19 世紀印象派發現了什麼樣的色彩關係？有什麼規律？

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原標題：眾所周知，19世紀以前是素描關係為主，那麼能詳細說下19世紀印象派所發現的色彩關係嗎？什麼規律？

19世紀以前，有我們大眾所知的著名畫家-達芬奇，學院的學生所知的魯本斯，倫勃朗，都是以光線，即素描關係為主，那麼從19世紀開始，繪畫開始以色彩為主，我們畫畫的都知道這個革命的變化，但是市面上大多數的繪畫類書本仍以素描關係為主，即高考「藝術」，沒有詳細介紹印象派最重要的貢獻—色彩規律和色彩關係，我想詳細了解色彩方面，因為最近畫畫色彩很煩，老師總說色相不對，求高手們解答，謝謝！

首先我覺得你畫色彩習作問這麼大議題的問題沒有必要，其次就算寫答案也很難寫全面。

如果是純理論和分析的我建議去看看修拉的點彩及相關文獻，那是現代」科學「色彩成像的重要理論依據網上有的是。

如果是技術的我覺得你去臨摹點國美系的色彩靜物就行了。

最近忙死，簡單說點——

首先，
……敝人沒聽說古典各流派的繪畫方式是「以光線為主」。（又或者是我孤陋寡聞……）
西方繪畫早期也是各種繪畫科學起步及發展的時期，當時的著眼點在於竭盡能力想要再現眼睛所看見的世界，比如結構解剖、空間透視、光感色彩……等繪畫科學規律。
換句話說，

古典寫實流派是以「型」為主，依附於型的光線、色彩變化（多以素描關係為主）是其主要研究課題。

但型也一樣需要用色彩去塑造，畢竟西方油畫的根本特點就是「色彩造型」，所以古典主義繪畫也一樣是以色彩為主。因為更注重型的光感明暗變化，尤其是室內光條件下，所以古典繪畫流派表現出來就是「紮實的素描關係」。
印象派的特點之一就是——把畫室從「室內」搬到「室外」——著力表達畫者對自然光條件下各種色彩變化的感受（印象）。也因此畫面的色調開始有了豐富變化，不再是古典派的「醬油色」，而是有豐富且微妙變化的環境色、固有色等各種色彩之間互相影響後的色彩效果。簡言之就是「把自然光下的色彩對比玩到極致」。
這期間繪畫的色彩科學得到了很大的發展，色彩不再完全附著於型體的單純固有色變化，而是在各種光線的影響下產生許多細微、美妙的色彩對比，特別是冷與暖（這個大家都知道）、艷麗與沉著（即色彩的飽和度變化，艷色與灰調的對比）以及色調的整體效果，和色彩表達的意境，用一種寫意而非寫實的手段去繪製眼睛所看到的一切在畫者心裡產生的感受（印象）。後人將其歸為「印象派」。其次，
如果我們認真去看印象派繪畫作品，一樣會發現，其中蘊含大量的素描認知與理解。
在印象派畫作中，色彩的素描關係不再依附於實際物象的造型（當然，結構還是很重要的），而是單純地表現其結構基礎上由光線變化引起的色彩變化。比如莫奈的多幅巴黎聖母院油畫作品就是一例，他老人家就是想要表現在陽光下這棟建築的各種色彩微差，結果一發不可收拾，畫了好多天好多次……在這些作品裡，我們仍舊會看到色彩本身的素描關係。
就像有人提到的，優秀的印象派畫作若製成黑白照片，便能看到其中的黑白灰素描關係的精心布局。這已經是把素描「提升」到了色彩運用的層面，是用色彩的素描關係來繪畫，而非糾纏於具體造型的素描關係。
就是說，印象派的色彩運用擺脫了古典式的單純以「造型」為目的，而是用來表現光（色光，尤其是環境色）的變化，這才是「革命」的核心——

從對型的理解認知到對 光與色 的理解認知。

再有，
印象派繪畫的色彩運用，也不是「色彩取代了素描」，而是素描規律在色彩（尤其是色光）原理的基礎上進行了更深入的研究，是用色彩去描繪畫面的整體素描關係，不再像過去那樣拘泥於每一個具體形象的結構素描變化。這便脫離了單純追求「型的寫實」的框框，「型」在畫面中也不再孤立，而是與背景、環境作為一個整體去表現。我們可以從莫奈的《睡蓮》或《青蛙池》、修拉的《大碗島的下午》、德加的《芭蕾舞教室》等許多印象派名作中看出，其中的色彩是跳躍、閃爍的，不再單純為塑造型體，而是表達出畫者眼中這些物像在光線變化中的色彩躍動感。
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畢竟，
素描精準表現的是一種靜態，而印象派色彩所塑造的是一種動態，尤其是光的動感。

把各種 色彩對比 玩到極致，就是印象派最出色的色彩玩法。

最重要的是，

印象派與古典寫實派的根本分別，是「表現」與「表達」的區別。

這個問題就與色彩的運用沒有特別緊密的關係了。
古典派主要追求對真實世界的再現（發揮至極致就是「超寫實主義」流派），著力表現的是畫者對世界的客觀理解與認識；而印象派則更多追求畫者個人對客觀世界的主觀體會（印象），是對真實世界的光感、色彩的一種 個人化 的整體理解與認識。印象派不再追求僅僅表現自己對客觀的認知，更注重表達畫者自己對客觀的體會與感受（印象）。

當繪畫從「再現」進入「表達」，那就是一個全新的學術探索領域。
這個革命性的藝術理念，影響藝術發展至今。

回到高考問題——
其實，無論是否高考藝考，色彩繪畫比如高考的水粉畫等，也同樣是基於色彩的基本原理，並不僅僅是色彩的素描關係，更有色彩的各種對比。
事實上，一些比較優秀的高考藝考試卷也是在掌握了這些色彩原理基礎上才能把色彩的藝術效果表達得更完整。
只是這些色彩學的知識往往需要學生自己去領悟，而較少通過教師的教授過程來進行講解，這是比較遺憾的。

學色彩的有趣之處在於，當我們看到某個物體的某個局部色彩後，我們腦子裡反應出來的並不是這個色彩的單純色相，而是這個色彩是如何在各種環境色影響下「變」成了現在這個顏色。
譬如一個蘋果：
當一個紅蘋果放在白色襯布上，旁邊擺了一個綠色的蘋果和一個綠色的啤酒瓶，那麼這個紅色的蘋果所顯出的顏色就絕對不會是所謂的「固有」紅色，而是在這三件物體（襯布、綠蘋果和啤酒瓶）影響下「反映」的多種色彩變化，同時還要考慮到光源（無論是陽光、天光、室內自然光還是燈光）對這個蘋果的色彩影響後產生的冷暖對比，這就使得這個紅色的蘋果擁有非常豐富且細微的各種色彩變化。
如果此時還用固有色的明暗素描變化去描繪，就完全錯誤了。

必須學會掌握色彩的微差、運用色彩的各種對比，去塑造一個身處各種不同光線影響下的環境內的物體。

這也就要求我們必須學會更細緻的觀察，以及對色彩原理（尤其是色彩對比）的理解，與運用。

古典主義繪畫作品是好東西，印象派畫作也是好東西，如果我們將兩者結合一起來學習，要想學會理解色彩，學會色彩的運用與把握，也並不是難於登天。
先從 色彩對比的認知開始吧，結合自己對素描的理解，你一定會逐漸明白色彩有多好玩。

以上
2015-11-12