世界紀錄片發展有哪幾個重要階段？
具體闡述
紀錄片發展是個漫長的過程，這裡就簡單從時間上來說說。
一、紀錄片的原始時期（1895-1900）
非自覺的記錄，攝像機只是一個技術。
代表人物：
（一）盧米埃爾兄弟
1.電影風格：主要在現實中去捕捉生活現象，銀幕上展現人們身邊的瑣事
2.代表作：《盧米埃爾工廠的大門》、《拆牆》、《里昂貝爾庫廣場》、《火車進站》、《嬰兒的午餐》等
3.影響：1894年，盧米埃爾兄弟發明了集攝影、洗印、放映於一體的攝像機。之後很多攝像師在當地拍攝完片子，洗印完成後，又在當地播放，而且經常都是一個長鏡頭一鏡到底。
（二）喬治·梅里愛
1.電影風格：主要加工已經被記載的虛構的生活圖畫。他拍攝的大量短片中既有仙境般的鏡頭又有令人恐怖的場景，因此被譽為是魔幻大師。
2.代表作：《聖女貞德》、《地獄的土風舞》、《音樂狂》、《灰姑娘》
3.電影技術：
（1）停機再拍。
1899年拍攝的《灰姑娘》中，巧妙地用了停機再拍技術，創造出了南瓜變成馬車、灰姑娘身上那套破舊衣服一下子變成絢麗的晚禮服。
（2）分裂銀幕工藝
1902年拍攝的《印度橡皮頭》中，首次使用了分裂銀幕工藝，用分次曝光的方法，在同一個畫面中拍攝了他自己扮演的兩個不同角色，取得了令人捧腹的視覺效果。
（3）魔術照相
「魔術照相」的手法，創造了慢動作、快動作、倒拍、多次曝光、疊化等一系列特技手法
①在《灰姑娘》中他就運用了慢動作攝影使小仙女的舞蹈像在空中飛翔。
②首次透過玻璃魚缸拍攝水下的情景
③1902年拍攝的世界第一部神化片《月球旅行記》，梅里愛讓一群身穿星相家服裝的天文學家去月球旅行，他們坐在美麗女海員搬來的炮彈里，被發射到浩渺的太空，在明亮的月球上幸會了金星、火星、土星和月亮諸神，並且目睹了許多梅里愛自己想像中的奇異景象。
二、草創時期（1915-1929）
代表人物：
（一）羅伯特·弗拉哈迪
1.代表作：《北方的納努克》《摩阿拿》、《亞蘭島人》、《路易斯安納州的故事》。
在《北方的納努克》中，弗拉哈迪運用紀實的拍攝手法，結合故事片的敘事原理，既保持了戲劇性場面的力量，又將其與真情實景融為一體，改變了觀眾的觀賞習慣，使每一位電影觀眾如同他這位地質勘探隊員般地在熒幕前歷險。
2.電影風格：尋找、發現、展示，而非創造虛構，具有浪漫主義色彩
3.創作理念：①旁觀者的視角，客觀的影響語言。②少用解說詞：用字簡潔。③記錄正在消失的現代文明。
4.影響：影視人類學 --《最後的山神》
（二）吉加·維爾托夫-前蘇聯紀錄片創造者
1.組織「電影眼睛派」：機器眼睛顛覆人類視聽系統。加速、顯微、逆動、鏡頭運動及出人意料的透視法。
2.拓展電影紀實觀念：建構現實。
韋爾托夫同志運用蘇聯各地送來的膠片素材，編輯成電影新聞片，再將它們通過「鼓動列車」、「鼓動船」送到前線、村莊，舉辦電影放映會，鼓舞士氣，團結人民。
3.代表作：《關於列寧的三支歌》和《在世界六分之一的土地上》
4.創作特點與理念：
①攝像機主觀的介入生活：前期毫無意識的抓拍，反對擺拍
②創造對於一個世界的新認識：後期運用素材構建主題架構以及內容
③用電影認識世界：揭示事物真理，開創自我反射式。
5.影響：歐洲城市交響曲及現代MTV
三、影響社會發展的階段（1920-1940）
代表人物：
（一）約翰·格里爾遜
三十年代，約翰·格里爾遜組織進行了英國記錄電影運動，這是一次有組織的紀錄片攝製運動。
1.代表作：《漂網漁船》
2.理論思想：紀錄片是指故事片以外的所有影片，紀錄片的概念是與故事片相對而言的，因為故事片是對現實的虛構、搬演或再構成。
3.電影風格：紀錄片不僅是根據自然素材製作的影片，而且是創造者在充分熟悉素材的基礎上，對現實的「創造性處理」。通過細節的並置創造性地闡釋自然生活。
4.社會問題的呈現：不再是詩意地描述或戲劇化地表達人類的工業和農業，而是表現這個國家現代社會的橫斷面，揭發缺點、報告發展以及揭露問題。
5.影響：《傾聽不列顛》、《倫敦可以堅持》
（二）帕爾·羅倫茲
1.代表作：《開墾平原的犁》
2.電影風格：
（1）他強調音樂在電影中的對位作用。
（2）開創關注重大社會主題，帶有音樂、畫面、解說一統的電影風格論證式電影
（3）論證式電影的形式結構，發揮紀錄片的政治功能（支持羅斯福新政）
3.影響：《話說長江》、《話說運河》
（三）萊尼·雷芬斯塔爾
1.代表作：《意志的勝利》、《奧林匹亞》
2.電影風格：
（1）政治宣傳片
納碎德國的宣傳電影，動態攝影，經典構圖及其變形，隱喻蒙太奇、對比蒙太奇、復現式蒙太奇。客觀一點說，戈培爾儘管臭名昭著，藝術水平上還是有一手的。
（2）運動記錄片
創新運動攝影（攝像機支架轉檯、彈射攝像機、水下攝影的等）
3.影響：引發人們對時代與個人、藝術與政治的思考
四、變革歷史記錄時期（20世紀50年代）
（一）尤里斯·伊文思
1.人物評價：
①飛翔的荷蘭人
②電影詩人：《橋》、《雨》
③國際主義戰士：《西班牙土地》、《愚公移山》
④超現實主義大師：《風的故事》
2.電影風格：世界哪裡燃燒，他就把攝影機投到哪裡去，並始終把鏡頭對準普通的人。20世紀的世界風雲變幻幾乎都在他的攝影機鏡頭裡定格，化為影像史詩。
（二）讓·魯什
1.人物評價：真實電影代表人物
2.代表作：《割禮》、《求雨先生》、《獵河馬》、《我是一個黑人》
3.真實電影電影風格：自我反射式，將真實解剖給觀眾看。不僅看到現實，還讓觀眾看到顯示被呈現的過程。包括：攝像機的介入、文化觀念的介入、意識形態的介入等，為觀眾打開一個對真實進行自我認知的無限空間。
4.影響：《夏日紀事》、《北京的風很大》
（三）弗雷德里克·懷斯曼
1.人物評價：直接電影代表人物
2.代表作：《導彈》、《死亡邊緣》
3.直接電影電影風格：直接電影視攝影機為安靜的現實紀錄者，以不干擾、刺激被攝體為原則。
4.影響與餘韻：《推銷員》、《灰色花園》
五、關注人類自身時期（20世紀70—至今）
技術領域的革命性進步推動影視人類學的誕生（DV技術的發展）
由戰爭衝突到關注個體和自身、關注人類命運：《難以忽視的真相》、《失去平衡的生活》
我認為對於世界紀錄片的發展不能單純從時間的節點去劃分，而應該與紀錄片的幾種類型相聯繫起來。
一.誕生
紀錄片的也應從電影的誕生開始說起。盧米埃爾兄弟《火車進站》首映為標誌代表著電影的誕生，其實現在看來，盧米埃爾兄弟創作的作品，包括《火車進站》、《工廠大門》等都是記錄性質的影片。盧米埃爾兄弟之後電影大體分為了兩支，其中一支是梅里愛及格里菲斯等先驅發揚光大的故事片，另一支便是以「世界紀錄電影之父」，美國導演弗拉哈迪代表的紀錄片。
紀錄片發展有兩個重要的源頭，一是前面說到的弗拉哈迪，另一個便是蘇聯導演，「電影眼睛學派」的創始人維爾托夫。弗拉哈迪的代表作《北方的納努克》（1922年）長期跟蹤一個家庭，使用長鏡頭組織影片，確立了紀錄片的形態。另一位人物維爾托夫代表作為《持攝影機的人》，在鏡頭使用和剪輯上都十分先鋒，受蘇聯蒙太奇學派影響很大。
二.20年代先鋒電影運動
20年代這個節點上最重要的便是先鋒電影運動。受對一戰的思考、以及立體主義、印象主義、達達主義等思潮的影響，以法國、德國、蘇聯為中心的先鋒電影運動展開。其中包括五部分，第一是前面提到的維爾托夫代表的蘇聯蒙太奇學派。第二是德國導演華爾特·魯特曼代表的「城市交響曲電影」，代表作為《柏林，大城市交響曲》。第三是荷蘭導演伊文思創作的《橋》、《雨》……第四是「動物紀錄電影」，其中著名的是讓·班勒維的《章魚》、《海蜇》……最後一部分是左翼電影，代表作是蘇聯的《土西鐵路》。
三.20-50年代英國紀錄片運動
紀錄片史上不能不單獨提出來的一段時間是1929-1951的英國紀錄片運動，他以格列爾遜為代表創作出了一系列的紀錄片，直接影響了之後的英國自由電影運動、義大利新現實主義甚至是中國的專題片。發揚了紀錄片的社會功能。（可以自行百度格列爾遜的十四條戒律）。
代表作有格列爾遜的《漂網漁船》、哈萊·瓦特的《夜郵》。
四.二戰
二戰也是紀錄片發展的一個重要節點，無論其之前之後都有大批紀錄電影出現。首先是20年代發起，二戰期間盛行的「宣傳電影」，其中包括萊妮·里芬斯塔爾的《意志的勝利》（1935年）（強烈推薦，拋開題材來看，這部電影的藝術水準在整個紀錄片領域甚至是整個電影史上都是數一數二的，里芬斯塔爾全片不配解說，單用畫面就表現出了令人震顫的力量。）還有中國導演鄭君里的《民族萬歲》（1940年）、弗蘭克·卡普拉的《我們為何而戰》（1942-1945年）、亨弗萊·詹寧斯的《傾聽不列顛》等。
二戰後，紀錄電影又分為兩支，其中一支是關於戰爭思考的紀錄片，著名的包括阿倫·雷乃《夜與霧》（1955年）、羅姆的《普通法西斯》（1965年）克勞德·朗茲曼的《浩劫》（1985年），時至今日二戰反思紀錄片的創作仍沒有停止。第二支是一些導演對戰爭和死亡已經失望，轉而將鏡頭對準了大自然，創造出一系列美麗的自然、動物紀錄片，其中包括弗拉哈迪的《路易斯安那州的故事》（1948年）、瑞典導演蘇克斯多夫的《雪地上的黑影》（1949年）和《
偉大的歷險》（1953年）、雅克·貝漢《遷徙的鳥》（2001年）也屬於這一類，當然創作初衷可能已不再是對戰爭的失望。
五.60年代出現的紀錄片流派
20世紀60年代初期誕生了兩種著名的紀錄片流派：真理電影與直接電影。他們都主張記錄真實，偏好長鏡頭，從不配樂，同期錄音……不同是真理電影認為真實需要由創作者進行刺激，所以他們廣泛採用街頭採訪，代表作為讓·魯什的《夏日紀事》（1960年）及帕索里尼的《幽會百科》（1965年），中國導演寧瀛的《希望之旅》（2002年）也屬於真理電影。而另一派直接電影認為電影機就是牆上的蒼蠅，應該直接記錄，創作者應該隱藏起來而不去刺激，代表作有德魯小組的《椅子》（1962年）、梅索斯兄弟的《推銷員》（1964年）以及懷斯曼的《法律與秩序》（1969年》和《在伯克利》（2013年）。
同時在60年代末期還出現了干預電影，特徵是用電影去干預正在發生的歷史事件。代表作有伊文思的《遠離越南》（1967年）、小川紳介的《三里冢》。
中國紀錄片重要發展階段：
1.1905-1949：解放前紀錄電影創作。值得一提的是中國第一部電影，1905年的《定軍山》就是紀錄片。這其中值得關注的人物有黎民偉、孫明經等。
2.1949-1966：「十七年」紀錄電影時期，政治宣傳功用大於藝術性，情緒往往激情昂揚。代表作有《大西南凱歌》（1950年）、友誼萬歲（1954年）、《征服世界高峰》（1960年）等等。
3.1966-1976：這段時期紀錄電影也受挫，但出現了《紅旗渠》（1971年）這部揚名國際的紀錄片。同時，這段時期還有兩部國外導演的中國紀錄片，一部是安東尼奧尼的《中國》（1972年）以及伊文思的《愚公移山》（拍攝屬於這段時期，1977年上映）。
當然，這之後還有中國電視紀錄片的發展。
世界紀錄片的發展大概經歷了如下幾個時期：
原始時期
草創時期
影響社會的發展時期
變革歷史記錄時期
關注人類自身時期
（一）十九世紀30年代，電影開始了它的誕生前的技術準備期，也叫做發明期。
早在1829年，比利時著名物理學家約瑟夫普拉多發現：當一個物體在人的眼前消失後，該物體的形象還會在人的視網膜上滯留一段時間，這一發現，被稱之為「視象暫留原理」。普拉多根據此原理於1832年發明了「詭盤」。「詭盤」能使被描畫在鋸齒形的硬紙盤上的畫片因運動而活動起來，而且能使視覺上產生的活動畫面分解為各種不同的形象。「詭盤」的出現，標誌著電影的發明進入到了科學實驗階段。1834年，美國人霍爾納的「活動視盤」試驗成功；1853年，奧地利的馮烏卻梯奧斯將軍在上述的發明基礎上，運用幻燈，放映了原始的動畫片。
攝影技術的改進，是電影得以誕生的重要前提，也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必備條件。早在1826年，法國的W尼埃普斯成功地拍攝了世界上第一張照片「窗外的景」，曝光時間8小時。而在初期的銀板照相出現以後，一張照片縮短至30分鐘左右，由於感光材料的不斷更新使用，攝影的時間也在不斷縮短。1840年拍攝一張照片僅需20分鐘，1851年，濕性珂珞酊底版製成後，攝影速度就縮短到了1秒，這時候 「運動照片」的拍攝已經在克勞黛特、杜波斯克等人的實驗拍攝中獲得成功。1872年至1878年，美國舊金山的攝影師愛德華慕布里奇用24架照相機拍攝飛騰的奔馬的分解動作組照，經過長達六年多的無數次拍攝實驗終於成功，接著他又在幻燈上放映成功。即在銀幕上看到了駿馬的奔跑，受此啟發，1882年，法國生理學家馬萊改進了連續攝影方法，試製成功了「攝影槍」，並在另一位發明家強森製造的 「轉動攝影器」的基礎上，又創造了「活動底片連續攝影機」，1888年9月，他把利用軟盤膠片拍下的活動照片獻給了法國科學院。
在1888-1895年期間，法、美、英、德、比利時、瑞典等國都有拍攝影像和放映的試驗。1888年，法國人雷諾試製了 「光學影戲機」，用此機拍攝了世界上第一部動畫片《一杯可口的啤酒》。1889年，美國發明大王愛迪生在發明了電影留影機後，又經過5年的實驗後，發明了電影視鏡。他將攝製的膠片影像在紐約公映，轟動了美國。但他的電影視鏡每次僅能供一人觀賞，一次放幾十英尺的膠片，內容是跑馬、舞蹈表演等。他的電影視鏡是利用膠片的連續轉動，造成活動的幻覺，可以說最原始的電影發明應該是屬愛迪生的。他的電影視鏡傳到我國後被稱之為 「西洋鏡」。
1895年，法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟，在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上，研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片，圖像清晰穩定。1895年3月22日，他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日，他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館裡，正式向社會公映了他們自己攝製的一批紀實短片，有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為，盧米埃爾兄弟所拍攝和放映已經脫離了實驗階段，因此，他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時，盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。
（二）1896-1912年，電影從幼年期迅速成為一種藝術
早期的電影，還沒有脫離剛剛誕生的痕迹，它以雜耍和魔幻術的姿態，使人們感到新奇。從《火車到站》、《膝行的人》到《水龍出動》、《水龍救火》、《撲滅大火》、《拯救遭難者》等影片，盧米埃爾創造了最早的新聞片、旅遊片、紀錄片、喜劇片等影片樣式。盧米埃爾電影最突出的特點是紀實性，它直接拍攝真實的生活，給人以身臨其境之感，成為寫實自然主義電影風格的開路先鋒，形成了電影的紀實性傳統。盧米埃爾的生活紀實短片在持續放映了一年半時間以後，人們的興趣就在明顯的減弱，以至最後再也無人問津了，這不能不說是時代的局限和自然主義的局限造成的。但剛起步的困境，並沒有影響電影的大勢所趨，另一位法國電影先驅喬治梅里愛應時而出，他使電影從一種紀實性的「活動照相」(亦稱運動畫面)導向了藝術電影，為電影的發展作出了許多創造性的貢獻。
作為機械師，梅里愛製造了一整套機關、機器和舞台道具；作為畫家，他製造了無數個布景和服裝；作為魔術師，梅里愛運用了豐富的想像力，創造了許多新的特技；作為作家，他不斷創造出新的劇本；作為演員，他是他節目中的重要角色；作為導演，他懂得怎樣設計和調動一個小劇團。喬治薩杜爾在《世界電影史》中說：「梅里愛天才的特徵，在於有系統地將絕大多數戲劇上的方法如劇本、演員、服裝、化妝、布景、機關裝置以場景的化分等等，應用電影上來。」他在這方面所取得的經驗，直到今天還以各種形式保留在電影中。
梅里愛以照相的特技代替了舞台上的機械裝置，同樣，由於無聲電影的需要，梅里愛也特為演員們發明了一種新的演技。這種演技雖和啞劇的演技有所不同，但著重誇張，突出手勢，因為它非常注意動作，而對面部表情極不重視。影片《灰姑娘》是梅里愛戲劇電影的代表作，這部取材於歐洲著名童話故事的影片，巧妙地運用了諸種特技手法，把南瓜變成車子；把老鼠變成了馬車夫，對於特技攝影的開創性運用，是梅里愛對於電影的又一個貢獻。
1902年，梅里愛根據儒勒凡爾納和HG威爾斯的兩部有名科幻小說編導了著名的科學幻片《月球旅行記》。這是他的高峰作，在電影史上產生了深遠影響。影片描述了一群身著星相家服裝的天文學家到月球上去旅行的奇幻故事。他們來到一座奇怪的機器製造廠，一些漂亮的女海員搬來一個大炮彈狀的飛行器，當天文學家坐進去後，他們被反射到了月球。天文學家們從飛行器里出來，欣賞了月球火山口附近平原的奇妙風光；他們還受到了由美女扮演的星神們的歡迎。天黑以後，他們從夢中被凍醒，就鑽進了一個大洞窟里，在裡面看到了月亮神、巨型蘑菇和各種稀奇古怪的東西。幾經危險周折，他們又乘炮彈飛行器飛回地球，經過海底奇異的旅行，在一座雕像的揭幕典禮中結束。梅里愛對電影藝術的貢獻，使電影在成為一門獨立的影像視聽藝術的道路上向前邁進了一大步。
在這一時期，不能不提到的是拍攝了《火車大劫案》的鮑特。鮑特在《火車大劫案》中第一次用14個場景來構成一部電影，而在此之前的梅里愛的影片都是從頭到尾一個鏡頭。《火車大劫案》第一次使用多場景來構成電影(嚴格說來它還不算真正的電影，因為那時候沒有鏡頭變化)。鮑特的影片里有了特寫，電影史上很有名的鏡頭就是讓手槍對著觀眾，在影片里已經初步嘗試，但是，對這種鏡頭的美學功能，它的作用還根本沒有任何有意識的認識，所以這只是一種自發的開始走向電影藝術的一個階段。
在無聲電影階段，對電影發展做出了巨大貢獻的是美國的格里菲斯、卓別林和蘇聯的愛森斯坦。
1908年，大衛格里菲斯加入了愛迪生公司，一開始時當演員，後來當導演。從1908年到1912年間，他共導演了大約四百部影片。在《孤獨的別墅》中，他創造了「平行蒙太奇」，標誌著電影已完全擺脫了舞台劇的束縛，電影的時空得到了極大的擴展。
這時期美國出現的布賴頓學派對電影藝術的發展也起到重要的作用。布賴頓學派的代表威廉保羅在《彼卡德里馬戲團的摩托車表演》中成功運用了移動攝影。威廉遜還在《中國教會被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戲劇式場面，以劃分兩頭的交切手法造成劇情的漸次緊張，給其後的驚險片特別是美國的 「西部片」開了先河。布賴頓學派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大鏡》和《望遠鏡中的景象》中，同一場景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特寫和遠景相結合手法的交替使用對電影語言的開拓與應用作出了貢獻。此外，布賴頓學派的柯林斯和哈橋樑爾分別拍攝了《礦工的生活》與《煤礦爆炸慘案》、《囚犯的越獄》等真正描寫現實生活的影片。這一時期，被稱為世界上第一座電影城的法國萬森市，被譽為「世界電影首都」，擁有「百代」「高蒙」兩大電影製片公司。1903至 1909年也因而被稱為世界電影史的「百代時期」。
1908年，世界上第二座影城——好萊塢也在拍攝《基度山伯爵》時初具雛形。其時，只不過是攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯共同搭建的一個小小的攝影棚，直到1913年才形成規模。
（三）1913-1926年，無聲電影走向成熟
梅里愛在完成他第430部影片之後，於1913年退出影壇，最後慘死在街頭。一代巨匠在為電影藝術的發展做出巨大的貢獻之後，就這樣靠別了世界。梅里愛的衰落和好萊塢的興起，標誌著電影已告別了它的幼年時期，而進入了成熟期階段。
格里菲斯在1915年以藝術家的勇氣拍攝出了世界電影史上的經典無聲片《一個國家的誕生》，在1916年又拍攝了《黨同伐異》。這兩部被譽為電影藝術的典基之作，標誌著電影成為藝術的起始，是美國電影史上的里程碑，是當時電影水平的最高境界，也是世界電影史上的兩部經典之作。
格里菲斯的不朽功績是突破了梅里愛時期戲劇電影若干陳舊的陋習。作為第一人，在拍片時，他讓攝影機移動起來，極大地豐富了電影語言，開創性地使用了「特寫」、「圈入」和「切」的手法，又使蒙太奇成為電影藝術的重要組接手段。在梅里愛的特技攝影和英國布賴頓學派對蒙太奇的早期發現的基礎上，格里菲斯創造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一個國家的誕生》里，他充分運用了他發展的特技和蒙太奇語言，影片集中體現了當時歐美電影藝術探索的成果。這部影片在廣闊宏偉的歷史場景中，較好地發揮了電影藝術時空的跳躍自如的特性，同時體現了蒙太奇多線對比、交替的作用。全片由一千多個鏡頭組接而成，不同景別的轉換使用，靈活多變的攝影技巧，是格里菲斯在電影史上的大膽創造。在影片中，近景及特寫等不同景別的組合運用，和諧、變換，各得其所。如大遠景，他用來表現兩軍對峙交火的戰爭場面；特寫，他用來表現人物的細部動作。在拍攝三K黨信馬飛馳的場面時，格里菲斯將攝影機安裝在卡車上，追逐奔馬進行跟拍，取得了緊張、逼真、生動別緻的畫面效果。一年後的《黨同伐異》也是標誌格里菲斯畢生成就的影片，衝破了古典戲劇的「三一律」限制，創造了開拓銀幕時間、空間的「多元律」。影片將不同時代的事件加以排比和集中，極大地豐富了電影語言，又豐富並發展了平行蒙太奇語言。這部精典巨作，以其疏密相間的節奏，溢彩流光的畫面，移動攝影的美感，宏偉開闊的大膽構思，在電影史上佔有重要地位，促進了電影藝術的發展。
這一時期，電影成為藝術已有公論；另一方面，這一時期，電影已經成為一種企業，電影到此時才有了真正的藝術作品。美國喜劇電影大師查爾斯卓別林，也是無聲電影時期傑出的電影藝術家。1914年，編導了第一部影片《二十分鐘的愛情》。接著，《陣雨之間》又問世，在這部影片中，第一次出現了流浪的夏爾洛的形象。1917年的《安樂街》里，夏爾洛形象顯示了逼人的光輝。《夏爾洛從軍記》一片標誌著卓別林表演藝術的成熟。1919年，他自己集資建廠，成了好萊塢第一個真正獨立製片的藝術家。20年代，他拍攝了一批以《淘金記》為代表的著名影片。卓別林一生有80部喜劇電影作品，其中《王子尋仙記》、《大獨裁者》、《凡爾杜先生》、《摩登時代》和《淘金記》等代表作具有永久魅力。卓別林電影的最大特色是：具有鮮明的現實感和尖銳的諷刺性及雅俗共賞的大眾化特色。薩杜爾先生對其作品作了如下評論：「卓別林的影片是唯一能為貧苦階級和最幼稚的群眾所欣賞。同時又能為水準最高的觀眾和學識淵博的知識分子所欣賞的影片」。
蘇聯的著名電影大師謝蓋愛森斯坦是無聲電影時期為蒙太奇理論的建立與發展作出舉世矚目的重要貢獻的傑出代表。 1924年，他導演了第一部影片《罷工》，創造性地使用了雜耍蒙太奇，把沙俄軍警屠殺工人鏡頭和屠殺牲畜的鏡頭組接在一起，使之交替出現，造成了怵目驚心的隱喻。1905年，他導演了世界電影史上最傑出的史詩式的無聲片《戰艦波將金號》，成功地在影片里表現了俄國1905年革命。該片曾多次在國際電影評選中獲獎。影片中著名的敖德薩階梯的場面、段落，已成為影響幾代電影藝術家的經典性範例。1927年，他還導演了《十月》。 愛森斯坦的貢獻在於對蒙太奇理論地闡述和藝術實踐，使之成為一個完整的美學體系。愛森斯坦的藝術特點在於將格里菲斯創造的平行蒙太奇技巧向前推進了一大步；善於運用特寫表現事物的內涵；利用鏡頭的交切形成蒙太奇節奏，揭示人物的內在情緒；充分發揮了蒙太奇的隱喻功能 ，形成「詩電影」的傳統。
（四）1927-1945年，電影作為一種藝術走向成熟
1927年是電影史上具有劃時代意義的一年。《爵士歌王》影片的誕生標誌著有聲電影時代的來臨，同時也是電影走向成熟期的標誌。聲音使電影由單純的視覺藝術，發展成視聽結合的銀幕藝術，實現了電影史上的一次革命，極大發展了電影的本性，為電影藝術開拓了新的天地。有聲電影從問世到推廣，大約用了五、六年的時間，原因有認識上的、經濟上的和技術上的。特別是一批有名的電影藝術家，留戀無聲電影時期的美學原則，過多挑剔了剛問世的有聲電影的一些弱點。但是，隨著電影藝術家對聲音控制運用能力的增強，以及錄音設備、技術條件的改善，有聲電影才得以正常的發展。
聲音進入電影之後，蒙太奇不僅是畫面組合，同時也擴展至聲畫的對位或對立，因而豐富了蒙太奇的內涵手段。有聲電影取代無聲電影，是符合電影發展的客觀規律的，也是有其客觀必然性的，因為有聲電影的誕生標誌著電影走向藝術真正發達的時期。1933年以後，由於技術的進步，電影製作中同期錄音得以改為後期錄音，電影攝影又變得靈活而富有生氣了。同時，蒙太奇理論和手法都有了較大的發展。蘇聯電影大師普多夫金在拍攝《逃兵》一片時，就曾用聲畫對位和對立的配音方法來加強影片效果，使觀眾耳目一新。
1935年，馬摩里安攝製了世界上第一部彩色故事片《浮華世界》。彩色膠片的發明，使得電影藝術又進入了一個新的發展階段。聲音和色彩促使電影更趨近於自然。有的電影創作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的藝術效果。
彩色電影的問世，標誌著電影從誕生髮展達到了完善成熟的發展時期，從此電影藝術進入了新的發展階段。
（五）1946-1959年，電影藝術進入了重要的發展時期
這一時期，世界電影呈現多頭並進的曲折發展時期。美國電影在戰後一段時間裡，在世界各地受到了冷遇；戰後的蘇聯及其東歐國家形成四足一方，大體沿著社會主義現實主義的傳統軌道緩慢發展。藝術創作受教條主義和庸俗社會學的影響，少有突破和進展。這一時期，蘇聯的一些電影工作者拍攝出了一批有感情衝擊力的戰爭片和有一定形象感染力的人物傳記片。如《青年近衛軍》、《攻克柏林》、《易北河會師》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海軍上將烏沙科夫》。在斯大林逝世後，蘇聯電影在"解凍文學"的思潮影響下，開始走出僵化的模式。繼1957年卡拉托卓夫《雁南飛》以後，蘇聯電影便出現了再度大發展的局面。西歐的電影大國，如英、法、德、意，構成當時四足並立的另一極。戰爭留下的陰影和經濟困難的制約，西方電影進入特殊的時期，在困難和對手挑戰下，不僅沒有委縮，反而刺激了西歐現實主義電影的繁榮發展。在東方，主要是日本、中國、印度的電影出現了長足的新發展，並先後進入了世界大國之列。日本電影在東方起步較早，二戰期間日本電影步入歧途，而戰後不久便獲得新生。尤其在1950年黑澤明的《羅生門》以後，日本電影引起了世界的關注。印度電影在三十年代開始也有了較好的狹窄的發展。進入本時期後，印度電影因受義大利、法國和蘇聯電影的影響，逐漸從追求豪華的音樂歌舞片而轉向現實。1953年，拉基卡普爾導演的《流浪者》和比麥爾洛埃的《兩畝地》等影片標誌著印度電影的新面貌。在1955年，印度影片產量達285部，僅次於日本成為世界第二位。現在，印度電影每年產量多達700部左右，成為世界電影產量第一大國。
這一時期世界電影史上有著重要影響的是義大利的新現實主義電影。新現實主義電影中心代表人物是義大利《電影》雜誌反法西斯影評家巴巴羅桑蒂斯和柴蒂尼等。出身於新聞記者和作家的年青導演是他們的響應者，主要包括：德西卡、羅西里尼、維斯康蒂、利薩尼、莫切里尼等。他們要求建立一種現實主義的、大眾的和民族的義大利電影。他們的口號是：「還我普通人」；「把攝影機扛到大街上去」。他們十分重視作品的真實，儘可能使場景和細節具有照相性的逼真誠，基本上利用外景和實景拍攝；不大注重講究文法，不強調蒙太奇剪輯；主張啟用非職業演員，演員在表演中可以即興對話。其代表作品主要有：《羅馬11時》、《偷自行車的人》、《游擊隊》、《警察與小偷》、《大地在波動》、《橄欖樹下無和平》、《米蘭的奇蹟》等。新現實主義電影的特點是取材大都是義大利的真實生活的紀實性寫照。新現實主義電影在五十年代中期衰落，但對推動電影藝術的發展，是起到極其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界電影從突破創新中走向多樣化發展
繼義大利「新現實主義」電影之後，世界電影史上又出現了規模巨大的第三次革新運動。這次電影運動始於法國，自1959年新浪潮興起，法國電影出現了一條全新的、有效的打破商業電影壟斷製片的道路。新浪潮的口號就是不要大明星，打破明星制度，不要花大價錢拍豪華影片，影片要接近生活等等。這股浪潮蔓延到了全世界，許多國家都出現了新浪潮。「新浪潮」電影運動是一個留下較多實績，在世界電影發展過程中產生深遠影響的電影運動。這次電影運動以反傳統為旗幟，以非理性為基本特徵，是對戲劇化電影更大的一次衝擊。這次電影運動以夏布羅導演的《漂亮的塞爾傑》和《表兄弟》公映起始，特呂弗《四百下》，阿侖雷乃《廣島之戀》在戛納電影節引起轟動為開端。其電影藝術特徵是：影片呈現全新風格、意識流和閃回鏡頭為一些創作人員常運用的表現手段，情節鬆散，眾多生活事件無邏輯地以無技巧手法編輯在一起，表現人物的潛意識活動，缺乏結構上的完整性。
新浪潮後期影片，現實主義完全被拋棄，影片陷入到狂亂、神秘和頹廢的泥坑。其非理性、非情節化的傾向愈演愈烈，導致不久就衰落了，但由於聲勢浩大，且敢於突破創新，所以，在電影史上的影響是巨大的。它既確立和強化了導演的中心地位，又進一步發掘了電影的特性，豐富了電影的語彙，推動了這一時期電影的全球性的大發展，真正形成了電影題材的多樣化、電影樣式的豐富化和電影思潮與流派的多樣個性化。
這一時期全世界的電影事業出現較大的發展。就連拉丁美洲、遠東、阿拉伯世界和黑非洲電影都有了可觀的發展，而過去巴西、阿根廷、墨西哥在世界電影史已佔有一席之地，在這段時期，又有了新的發展，智利、古巴、玻利維亞等國電影也有了新的發展。這一時期，香港電影發展到充斥著整個中南亞電影市場，並影響著整個大陸的局面。所以，本時期世界電影已由過去的四足分立並進變成了全球性大發展。
世界電影發展中有兩個名詞必須要談，一是好萊塢，一是奧斯卡。
上文談到1913年好萊塢電影城初具規模，實際上當1908年攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯來到這兒拍攝《基度山伯爵》時，這裡還只是美國西海岸洛杉磯郊外的一個小村，這個小村風光秀麗，景色宜人，之所以被稱為好萊塢，意即常青的橡樹林。
自1913年建立以來，這裡聚集著派拉蒙、米高梅、福斯、環球、華納等大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行，同時，也吸引著世界各地的導演和演員去那裡拍片和表演，成為美國繁華的電影城市。
好萊塢是美國電影出品的主要基地，據有人統計，生產的影片可以分為75種類型，其中我們較熟悉的有偵破片、西部片、歌舞片、喜劇片、驚險片、科幻片、抒情片，這些製片公司在電影方面大量投資，使電影事業在美國成為一種大規模的工業，取得了世界電影的霸主地位。
好萊塢攝製的影片完全是以票房價值收入為指導原則，製片人關心的是如何多賺錢，要求「把光打在有錢的地方」，「把鏡頭對準觀眾崇拜的面孔」。因此，好萊塢的影片一般都能在商業上獲得巨大成功。這些影片十分講究戲劇性，編織各種人在各種生活中的各種遭遇，結構緊湊、曲折，人物性格複雜、獨特，情節常有誤會、巧合；富有傳奇、浪漫色彩，具有極大的刺激性和觀賞性，能夠滿足要求娛樂的感官體驗和心理需求。
第一部在好萊塢拍攝的電影史根據大仲馬的原著改編的無聲影片《基督山伯爵》，那是1908年在好萊塢的荒野上搭建的一個簡陋的棚子里拍成的。有些人把1913年影城好萊塢的奠基年，這年由派拉蒙公司在好萊塢建立了一個初具規模的攝影棚，並有當時美國東部大導演西帛.地迷爾來此拍攝《通婚著》一片，攝影棚也由此再次擴建，所以人們將這作為好萊塢的誕辰載入史冊。
三四十年代是好萊塢的黃金時代，其間推出了不少傳世佳作，如《亂世佳人》、《蝴蝶夢》、《魂斷藍橋》以及喜劇大師卓別林的傑作《摩登時代》、《大獨裁者》等，這些影片不僅被奉為好萊塢的經典之作，而且也為世界電影史冊增添了輝煌的一頁；世界觀眾並由此熟悉了那些在銀幕上塑造了一個個性格鮮明的人物形象的明星：卓別林、鮑嘉、蓋博、泰勒、勞倫斯、瓊.芳登、英格麗.褒曼等。
隨著資本主義經濟的畸形發展，好萊塢也受過種種危機，通貨膨脹，製片成本大幅度提高，以及電視業的競爭，觀眾審美觀的改變，一度使好萊塢走向低谷。有的公司因此虧損，有些公司乾脆搞多種經營，變攝影棚為旅遊、展覽區。直到70年代，製片商們採用了歐洲的製片人制度，才使好萊塢走出低谷。同時，製片商還引進新的科學技術，創造了立體聲、寬銀幕等電影形式；有的廠家與電視化敵為友，使好萊塢也躋身於電視界，並由此使影視事業走向繁榮。
至於奧斯卡，眾所周知，每年的三四月間，太平洋之濱的美國名稱洛杉磯音樂中心影星薈萃，他們在這裡參加由美國電影藝術與科學學院舉辦的奧斯卡金像獎的頒獎典禮。這一年一度的頒獎盛典，不僅是美國電影界的一件大事，也是世界影壇上的一件令人矚目的事情。
在美國，最為著名的電影藝術獎由兩種，一是外國記者頒發的金球獎，另一種是奧斯卡金像獎。比較而言，金像獎更為人們所津津樂道，因為它是美國電影界的最高榮譽，一旦獨佔鰲頭，便馬上身價百倍，因此，此項大獎的競爭頗為激烈。
為什麼金像獎命名為「奧斯卡」呢？這還得從金像的設計說起：金像的造型本由米高梅公司的美工師塞德里克.吉木斯構思而成，後由青年雕塑家喬治.斯坦利於1928年完成塑像的製作。這尊金像的主體是一個男人站在一盤電影膠片上，手中緊握戰士的長劍，身長34.5厘米，重3.45公斤，由銅為主的合金鑄成。因塑像呈金色，故稱之為金像獎。得名奧斯卡是在1931年，頒發金像獎之時，說來也純屬偶然：當年頒獎前夕，評審委員會的成員在一起評論金像，當時的藝術與科學院的圖書管理員瑪格麗特.赫里奇仔細地端詳了金像後，情不自禁地叫到：「呀！他看上去真象我的叔叔奧斯卡。」於是，藝術與科學院的工作人員便稱金像為奧斯卡，這個名稱也從此聞名全球了。
奧斯卡金像獎誕生至今已有73多年的歷史了。我們從中可以看到美國乃至世界電影事業的飛躍發展。奧斯卡金像獎原定為兩年評選一次，自1934年起，擴大到每年一次。最初規模不太大，活動只限於電影界內部，且評選消息只在《洛杉磯時報》上發表，直到1953年，評獎的全過程才第一次通過電視媒介向全國實況轉播，同時還增設了一項外國影片金像獎，至此，奧斯卡獎評選成為世界矚目的一件大事。如今，有了衛星作為傳送媒介，奧斯卡金像獎的評選更是家喻戶曉。1989年3月30日，在好萊塢舉行盛況空前的第61屆奧斯卡獎揭曉盛典，主持人當場宣布：世界上有91個國家的十億觀眾，包括第一次收看實況轉播的前蘇聯觀眾通過衛星收看這次頒獎儀式。
總之，從第二次大戰結束以來，電影在技術上是相當完善了，在藝術表現方面也是已經成熟了。我國的電影理論家邵牧君在《西方電影史概論》一書中提出，電影在其百年的發展歷程中，大致可以從四個階段進行研究：
一是形成期(1895年——1927年)，從愛迪生、盧米埃爾在美國和法國發明電影之日起，經歷了從短片到長片，從單鏡頭到多鏡頭剪接，從而形成視覺語言的二十多年歷史。
二是發展期(1927年——1945年)。在這不到二十年的時間裡，電影獲得了聲音和色彩，具備了電影藝術的一切必要的表現元素。人們對反對無聲電影的經驗開始了總結，並且在運用音響和色彩方面，在探索電影形象表現潛力方面都展開了認真的研究和實驗。
三是成熟期(1945年至今)，電影在第二次世界大戰結束後已在技術上達到了完善的地步，此後的技術發展不再對藝術表現有重大的影響。電影從此進入了在藝術上精益求精的階段，並在同其他藝術的關係上，從過去單純的摹仿吸收進行到有取有舍的階段。此外，更值得重視的是，電影這時的不再是單純的娛樂品，而是具有極大的社會影響的藝術門類了。
文章不錯記得給我點贊喔。謝謝。 關注我關注我。
1、黑白
2、彩色
石器時代
青銅器時代
鐵器時代
冷兵器時代
熱兵器時代
紡織機時代
蒸汽時代
電氣時代
信息時代
網路時代
智能時代
總體就是更快更高更強！解放生產力和加上信息交流
待我花費了三年的青春學習影視藝術之後，我反而覺得這個問題應該這麼回答：
早期：真實記錄，鏡頭說話
中期：帶點引導，加點解析
後期：回歸本真，技術佔先
1、中央台
2、快播/迅雷/電驢
3、各大門戶網站/迅雷/各種雲盤
4、各大門戶網站/中央台
推薦閱讀：