日本版畫對馬奈和梵高有何影響？黑人藝術對高更有何影響？兩者的影響方式有何共同之處？

謝邀。

前幾天寫的一段文，直接摘：

如果僅僅以「畫得如眼睛所見」為標準，西方繪畫走過了一段漫長歷史。埃及人的作品相當程式化，人物大小常依身份地位而定，但直觀而一目了然；中世紀宗教繪畫多以「讓大多數不識字的教民也看得懂」為標準；喬托之後，焦點透視法盛行，歐洲人開始崇尚「畫得一如眼睛所見」，事無巨細，越工越好。荷蘭黃金時代的卡爾夫、維美爾們，對物體材質的細節可以細至毫髮，如照鏡子。
但早在15世紀，藝術家已經遇到過一個問題：如果真的事無巨細把眼前所見素描下來，很容易生硬呆板、毫無生氣。偉大如達芬奇，才使用了「漸隱法」——也就是處理《蒙娜麗莎》眼角與嘴角的技法——才克服了那個困難。然而，對這一代印象派畫家而言，他們太信賴自己的眼睛了，他們發現陽光和露天下，那些細微的眼角陰影根本不存在。他們要畫戶外，要急速，於是不得不把輪廓畫模糊。

17世紀之前，日本版畫與中國藝術概念相襲；但17世紀後，浮世繪興起——浮世者，現世、現代、當代、塵世之意也。浮世繪常為描繪世間市井風情。浮世繪總以黑色描繪輪廓，之後雕刻墨板、選定色彩、雕刻色版、刷版。1865年，法國畫家費里·布拉克蒙將陶器外包裝上的北齋作品給年輕畫家們看，令諸位傾倒。敏銳的馬奈當時就融合浮世繪技法，完成了傳奇的《吹笛少年》。
對莫奈們來說，日本版畫的色彩和形式提示了這麼件事兒：如果之前庫爾貝們的叛逆還只是針對安格爾這些傳統技法，那日本版畫的做法就整個顛覆了他們的概念——原來世界上除了歐洲式畫法，還有截然不同的程序和路數？歐洲繪畫的一切基本規則，在日本版畫家那裡都不適用。最重要的一個概念大概是：
為什麼歐洲繪畫，總要求焦點透視，把一切形象事無巨細的畫出來呢？日本版畫里，北齋和歌膺都可以散點透視，也都可以把人物畫得橫雲遮月，寫意揮灑啊！
如是，對那些貼近了看、挑剔細節的觀眾來說，印象派的畫作，統統「未完成」。舉個例子，這就像中國宋朝的簡筆人物畫，筆簡意足，但對習慣工筆肖像的人而言，這畫顯然也「沒畫完」。

如是，印象派，在某種程度上，可以看作歐洲的寫意畫，只是其所寫不是「意」，而是更確實的「眼前所見之印象」，而已。中國的水墨寫意、日本的版畫，許多時候會簡略細節，畫出大概，讓觀者自去想像。

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印象派最偉大的勝利，是製造了這麼一個不朽的例子：再怎麼遭遇非議的藝術家，某天都可能獲得尊崇。19世紀60到80年代，那漫長酷烈的戰爭，那些窮愁潦倒的藝術家，有些人沒能挺下來，比如年未四旬就過世的梵谷，比如在普法戰爭里死去的巴齊耶。但是20世紀到來時，莫奈、雷諾阿、畢沙羅、馬奈們，這些曾經被當作妖怪、叛徒、流氓、騙子的人物，都獲得了國際級的名譽。尤其是莫奈和雷諾阿，終於熬到了年紀，可以享受勝利。他們親眼看到自己成為經典畫家，他們的作品被政府買下，或被收藏家追逐。這未必能彌補他們早年所受的貧窮冷遇，但當初以「高貴的畫風」、「平衡的構圖」、「正確的素描」攻擊過他們的人們，到此終於可以閉嘴。經典美術的陳腐俗套被他們徹底踩倒。這件事永遠改變了批評家和藝術家們的地位對比。評論家們的威信遭到損害，再未恢復。所有藝術革命家自此以後，都會把莫奈們的鬥爭當作傳奇。每當公眾對他們的革新手法有所異議，他們就可以來一句「當年莫奈和雷諾阿也是這麼被批評的」，然後可以很自傲的堅持下去，而且相信，時間會將應得的冠冕還給他們。
19世紀的造反者們——德拉克洛瓦、庫爾貝、馬奈，然後是莫奈和雷諾阿——打算把古典程式全部清除出去；當障礙一一排除之後，印象主義者的確做到，可以把視覺所見準確繪在畫布上。但隨之而來的，則是對西方整個繪畫傳統的拋棄，轉而尋找原始但不程式化的創作風骨。梵谷、高更和塞尚們，所做的就是這個：1887年高更在布列塔尼和巴拿馬找到感覺，與印象派，乃至整個歐洲的文藝傳統決裂，開始從零開始，製造藝術。20世紀的藝術家，比以往任何時候，都追求獨創性。他們已經不再滿足於複習大師的技藝了，他們得不斷創造新的主義。