京劇老唱腔和現在的唱腔有什麼區別，如何唱出古樸的味道？

12-08

最近一直在聽老唱片，尤其是孫、二汪傳人等錄製的老唱片，越聽越覺得有滋味，自己也琢磨著學，但苦於才疏學淺，又無名師指點，一直總結不出一套完整的區別方案來，所以請大家各抒己見，歡迎探討！

嚯哦~~~我沒數清楚，幾位邀請我回答這個來著？

好嘛這問題大了，首先我是沒學過汪派孫派的，這問題太難為我了。贊一下題主的品位，誰是題主啊？咱倆先認識一下。

您這個問題其實問的還是有點兒毛病的，要按題目的意思，似乎是問清末到民國的京劇跟改革開放以後的京劇唱腔有什麼區別？再看題干是問汪派孫派怎麼學？這倆問題都齁兒大，回答起來都齁兒難……你要是比較老派兒的京劇老生和現在的京劇老生，首先你得比較現在的演員和他們的老師、乃至他們的流派創始人之間的差別，（可大了！），然後再比較這些流派創始人之間的差別，他們都有什麼師承，都怎麼學的，誰借鑒了誰。這個比較可有意思了。找個大伙兒都唱的戲，一對比就知道了。大概上來說，你說前後四大鬚生，區別是大，但是這區別可沒有譚和汪孫的區別大。

譚余體系的，是極為體現虛實相生的美，汪孫代表的老派兒審美，是字字顛撲不破的美。

那要具體分析事兒就多啦，吐字歸音的力度，潤腔兒的方式，氣息的控制，音量的大小，高中低音音色的追求，調門的基本要求，這可不是幾千字能說清楚的事兒……咱能把問題再弄小點兒嗎？不要一次累死我……今天開了六個小時車，我先睡了……

自問自答，這個答案作為自己的心得體會總結。
1、老唱腔言前轍咬字重，慣用炸音。譬如雙處《一捧雪》，「慘」字，「雪雁」的雁。
2、人辰轍也是，尤其是「恨」字，李和曾、趙松樵、雙處等均是一樣，前字耍腔，恨字收音，收的妙極！
3、發音位置，個人感覺老唱腔發音偏喉腔，發音厚重（和麒派有點像）。發音偏於舌根，現在唱多用舌尖。

4、吐字大開大合，悲劇時更甚。

題主問題關鍵詞：1唱腔區別，2如何唱出古樸的味道？

問題描述里提到孫菊仙和汪桂芬以及汪笑儂。

所以題主所說的老唱腔應該是指：不同於現在譚余體系下的，三鼎甲時期前後的京劇老生唱腔風格。因為譚鑫培的那七張半其實也是老唱腔了，和現在新譚、余、楊都有一些差別，但是呢，根據題主說描述的，應該不是你理解的老唱腔範疇。

以下的文字都是基於我這些年對於京劇的接觸、學習和思考，完全是個人理解。大概率有很多謬誤，這是免責聲明。

一.唱腔區別

比較明顯的區別：

1.調

以前都有一個說法，說挑班的老生都得正宮調，摺合成現在的西洋調高（G調）。我不是很懂樂理，這個叫調高還是叫調號。我們傳統的工尺轉化成現在的西洋調，可能一些資深的愛好者都知道。（正宮=G，六字調=F，凡子調=E）具體的還有一些爭論，什麼西皮二黃不一樣啊，然後工尺比標準調都低一些啊。這些不爭論，你只要知道以前的老生的調門普遍的比現在高挺多。這是由於原來的演出條件限制導致的。無麥的情況下音高和音量都需要比較大，觀眾在劇場甚至戶外才能聽得比較清楚。這是老唱腔和現在唱腔產生區別的主要原因。現在，一般來說可以上台的調門，嗓子好一點的F調，條件差一點的E調也可以。

2.音色

由於調的要求高低不同，唱出來的音色，發聲位置等等都會不一樣。老唱腔聽起來就比較高亢粗狂。

3.行腔

一方面是時代性，那個時候京劇處於比較原始狀態，那時候的審美就欣賞那種比較質樸乾淨的唱腔，簡單來說老腔比較直，旋律在音區上跳動不大，沒有什麼裝飾音。其實這也是高調門限制的，你拿正宮調唱樣板戲，我覺得很少有人能完成。後來的唱腔由於調門降下來，就可以有更多使用技巧的空間，花腔裝飾音就多了，高低起伏變化就多了。

二、如何唱出古樸的味道？

古樸的味道這個比較難定義。

你說楊寶森的唱就不古樸么？但題主的意思大概是想唱出老唱片的感覺。

古樸的味道來源我覺得有這麼幾條：

1.老唱片錄音的失真

現在聽到的老唱片都是聲音失真的，演唱者的高音部分都保留下來了，重低音的聲音都有一些損耗。這些可能會有使得聽起來古樸。

2.伴奏的不同

伴奏場面的不同，最早好像連月琴都沒有，胡琴是絲弦的，我聽的唱片里大鑼音都不太准。然後以前拉伴奏都比較簡單，沒有什麼花卦兒，基本都是單的。自楊寶忠始，伴奏可以單立一門藝術了，伴奏比較花哨了。具體你可以看下2014上海新春京劇晚會的第一個節目：

http://www.iqiyi.com/w_19rrce0kux.html

看看場面是怎麼演變的。

作者說到想學老派唱腔，有幾個困難：

1.老師

不要說名師了，就一般研習汪劉的業餘票友都比較少。且這一路唱在大多數票房沒有琴師會拉，願意拉。

2.氛圍

京劇本來就是相對小眾的藝術了，學習老唱腔可能更加寂寞，因為在這個圈子裡喜歡這種路子都很少了，每回給朋友放筱月紅的《罵閻羅》，他們都嗤之以鼻。多好聽啊，唉。

PS：我個人也很喜歡老唱腔，但也只限於聽，因為確實難學，因為學的都是所謂余楊的新腔了。二來，學了也實踐不了，僅限于欣賞了。希望題主加油，喜歡老腔完全沒毛病！

可以參考音韻學教材，老派京劇語音承自元代口語，比如保留尖團、人辰的in韻母、零聲母的特殊流變等，當時的戲曲家兼音韻學者周德清將其整理成了《中原音韻》，這本書網上能找到，與現代教材一起對比學習，再配合老派京劇的視頻模仿，進步會很大的。

個人愚見
曾經時代寬容度和演員對「戲」的理解不同了。
曾經的時代寬容度較高，京戲不是國粹，沒什麼帽子，大家敢放開手腳去改戲，敢做各種各樣新的嘗試。在逐漸的創新、嘗試中大家漸漸地摸出來了適合自己，適合當下時代的唱腔唱段。這是一種對觀眾或者說受眾的、極大程度上的迎合，那時候得有人聽你唱，你才有飯吃。大家肯定是觀眾喜歡聽什麼題材，就唱什麼題材，怎麼樣的唱腔更能讓觀眾記住你，下次還來聽你，這是那時演員的核心，生存，所以他們更投入。
現在沒這個樣了，大家都是領著國家的工資，沒有必要去琢磨唱腔，討好觀眾，只要唱得差不離，都能活。而且現在大家的創新、改革，大多也就是奔著政績去的，觀眾喜不喜歡也就沒什麼太大所謂了。當唱到90分，和唱到100分賺的錢一樣，那大家也就不去追求唱100，90就夠了。而當90分漸漸成為大家追逐的目標，80也就沒有差太多了。如此往複，大家的追求越來越低，自然會有現在不如原來的感覺。
而且現在演員對「戲」的理解也不同，大家追求的都很表面。各個流派的傳人學得都是表面的東西，感覺像是聽相聲里學四大鬚生，馬派學了一嘴大舌頭，麒派學了一副啞嗓子。沒幾個人學老先生的神，只去學形。有時候也到不是演員們不用功，而是功用錯了方向，每天琢磨著怎麼能「更像」，自然就不會變的「更好」。每個人都被鉗制在「流派」的小圈子裡，也就沒人能跳脫出這個圈子，往更高的地方去了。
而且大家也不那麼關注「戲」的內核，一場演出到想是個「唱段串燒」，把一個個唱段來個了串燒組合，「戲劇」本身應有的高低起落、啟承轉合變得不那麼重要。大家關注的方向有些走偏了，為什麼譚元壽先生流傳最廣的那版《打金磚》有很高的讚譽，因為這是「一顆菜」，每個人的每句話、每個動作都是為了戲劇本身服務，為了讓戲劇完整，或是完美的展現出來而做。
我曾經一度認為每天聽老唱片，看不上現在演員的人，都是一幫食古不化的老頑固。當然，這樣的人確實佔有很大的比例。但當我漸漸地聽多之後會發現，曾經的老先生們，和現在的所謂藝術家們的追求是不一樣的，曾經的老先生們更看重「戲」本身，而現在的藝術家們則是越來越看重自己「藝術家」的身份了。

我覺得現代唱腔有點歌的味道，這跟大環境有關係，畢竟現在京劇演員都學科學發聲，聲樂知識等等。聽楊寶森跟于魁智就能聽的很清楚。不過哪個好就仁者見仁智者見智了

以前是唱戲，現在是唱歌。
以前的人唱有感情，有個人的感情在裡邊。現在就是復讀機，是沒感情的唱歌。
我以前看過一個分析，說的特別有道理，這裡和大家分享。
你聽馬連良的，唱的感覺就是不一樣。馬連良前四大後四大都有他，無論唱哪出都有種得意的感覺。
再聽譚鑫培，那透出來的就是NB，畢竟老生可以說是跟他家出來的，唱老生的都可以算他徒子徒孫，能不NB嗎！
再說現在最火的一個老生，年年春晚都上的，你聽他唱就是嗓子好，沒什麼內在的感覺，少了一股勁兒。