繪畫中的韻律 節奏 到底是什麼 如何表達？

最近重新翻看了伯里曼的人體結構 最後一章這樣寫到:
畫面中若沒有一種若隱若現,細微精妙的對稱性線條川流其間,線條的安排和皺褶的面積便不是完整的和諧調的。
在繪畫的輪廓,色彩,光線和陰影中都存在著韻律。所以,為描繪形體的韻律,我們可以把運動的一面與沒有活力的一面進行協調。總之畫面應該富於含蓄的,微妙的對稱性。
這段話該如何理解,如何把音樂的節奏和繪畫聯繫在一起,或者如何用欣賞音樂的方式欣賞一副畫中蘊含的韻律？

音樂繪畫中的韻律這個屬於類比，不能強硬理解。

我舉個很小的例子說吧，邊緣處理的節奏感
林冉大手的早年練習

這個的邊緣處理自然不能跟很多世界名畫比，但是處理的很成功，有典型性，就是動感活潑，同時沒有破壞掉外形。有很多模仿林冉畫照片的畫邊緣會用過度的動感模糊，以為看起來很帥，其實形散了。

說回上面，頭髮和背景的分解處於半模糊狀態，同時頭頂那一塊實形卡的很主觀很有效，有喜歡實驗的同學可以試試P掉模糊掉那一塊，馬上頭頂會崩。縮小了看人能從背景出來，放大了有事很曖昧的關係，這很清真~！林冉推薦過---藝術與視知覺這本書（名字不一定對），講的就是各種視覺心理量的變化，值得一讀。

對比下圖這種已經很藝術化的攝影處理，還是上面的邊緣更有趣味性。

從唯物的角度來說，兩個東西不是鏈接的，自然就是斷開的狀態，所以邊緣一定會鋒利乾淨，這個其實在概念設計里是個很好的方向，但是在繪畫里會顯得生硬，包括上圖中人臉的輪廓就是例子，如果是沒有分辨能力，按照這個邊緣強度去畫，臉會平。

具體到布褶這些，更多時候都是畫家人為臆造的產物，真實性無從考據，但是走勢非常有味道。也再一次證明繪畫並不是一味的還原客觀，至少不是唯一的標準。

這個方向是鑒賞方向，能說的太多，說不過來，如果有興趣還是推薦看藝術史的書籍。

純藝不太懂，但這些年的經驗總結大概是：「虛-實-虛-實，疏-密-疏-密，視覺中心。」

如果用音樂來比喻應該就是，高潮需要前奏鋪墊和襯托吧。