類似這種文藝復興的色調是怎麼做到的？

想知道這種圖片的後期手法和一些前期準備

我曾經在高高手上見劉楊老師講過這種類似的風格，就簡單的說一下思路吧。
先上圖：

也可以是這樣

首先我們找一張類似風格的素材，就是這個

第一步要做的是拉亮暗部，提取細節，增加整體清晰度，用調整畫筆單獨增加盆子里水果的清晰度。調整如圖：

第二步，壓暗盆子的亮度，同時降低其飽和度。如圖：

第三步，降低整體飽和度，如圖：

第四部，用曲線加紅黃色，如圖：

第五部，色彩平衡做微調，如圖：

大概就是這樣吧。細節我沒處理，大家可以參考一下思路。

這是外國復古風，我還寫了一個中國復古國畫風格的教程，有興趣可以去看看： http://www.zhihu.com/question/27104705/answer/100036446

謝邀，邀得還比較准。

我有一段時間都在琢磨這個風格，最初走了些彎路，這段日子受了些啟發，琢磨出基本上能拍到八成像的布光方法，別把我下面的話當答案，就是交流一下。

先說個誤區，基本上談到這類文藝復興色調，國內攝影師一定會提到倫勃朗光，也就是雙燈夾光。我當初琢磨這張片子的布光方法，也掉到了這個坑裡面，後來意識到，一旦拋棄對於倫勃朗光的固有認識，一下子就能做得差不離了。

拍攝這樣的照片，最基本的配置是三個光源加一小塊反光板，反光板一定要小，60cm左右差不多。這個非常關鍵。最後，需要在一個封閉的房間里拍攝，通條的攝影棚干這個是不方便的。

主光源面積要大，越大越好，120CM起步吧。長方或者八角都OK。當然，主光也可以是窗口光。不過我傾向於認為題主這幅照片的窗戶是PS上去的，整個背景都是。

接下來是輔光，輔光才是這個照片的精華。我當年坑全掉在輔光裡面了。輔光功率要大，至少和主光平齊，然後，別朝著人，朝著你身後的那面牆，依靠反光形成一個柔和的包圍。這個角度和出光需要根據房間的大小做調整，得多試幾次找感覺。

接著在人物背後，主光對稱位置放一小塊反光板，一定要小，反光位置中心在脖子上。

OK，最後一個光源可以是條形或長方形柔光箱，打背景。溫和一點，和主光1:4~5就OK，面積控制得小一些。如果手頭燈多，最好用兩支燈打背景，這樣的光斑看上去更自然一些。

這樣的片子，如果前期控制得好，基本上是不用怎麼後期的，在Camera Raw裡面控制下就OK，我就不多講了。

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已經被人發了花絮打臉，人家的背景是實景T_T

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在糖皮網QQ群繼續被各種鏟臉，原片已經找出來了
https://www.flickr.com/photos/billgfoto/7357458718/

使用永諾YN 460II 從窗外1/2光輸出作為主光，窗帘充當柔光布。YN 560 1/8光裸燈天花板反光。

沒有背景燈，沒有反光板！！！
沒有背景燈，沒有反光板！！！
沒有背景燈，沒有反光板！！！

相機參數看截圖吧。

其實我不是來說怎麼修圖的...
我是想說一下關於這種風格的分析...

我們來說一下文藝復興時期的畫作的一些相關。
文藝復興的核心是人文主義思想，其理念的重點是「人」，是「人」的本能發揮，是「人」追求真善美的動力，當我們要復刻這種風格的時候，得確定被攝主題，帶有故事性的人物或者事件為佳，而且結構偏向寫實，這也是整張照片的核心，當時的畫作更多表現為「客觀的事實」，素描基礎也非常紮實，印象派之後才出現了很多主觀性的畫面以及顏色。
文藝復興的思潮中，呆板的暗部陰影表現其實是已經被突破了，當時的人們是非常熱衷於追求寫實，所以其實文藝復興思潮成熟的油畫作品中，往往是明暗細節非常豐富，光影過度非常自然的，所以我們在做後期的時候也要有這麼一種思維，當時的油畫是沒有「過曝」這個概念的，所以在前期甚至後期的時候，都要很小心控制光比，我個人的經驗是在做這種風格的時候，自己給自己一個念頭「亮是亮，暗是暗，沒有絕對的白，沒有絕對的黑」。當時大家都是按照人眼的寬容度去作畫，遠比現在數碼相機得到的原片要柔和得多，細節也更為豐富。另外一個答案也給出了原作者的參數，一個有經過柔光的主光奠定光源基調，然後用天花板反光把環境提亮，這樣整張原片後期起來就會比較輕鬆，在還原油畫那種高寬容度的情況下就不用和相機RAW較勁。
然後我們應該知道，文藝復興時期，義大利人進一步開發出了土系顏料，他們通過煅燒的方式來製造出了深紅色的"熟赭"和深棕色的"熟褐"。土系顏料的使用是他們繪畫技法中的顯著特徵。土綠是他們在繪畫肉色色調時常用的底色之一，義大利人還在古埃及的基礎上改進了鉛的生產工藝，並藉此開發出了不透明的鉛系顏料，拿坡里黃。但是在大家的印象中，文藝復興的個性還當歸屬於天然群青色的開發與使用。當時的基色顏料就是偏向黃色，暗部熟赭透土綠，亮部偏向拿坡里黃。
而且文藝復興油畫風格是早於印象主義的，也就是說，在那個階段的科學水平還不足以解釋光色理論，當時的畫作沒有冷暖光色，所有的帶顏色的油畫明暗關係其實都是很純粹的素描關係，「固有色」這個理念很牢固，一個物體的明暗，就是不同明度的固有色的表達。印象派畫家們仔細研究了傳統的寫實法則後發現，傳統藝術的再現自然是建立在一個錯誤的觀念之上的。因為傳統繪畫畫家寫生大都在室內，主要依靠室內光在物體上產生柔和的明暗變化來畫對象。這些畫雖然也有不少微妙的色彩變化，但是這種方法始終是基於固有色的觀點來描寫對象的，因此總的色彩傾向是棕色調。人們也養成了欣賞這種油畫的習慣。而印象派之後，光源色和環境色才是核心，所以在復刻這種風格的照片後期的時候，謹記不能被光色理論影響，要復刻，就得去犯一下古人犯過的錯，不然往往會出現「明明這個顏色很好看，但是怎麼都不像文藝復興風格」這種情況。
其實我個人更覺得這種風格偏向新古典主義，像當時的安格爾，沿襲了倫勃朗等人的用光方式，喜歡把視覺中心放在對象的受光部，用較為幽暗的背景襯托出人物。而且新古典主義的寫實素描已經非常成熟，雖然顏色更為亮麗，但是整體的框架和細節都透露出嚴謹的氣息。而這更接近相機拍出來的，對結構的還原。
所以當你需要模仿復刻的時候，其中的一些歷史，一些理論一定要有所了解...

下面這張是我自己處理的和題主的原圖還是有點出入的。
首先我們要分析原圖
原圖總體色調偏綠，偏黃。而文藝復興的圖片，我個人認為是油畫老化的感覺（如果有正確的說法，麻煩請告知改正）
那麼我們第一步的要求就是先把色調調出來
第一先把黃色飽和度降低，然後在把綠色飽和度降低，使其呈現灰濛濛的效果（ps:這裡我沒有降低綠色飽和度，採用了照片濾鏡圖層覆蓋了一下）

接著就是調大光影 （這個我也不知道怎麼教，水平有限怕誤人子弟）
所以只能靠你自己領悟了
曲線圖層：這裡可以看出，我調高了紅色曲線，降低了綠色曲線，而藍色的曲線稍微提高了右邊，降低了左邊。達到了冷背光，暖受光的效果。

最後就是上面的那個效果~這裡貼一張圖層截圖

結尾想說一句，這個原圖本身質量就很好，所以調色不用很複雜的處理，如果原圖質量不高，要處理的東西就很多，但是攝影我不怎麼會～所以～～～～不誤人子弟(ノ=Д=)ノ┻━┻