導人吧。開始直觀用攝影來表達，不再仿畫…
= =。。。。發現手機里沒圖了。來源網路

看郎老的

不過感覺骨子裡里還是帶著某種氣質

6.郎靜山與桑德。奧古斯特·桑德（1876-1964）
德國著名的肖像攝影師，被稱為「德國人性的見證者」，他尊重每一個對象，表現出每一張不同人的臉。

看郎老的

好了，畫都看完了。話也說的差不多了，也並不是為了一味的鼓吹郎老有多厲害，當然已經是很厲害的了，只是說在某一方面肯定沒有專研這一方面的大師來的極致，希望通過中西方同樣是在作攝影事業的人進行一種聯繫。希望大家知道我們中國也有特別厲害的攝影大師。

那必須是貝歇爾啊

必須是杉本博司啊

必須是古斯基啊

Michael Wolf

這個問題等了很久了。終於可以啰嗦一把了！

首先，最重要的是，中國被「構圖」這類瞎jb的亂七八糟遍的詞坑了太久太久了怎麼說也有個大幾十年。

這比artist翻譯成藝術家還可怕，為啥後面會說。

首先來說，對於「藝術家」來說，「某種意義」上「構圖」是不存在的。大家先別驚訝驚奇來罵我。我會一步一步論證以及說明這個觀點。

首先先說一個表面現象，淺顯易懂的來論證、一：大家看看有哪個大師級別的藝術家有長篇大論的發表過「構圖」說？注意，我這裡說的是大師級別的藝術家，不是xxx學校博士生論文，這種論文我倒是見了很多了，在一些名畫上瞎畫一推各種奇奇怪怪的線條，來分析這塊形狀怎麼屌了邊那怎麼平衡了邊巴拉巴拉。。。。

為什麼大師們都不討論「構圖」呢？你看過畢加索或是馬蒂斯跟你說三分法？四分法？二分法？78分法？答案很簡單，因為對於大師們來說，「構圖」壓根不存在。

這一說法肯定刺痛了多少少年少女們的心，說得直白一點吧，我們平時所討論的「構圖」就好像小學生寫記敘文，武術「大師」編的套路一樣，是為了給新手一個可以快速入門的「套路」，這是新手中的新手才會用的「構圖」裝備。這些類似X分法理論對於任何在新手村做任務的人來說，從Lv.0 升到Lv.1就應該丟棄。

下圖??為所謂的三分法

下圖??杉本博司《海景》之一，好像不對啊，大師不用「三分法」啊！。。。

來，咱們繼續扯。

構圖在英文是啥？composition of a picture

翻譯的直白一點叫做「一個畫面的組成（元素）」

所以就有了另一個坑爹的詞。。。「構成」

剛上大學的時候，老師就和我們說：構圖和構成是不一樣的喲~！

去你媽的不一樣。。。

就是因為這些模稜兩可的坑爹術語，讓多少人云里霧裡。而且相信許多藝術工作者看到構成這個詞應該倍感熟悉。。。

那麼，中國有啥類似的詞呢？布局、章法、樸素一點的叫「經營位置」，實際上都是好詞。

經營位置可是謝赫「六法」中所稱，這詞用得多好。讓人清晰明了。

我確實不知道構圖模稜兩可甚至有些故弄玄虛這個詞最早到底是從哪來，還有就是「構成」，在我看來，這種詞的翻譯就是一個字「瞎jb沒文化」。

說到這，再說一個大家都知道的詞「素描」，前思後想，都是好詞好翻譯，可惜，是日本傳來的，同樣的，咱們中國人整出了一個詞「速寫」。。。看上去似乎也很屌，但是實際一比，簡直高下力見，中國就是用了這個坑爹的詞。。估計快百年。而且也背這個詞坑了大幾十年總有。對繪畫有一定了解的都知道，這個詞叫sketch。

許多人至今不了解，這種「沒文化」搞出來的危害，禍害的都是祖國的花朵，我沒有開玩笑。

一個詞sketch，中國有兩種稱呼，把一個整體的概念先分成兩個，然後在告訴學生們，這其實是一個學科哦~ 一個是日本進口，一個是國產製造。

接著講「構圖」，以繪畫舉例。

畢加索作品，請告訴我這是什麼「構圖」？

趙無極作品，請告訴這是什麼「構圖」？

賈科梅蒂作品：請告訴這是什麼構圖？

我要放大招了！！蒙德里安作品

這下你總說不出來了吧？這tm是什麼構圖？？？！！！

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相信大家看了以上分析，應該能理解，事實上所謂「構圖」，其深意是「畫面的構成（元素）」，是布局章法，是「經營位置」，而攝影的構圖，往深里追究，也是這一層含義。

最要命的是，「畫面構成」這種東西是無法「教」無法真正的「分析」和「學習」的。它只能是一種個人式的體悟，和在美學上的不斷修養得來的。審美上視覺藝術的能「總結成話」的「核心規律」就那麼點東西。

比如：吳冠中對比八大山人

大家應該都知道八大在西方藝術史和藝術家心中的地位吧。。有多少多畢加索之類的畫家都無比崇拜。而吳冠中也幾乎是早些年的「國產畫家」中最受到世界藝術界認可的，我說的是「國產」，吳老先生僅去法國留學兩年左右（具體多久記不清了）。然後回國。他與好友趙無極，說話樸實的不行，從不搞那些假大空的鬼話。談及構成無非是說說點線面而已。

大家仔細看看上面二幅畫，一定能更深入理解「畫面構成」含義。也會明白，所謂「構圖」一詞的偽概念，這種構圖能「學」嗎？

說到這裡，馬上來看這張紐曼拍攝的照片，來點乾貨。馬上理解「畫面構成」與所謂「構圖」區別。

去掉畫麵線條元素，畫面表現力講了一大截。

當亮色點塊狀元素也去掉後，照片沒法看了，雖然「構圖」沒變，但「畫面構成」變了。

這就是所「謂牽一髮動全身」，構成畫面無論攝影、繪畫、設計建築等等視覺藝術都是相通的。

繼續理解。。剛好樓上發了Jean-Fran?ois Lepage的作品，我們繼續看。

「構圖」還是沒變，但去掉畫面的元素之後，畫面平淡了，沒有對比了，沒有變化了。。。

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其實寫累了，我們得出結論：如果你能將良好的視覺藝術的本質——審美修養，運用到「紀實風格」類的攝影中，就能在「現實感與紀實感」很強的攝影中拍出「圖像構成」！

比如人盡皆知的。。。。。布列松。。。。。

我又要上乾貨了！！
利用ps的色階看布列松這張照片的構成。

構成的美感是相似的，這就是。。視覺藝術的核心問題之一。原諒我這個對比圖找的還不是很像。。但是據吳冠中所說，當年他們的老師潘天壽就是這麼教學生的，把中國八大石濤等人的畫跟保羅克利（具體是誰記不清）等西方等抽象大師的藝術放在一起對比，發現很多構成驚人的相似，從而尋找人類審美的共性。

然而。。現在美院的老師從來沒有這麼教過我們。。。而且因為現在體質的問題。。老師是不能下崗的！！幾乎很多美院的老師。。都把當教師上班都當做副業。。。扯遠了。

繼續回到「構圖」，之前所論述的「審美修養」在這要搬出來說話了，舉個例子：布列松在拍攝這張照片的時候，腦海里看到的是類似上圖這樣的抽象關係，不論是抓拍還是擺拍，大師們腦海里的審美修養決定了他「看到」的「畫面構成」高出常人一等，於是乎拿起相機，抓下這個鏡頭。然後，在進行後期處理的時候，也是同樣的原理，審美都是相同的。。。黑白照片的後期處理跟畫素描是無比的相似這一點不用多說。。。

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這裡還存在一些問題，比如，很多人會認為貝歇夫婦這種客觀呈現的攝影是「特殊構圖」，事實上完全不是，任何人用同樣手法都能很輕鬆達到「類似的構圖」，貝歇夫婦的觀點是客觀呈現對象「物」的本身，盡量不主觀干涉的攝影，來達到客觀呈現「物」的狀態，來把攝影的記錄性發揮到極致。你會發現只有攝影這種手段才能將物體客觀呈現，從而發展成攝影類型學。這種去主觀化的思想使得他們的攝影具有文獻式的歷史意義。所以他們根本不存在去「追求構圖」，然而給我們有「構圖」或者「構成」感是因為他們達到了他們想要的——即照片中對象本身具有的「構成感」。

總結一下

「構圖」的本意以及目前來說的較好翻譯是「畫面構成」，正是因為有了構圖這個模稜兩可的詞已經把這個本意給曲解了。

而絕不僅僅只是觀看的角度（機位）以及裁切畫面這麼簡單。

還有最後要說的，別把artist翻譯成藝術家了，漢語里能「稱師「就很了不起了，此前還從沒人能自封「家」，實在太太太。。。沒文化了。。。artist意思就是搞藝術的人，簡單點成為藝人，什麼詩人、作畫人、匠人、或者樂手、歌手、畫手。。。在職業上有點名號了好歹說一下自己是攝影師、畫師、廚師、醫師、工程師。。。。。這就不錯了。。現在哪個初出茅廬的毛還沒長齊的小夥子都敢說自己是藝術家，這不亂套了。。。

這樣還在醫學院上學的可以說自己是醫學家，炒了兩天菜的新東方同學說自己是美食家，十字路口彈吉他的就是歌唱家。。。

很有趣的一點是master的意思有「主人」和「掌管者」的意思，而xx「家」也有這個意思，也就是說，東西方在表達某個領域有很高成就者的意思也是相通的，你能想像布列松跟別人自我介紹的時「嗨，我是一個攝影大師」嗎。。。

這裡說一位畫意攝影時期的攝影家。

奧斯卡·古斯塔夫·雷蘭德

雷蘭德是將繪畫的表現手法和創作方式引入到攝影中，這使得構圖和光線上有著古典繪畫的韻味，使得他開創了具有繪畫特色的攝影道路。

《兩種生活》
畫面模仿著名畫家拉斐爾《雅典學派》，其中照片中的人物全部都由真人模擬，在後期進行疊放才得以完成。

《艱難時期》

而他的人像作品，則多具有一種「情節」意味，重視具體情境的氣氛與人物的內心衝突，在構圖上則關注畫面的和諧與均衡。

其他人不敢說，Alex Webb的照片真是一眼就能看出是他拍的。

布列松的決定性瞬間啊。這個構圖理論很有個人色彩吧。

說到西方攝影史，首先必須一定會想到的就是「類型學」攝影創始人貝歇夫婦，他們開創了一種更為直接的現代攝影語言，然而我個人卻不是完全能夠欣賞他們的作品，大概作為女生，這種學院派的紀實攝影對我少了些感性的共鳴，他們所進行的完全記錄式的拍攝方式，足夠現代，然而也足夠冷靜嚴酷…和老師相比，他們的學生Andreas·Gursky（安德烈利亞 · 古爾斯基）的構圖安排，及攝影語言就增加了一些英美式的商業視角（難怪他的作品能拍賣到全球最貴單幅作品）他擅長在大視角中，用細節來記錄社會問題，注意！我用到的是記錄，這是他師從貝歇夫婦的攝影基因，同時我認為這也是作為一個偉大攝影師的優良質素。不偏駁的記錄，讓真實成為最有力的語言，然而這份真實也必然是相對的。說到這裡，感覺藝術源於生活而高於生活這句話真是良言！！曾有幸在一次展覽中見過他的著名作品，99美分個人感覺還是很震撼的，在充滿他個人特色的大構圖下被滿目瑣碎和真實霸屏感覺自身相當渺小…最後歪一句覺得攝影師本人也相當帥氣（害羞臉）

抽象風格實驗攝影 | Jean-Fran?ois Lepage

個人最喜歡的攝影師，風格很獨特，色彩很鮮艷，明亮，反正我是這麼感覺。